Author Archives: Lady R

About Lady R

It's the R baby, It's the God baby.

Relación entre el asesinato de Laquan McDonald y 16 Shots de Vic Mensa

Vic Mensa – 16 shots, para que no olvidéis que un poli asesinó a Laquan McDonald.

“And we all know its cause he black, shot ‘em 16 times, how fucked up is that”

Vic Mensa ni siquiera necesitó nombrarlo hasta sus dos últimos versos para que todo Estados Unidos identificara fácilmente que este tema iba dedicado a Laquan McDonald, un joven afroamericano asesinado por la policía en octubre de 2014, en la ciudad natal de este mc, Chicago. Y es que es imposible borrar de la memoria de la población de esa ciudad, y de cualquier persona que lo viera, el vídeo en el que un agente de policía dispara 16 veces sobre este adolescente. Escalofriante escena que se incluye al final del videoclip de ’16 Shots’. Pero hay algo aún más escalofriante, adentrarse en la historia de corrupción, encubrimiento y ocultación de pruebas que se esconde detrás de este caso de brutalidad policial.

 

 

El tema vio la luz casi dos años después del día del asesinato de Laquan y se incluyó en el EP “There’s Alot Going On” (2016 – Roc Nation). En este periodo de tiempo, la indignante cronología que se fue sucediendo debió empujar a Vic Mensa a plasmar toda esa mierda en forma de canción y poder tirar una barra tras otra contra las fuerzas del orden: ‘So its, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, fuck 12!!! 16 shots, and we buckin’bak’ escupe con agresividad en el estribillo del tema. (*12 es slang usado para referirse a la poli). Pero si alguien está pensando que el de Chicago sólo quiso sacar rédito de la situación, debe saber que Vic participó activamente en algunas de las protestas que se organizaron, teniendo incluso problemas con la policía. ‘I just made me a mil’ and still militant’

No es casual tampoco que el clip de ’16 Shots’ se publicara cuando se cumplían dos años del asesinato de Laquan, con un oscuro contenido visual que es todo un alegato contra la brutalidad policial y en el que Vic Mensa no escatima en expresividad de su cuerpo para reflejar la indignación de toda una comunidad. Y no sólo lo hizo a través del vídeo del tema, si no que lo repitió en cada actuación y cada directo al interpretar ’16 Shots’. Puedes ver en youtube como en sus directos no falta alguna representación de la policía, sea en forma de figurantes, bailarines o de decorado y como se tira al suelo abatido mientras se relata el asesinato de Laquan en la outro del tema. De hecho, pocos días después del lanzamiento del clip, Vic Mensa interpretaba el tema en el show de Jimmy Kimmel con Travis Barker (Blink182) a la batería, metiéndose en una pelea, coreografiada con pasos militares, contra dos bailarines vestidos de policía.

_

El asesinato Laquan Mcdonald, un nuevo intento de ocultar la brutalidad policial

____

La noche del 20 de octubre de 2014, un policía asesinó brutalmente a Laquan Mcdonald, un chaval de 17 años, una vez más, de raza negra, y una vez más, la versión oficial proporcionada inicialmente distó mucho de la versión real. Versión que el sistema intentó encubrir por todos los medios, esta vez (por fin) sin éxito.

Esa noche, la policía de Chicago recibió una llamada en la que unos vecinos alertaban de que habían visto a un adolescente allanando vehículos en un aparcamiento de camiones. Varios agentes respondieron al aviso y se encontraron con Laquan, al que siguieron unos minutos observando que sostenía un cuchillo, así que decidieron pedir refuerzos y solicitaron por radio que se personara una patrulla con un táser. Fue el oficial Van Dyke el que llegó, y bajando del coche, desenfundó su pistola y disparó contra el chico en lugar de usar el arma de electrochoque. Según la versión oficial, Van Dyke había decidido abrir fuego por su propia seguridad y la de sus otros compañeros, al ver cómo el joven se estaba acercando hacia ellos empuñando el arma.

Fueron medios de comunicación independientes los que arrojaron luz al caso tras haber tenido acceso a la autopsia, que revelaba cómo Laquan había recibido 16 tiros, al menos dos por la espalda. También descubrieron y denunciaron la existencia de un vídeo en el que se podría apreciar claramente que, en ningún momento, Van Dyke había podido temer por su vida.

Autopsia Laquan McDonaldEl vídeo, grabado por la cámara del salpicadero de uno de los coches patrulla, no fue publicado hasta más de un un año después de los hechos. En virtud de la Ley de Libertad de Información, varios importantes medios de la prensa solicitaron el acceso a esta grabación pero se les negó una vez tras otra. Fue a raíz de esta sospechosa negativa, cuando se descubrió toda la trama de encubrimiento que se había puesto en marcha desde la noche del asesinato.

Y es que las imágenes del vídeo, como he dicho, incluidas al final del clip de Vic Mensa, son realmente estremecedoras y no dan lugar a discusión: la policía mintió. Laquan en ningún momento supone un peligro para ningún oficial. Cuando Van Dyke llega a escena y baja de su coche tarda, tan solo, seis segundos en comenzar a disparar al chico, al que se le ve alejándose por mitad de la calle, con las manos abajo y a una distancia ya prudencial de las patrullas. Tras los primeros disparos, Van Dyke no recula (como declaró en su momento) sino que sigue disparando mientras se acerca más al chico, que se desploma en el suelo y en ningún momento intenta levantarse. Las imágenes son espeluznantes, tanto que hasta se puede percibir el humo provocado por los balazos.

 

 

Sin embargo, este vídeo no vio la luz hasta un año después de la muerte de Laquan, cuando un juez ordenó su publicación de forma inmediata como respuesta a la denuncia del periodista Brandon Smith después de que la policía rechazara una y otra vez las peticiones de visionado de la cámara. Las consecuencias no se hicieron esperar, un día antes de la fecha límite para la publicación del vídeo, el alcalde de Chicago, Rahm Emanuel, hacía un llamamiento a la calma y la fiscal del condado, Anita Álvarez, anunciaba que se imputarían cargos por homicidio en primer grado contra Van Dyke, dos actos que dieron a entender cómo se había intentado ocultar la verdad bajo intereses políticos.

La omisión del vídeo fue sólo el principio, a partir de ahí se fue descubriendo todo el entramado mediante el que hubieran conseguido dar carpetazo al asunto si no hubiera sido por la aparición de esas imágenes, empezando por el nivel base: el departamento policial, que desde el primer momento, puso a girar la rueda para disfrazar, una vez más, un asesinato bajo el nombre de uso justificado de la fuerza. Todos los policías allí presentes, al menos siete agentes, conspiraron para apoyar la mentira de Van Dyke, un agente que, por cierto, coleccionaba unas veinte quejas civiles en su contra durante sus catorce años de servicio, que iban desde uso excesivo de la fuerza, hasta insultos racistas, sin haber sufrido nunca ningún tipo de medidas disciplinarias. Se dice que, en comisaría, incluso obligaron a algún testigo a cambiar declaraciones para que cuadrara con la versión que querían dar. Versión que los medios tradicionales, cómo no, parte de esta asquerosa maquinaria, repitieron como perritos obedientes.

Para más inri, aparte de la ocultación del vídeo de la cámara del coche policial, es muy posible que se destruyera la grabación de la cámara de seguridad de un Burger King próximo al lugar de los hechos. Según el encargado del establecimiento, la policía entró poco después del tiroteo y solicitó acceso al sistema de seguridad de la entrada. Pasado un rato, había sido borrada más de una hora de grabación que coincidía con la hora de los hechos.

Pero para intentar evaporar una historia así, se necesita algo más que ese primer escalón de encubrimiento a nivel policial, el crimen tuvo que ser, obviamente, tapado por diversas autoridades superiores y contar con la ayuda de los órganos estatales correspondientes, empezando por la fiscal, el consejo municipal o la alcaldía. ‘The mayor lying saying he didn’t see the video footage’ canta Vic Mensa en los primeros versos de 16 shots. Se supo incluso que, cuando se encontraron contra las cuerdas, Chicago ofreció un acuerdo por 5 millones de dólares a la familia de Laquan a cambio de la no divulgación del vídeo.

Tanto el alcalde, pieza importante del Partido Demócrata, como otros peces gordos del poder, debieron sentir pánico ante la protesta, incluso revolución que podía venírseles encima. Los recientes antecedentes tras el asesinato de Michael Brown en Ferguson (que dejaré para otra ocasión) o de tantos otros disturbios provocados por casos semejantes a lo largo de la historia eran prueba inequívoca de lo que el conocimiento de la realidad, apoyada por unas imágenes tan espeluznantes (como ocurrió por primera vez con Rodney King), podía provocar en una ciudad considerada baluarte histórico del partido y en la que Obama había obtenido tantos apoyos. ¿Podían permitirse en el partido que otro asesinato de un joven negro cayera bajo el mandato de un presidente negro?

Pero el daño ya estaba hecho. Otro chaval de raza negra había vuelto a ser asesinado por la policía con total impunidad y había sido visibilizado por millones de personas en sus casas: ‘Cops killlin kids and stayin’ out of jail. Chicago estaba en un momento crítico. El mundo había podido ver todo lo que habían tratado de enterrar y las calles no tardaron en ser tomadas al grito de ’16 Shots and a cover up. Las manifestaciones se sucedieron durante meses por el centro de la ciudad, mayormente sin graves incidentes, aunque no exentas de ciertos enfrentamientos con los agentes. Consecuencia importante fueron las pérdidas económicas ocasionadas los primeros días, coincidiendo con las fechas de compras navideñas o el Black Friday, debido a que algunos establecimientos optaron por cerrar sus puertas ya que las protestas se concentraron en las calles más comerciales de la ciudad y los manifestantes realizaron acciones como apagar las luces de un gran árbol de navidad. También unos estudiantes de medicina hicieron un simulacro de muerte, de 16 minutos, frente al Palacio Municipal.


 

Algunas de las peticiones de los manifestantes eran la dimisión de la fiscal o el alcalde, aseguraron que harían una sentada de 16 días frente a su casa para forzar su renuncia. También la de Garry McCarthy, el superintendente de la policía, que fue destituido por Emanuel en diciembre: ‘es un excelente líder pero la ciudad necesita a alguien nuevo capaz de restaurar los lazos entre la comunidad y la policía.

Y por fin, cuatro años después, en Estados Unidos se oía esa combinación de palabras tan extraña… ‘juicio a un policía por asesinato’. Y el veredicto era aún más insólito “CULPABLE”. Unas palabras que no se oían desde unos 40 años atrás, y que pocas personas guardaban fe en escuchar. De todos modos el juicio no estuvo exento de polémicas, empezando por la elección del jurado, en una ciudad en la que sólo un 40% de los residentes son blancos. También por el intento de la defensa de mover el juicio a otro condado.

Después de tan solo 7 horas de deliberación, al fin se hacía justicia en un caso de estas características, y Van Dyke fue declarado culpable de homicidio en segundo grado aunque la acusación era de primer grado, (reduciendo así de buena manera la condena) y 16 cargos de agresión agravada, uno por cada disparo, puesto que cada disparo privaba más a Laquan de la posibilidad de sobrevivir.

Aunque de momento, esta sentencia es sólo un caso aislado y no debemos olvidar dónde poner el foco, al fin, toda una comunidad podía beber de una pequeña gota de justicia en medio de esa oleada histórica de casos de brutalidad policial en los que la policía siempre había salido indemne.

”This for Laquan on sight, when you see Van Dyke
tell him I don’t bring a knife to a gunfight”
Vic Mensa – 16 shots.

 

Texto por Lady R

GZA, Liquid Swords.

Gza – Liquid Swords

(1995 – Geffen Records)

Entre la infinidad de álbumes existentes de Wu-Tang (que a estas alturas no necesitan presentación) y su legión de miembros y afiliados, encontramos una primera ola de discos esenciales para cualquier amante del rap, desde el primer largo conjunto “Enter the Wu-Tang: 36 Chambers” pasando por los lanzamientos en solitario de distintos de sus integrantes como el que nos ocupa hoy: el gran “Liquid Swords” de GZA, para la que escribe, uno de los mejores discos de la historia de la crew.

Opuesto a esos locos como ODB o Method Man, Gza es ese miembro sereno de Wu, el amigo empollón que prefiere jugar al ajedrez en el parque. El de las rimas más trabajadas, el del tono grave y serio. La calma en forma de rap. El único miembro (aparte de Method) que puede presumir de disponer de un tema sólo para él en el álbum debut debut de Wu-Tang. Él único que puede autodenominarse Genius sin parecer pretencioso ni resultar ridículo.

La síntesis del disco bien podría hacerse simplemente mostrando la foto de la portada nacida de la mano de Denys Cowan, respetado dibujante de cómics. Ésta resume a la perfección los ingredientes básicos para cocinar un discazo de Wu-Tang: ajedrez, películas de kung-fu y cómics.

Grabado en un estudio irrisorio que había creado RZA en su apartamento, «Liquid Swords» se ha ganado ese puesto de disco clave en la discografía de Wu gracias a la destreza lírica demostrada por GZA verso tras verso y su habilidad única en el uso de la metáfora. Todo ello combinado con el impecable trabajo instrumental de su primo RZA, que saca el máximo partido a ese sonido oscuro tan característico del clan dejándonos en este disco varios de los mejores beats de su carrera. Pero lo que verdaderamente hace especial este disco es lo bien que se complementan ambos. GZA por medio de sus metafóricas letras y su trabajado estilo al micro permite a RZA elevar un grado más su locura en la producción, experimentado con sonidos de instrumentos fantasmales o melodías hipnóticas bañadas en un soul impredecible. «Liquid Swords» es un disco inquietante en el que las barras de GZA encajan como en ningún otro lugar. Esas barras mediante las que te coge de la mano y te lleva de paseo por las más peligrosas calles de Nueva York.

Links was snatched off necks, scars on throats
Jackets took, after bullet rips through coats
Against those who felt the cold from the steel made ‘em fold
And squeal, once the metal hit the temple of his grill

Para entender lo que quiero decir basta con ponerte Cold World, ese track que todo seguidor acérrimo o puntual de Wu hemos debido escuchar mil veces y que aún consigue ponernos la piel de gallina cada vez que clavamos la aguja sobre él o cada vez que reproducimos su videoclip que el mismo GZA se encarga de dirigir al igual que hizo con los otros tres clips del disco. Instrumentalmente tiene todos esos ingredientes de los que hablaba: es inquietante, fantasmal, frío, oscuro, incluso terrorífico. Líricamente es descarnado, crudo, negro. Puro storytelling. Parece, además, que GZA consigue que los demás se crezcan a su lado, porque el estribillo de Life, y el feat que se marca aquí Inspectah Deck, el amo de las colabos (sí, yo también estoy pensando en Above the Clouds) es increíble, tanto que incluso consigue eclipsar al genio de la palabra.


Otro de los temas más espectaculares de «Liquid Swords» donde GZA nos muestra sus impresionantes habilidades líricas es Labels, una historia de desacreditación construida a partir de nombres de diferentes sellos desde Columbia, Motown, o Atlantic, hasta Def Jam, Interscope, Ruthless, Death Row, o Wild Pitch, la mayoría de ellos desaparecidos en la actualidad. Toda una exposición de su creatividad, puro name droppin’ en el que quiere dejar patente el resquemor que guarda debido a que su disco anterior “Words from the Genius”  publicado por Cold Chillin’ antes incluso de la formación del Clan, pasara desapercibido.

En relación a eso de crecerse como Deck en Cold World, no puedo dejar de nombrar otra gran colabo del disco, la de Method en Shadowboxin, una de las mejores apariciones de su carrera;  y, como no, la de Ghostface escupiendo pura ciencia en 4th Chamber (por cierto, menuda instrumental hipnotizadora se marca RZA, que también se echa unos versos aquí).

Estos y todos los demás feats del álbum son de miembros directos de Wu Tang, como último ejemplo nombraré a los artífices del “OB4CL” Ghostf y Raekwon dejando su marca para la historia en Investigative Reports, una paranoia sobre el mundo del crimen, sin duda la temática favorita de esta dupla. Un tema que junto a otros a lo mafioso como Gold, te hace sentir ese halo cinematográfico que está presente en el álbum.

 

 

 

 

Ocho años después de la publicación de «Liquid Swords» en 2003, GZA y RZA protagonizaron una escena junto a Bill Murray en la película independiente «Coffee and Cigarettes» dirigida por Jim Jarmusch.

Pero el cine de gangsters a lo «Scarface» o «The Mack» no es el único presente en «Liquid Swords». Por supuesto, como buen miembro de Wu, no faltan las referencias al cine y artes marciales del lejano Oriente (diálogos de pelis como «Shogun Assassin») como en Duel of the Iron Mic. No olvidemos que GZA y compañía viven en la bautizada por ellos mismos como: Shaolin Land.

El último track, firmado por dos Wu Affiliates marca una diferencia con el resto: es el único en el que RZA no se encarga de la producción, dejando su lugar a 4th Disciple y GZA cede el micrófono para lucimiento de Killah Priest: BIBLE (Basic Instructions Before Leaving Earth) un track completamente distinto al resto del disco. ¿Arriesgado terminar con él? Podría parecerlo, pero el Killah Manifesto cierra el álbum perfectamente, con un llamamiento a la paz que aborda la desunión racial y religiosa sobre un relajante beat acompañado de un bonito sample vocal.

Así que si aún no tienes tu copia de «Liquid Swords» corre a hacerte con alguna de las muchas ediciones que existen, de las cuales algunas incluyen pequeños detalles como un póster y otras son auténticas piezas de coleccionismo como las Box Sets editadas por Get On Down en las que se incluye un ajedrez y mil detalles más que te harán babear.

 

Texto por Lady R

Toy Gun vs Element

El homenaje de Kendrick Lamar a Gordon Parks en ‘ELEMENT’

A finales de junio, Kendrick Lamar publicaba el videoclip de ELEMENT, uno de mis temas favoritos de su último disco, «DAMN».  Un vídeo plagado, sin duda, de imágenes muy potentes y de alto calado social, nada que nos sorprenda viniendo del mc de Compton. ¿Qué otro tipo de acompañamiento visual podrían tener las líricas que nos bombardean los oídos cada vez que pinchamos alguno de los cuatro discos que hasta ahora nos ha brindado el considerado uno de los mejores mc’s del panorama actual? 

_

___

No tengo conocimiento sobre quién habrá sido la mente que ha ideado idea la mayoría de las escenas que podemos ver en este clip (sí que está dirigido por él mismo y su mánager), pero sé que si vas haciendo pause al azar, será difícil que no te quedes mirando un fotograma que resulte realmente atractivo o provocador a tus ojos, fotogramas que podrían ser una captura de cualquiera de tus fotógrafos urbanos favoritos.

De hecho, y es por esa razón por la que me decidí a escribir este artículo, varias de esas geniales imágenes de las que podemos disfrutar en ELEMENT, son unas muy acertadas recreaciones de la obra de uno de los fotógrafos más importantes para la documentación de la segregación imperante en la USA de los años 40-60: Gordon Parks.

Desde luego, no soy yo la primera en hablar de ello, poco después de la publicación de ELEMENT, varios fueron los medios que se hicieron eco de esta referencia. Aún así, he creído necesario ahondar más en este asunto como excusa para dar a conocer un poco más la marca que Gordon Parks dejó en la historia. Sin su gran labor de documentación a través de su mirada inquisitiva, no podríamos conocer mucha de la lucha por los derechos civiles y las causas de su origen. El realismo de sus imágenes supuso un puñetazo en la cara para una sociedad que aún no estaba concienciada.

El homenaje de Kendrick a Gordon Parks recrea varias de sus fotos que serán más o menos reconocibles según el conocimiento que se tenga de la obra de este fotógrafo, pero hay otra referencia menos evidente si no se conoce su biografía. Esta es, nada más y nada menos, la secuencia inicial del vídeo. Esa mano saliendo del agua (que más tarde dará paso a escenas de fuego, abriendo esa dualidad presente durante todo el vídeo) os resultará una fantástica alegoría si os digo que Gordon Parks solía contar que un doctor le declaró muerto al nacer y que resucitó al sumergirlo en una palangana repleta de agua helada, idea de otro doctor presente en la sala, el Dr. Gordon, de ahí su nombre. ‘Comencé a gritar y no he dejado de gritar desde entonces’ recuerda en un documental. La mano también podría recordar a la portada de uno de los libros que Gordon Parks escribió, «Born Black: A personal report on the decade of Black Revolt». 

Tras la publicación del vídeo, la misma Fundación Gordon Parks se declaró encantada con el reconocimiento que Kendrick había tenido hacia la figura del fotoperiodista, poniendo muy en valor que un artista contemporáneo de su talla difundiera y entendiera la importancia de una obra como la de Parks. Además su director se atrevió a elegir su escena favorita del vídeo: la recreación de Boy With June Bug.

 

Fotograma de ELEMENT vs foto original 

 

Para mí, el mayor poder visual de ELEMENT reside en la manera en que refleja la convivencia entre la inocencia de la infancia y la violencia e ira que va gestándose, casi inevitablemente, al crecer en un barrio marginal. Boy with June Bug, en el minuto 0:39, es uno de esos instantes íntimos de total inocencia y serenidad. La foto original fue tomada en 1963 en la ciudad natal de Gordon Parks, Fort Scott en Kansas, mientras escribía su semi autobiografía «The Learning Tree» (que más tarde sería adaptada por él mismo al cine). Concretamente fue tomada en un lugar al que llamó “the mecca of bigotry”, nombre muy significativo para el contexto del vídeo.

A lo largo del artículo iré desgranando todas las recreaciones de la obra de Gordon Parks presentes en ELEMENT, pero es interesante ir desgranando, a la vez, su trabajo y su vida para poder contextualizarlas mejor y así, entender más ampliamente aquello que posiblemente se ha querido contar y denunciar en el vídeo de Kendrick mediante este homenaje y que no está tan alejado de lo que denunciaba Gordon Parks en sus reportajes.

Sin duda, si la figura de Parks es importante y significativa por algo, aparte de por su trabajo, es por ser el primer fotoperiodista negro contratado por la revista LIFE, una de las revistas más importantes de la época. También el primero en trabajar para Vogue. También el primer director negro de Hollywood. Ha retratado como nadie la pobreza de muchos anónimos pero también el éxito de unos cuantos famosos. Su cámara ha recorrido las calles de Nueva York pero también las favelas de Brasil (gracias a un conmovedor reportaje sobre un niño enfermo de Río de Janeiro, consiguió donativos suficientes para su tratamiento.)

 

Reportaje de Gordon Parks sobre Flavio en LIFE / Noticia sobre el impacto y resultado del reportaje anterior

 

El reportaje que le abrió las puertas de LIFE e inició sus más de 20 años en plantilla, fue “Harlem Gang Leader”, un retrato de la brutalidad de un barrio como Harlem conseguido después de pasar dos meses al lado del líder de la banda: Red Jackson, de sólo 17 años. El objetivo de Parks era visibilizar cómo el eje de la delincuencia estaba muchas veces movido por críos que hubieran tenido otra forma de vida si la pobreza y la marginalidad no hubiera estado tan presente en sus vidas, contando la historia con algo de simpatía hacia los protagonistas.

Las fotos no se centraban sólo en relatar las peleas callejeras sino también el reposo entre los muros de su cama o la mirada del líder ante el cadáver de un miembro de su banda. Parks creía que dando visibilidad a la brutalidad que puebla en las calles de un barrio como Harlem en un medio de lectores mayoritariamente blancos, podría ayudar a tomar conciencia del por qué muchos se ven abocados a este tipo de vida. Sin embargo, el tono final del reportaje no estuvo tan enfocado en este sentido denunciante, debido al texto que acompañó a las fotografías, dedicado más bien a enfatizar la violencia, razón por la cual, Gordon Parks decidió que en próximos trabajos se encargaría él mismo de los textos de sus reportajes.

En el vídeo de ELEMENT, hay un par de escenas de lucha (minuto 2:04 y 2:30) en la que podría decirse que existe cierto paralelismo con alguna de las fotos de este reportaje.

 

Dos fotogramas de ELEMENT vs Fotos para el reportaje Harlem Gang Leader

 

Antes de LIFE, Gordon Parks tuvo varios trabajos, desde pianista en un burdel a camarero o leñador, pero encontró su verdadera vocación cuando, mientras trabajaba en un tren, alguien olvidó, en el asiento, una revista en la que le llamó la atención una foto de Arthur Rothstein en la que aparecía un inmigrante desesperado en busca de un trabajo en América. Así que, al bajar, compró su primera cámara. Tenía 25 años y se acababa de abrir un nuevo horizonte ante él.

Me di cuenta de que la cámara podía ser un arma contra la pobreza, contra el racismo, contra todo tipo de males sociales. Entonces supe que tenía que tener una’

· Gordon Parks

 

Gordon Parks nació en una familia pobre, siendo el menor de quince hermanos y quedó huérfano de madre a los 14. Como cualquiera en su entorno, sufrió desde crío las injusticias provenientes de la segregación,  además del desprecio ante el intento de progreso de su raza, representado, por ejemplo, en una profesora que intentó disuadirle de iniciar sus estudios universitarios debido a que los negros estaban destinados a tener oficios como el de portero. A ella dedicó su doctorado en Humanidades.

Empezó a tomarse en serio su ojo como fotógrafo después de que la dueña de la tienda donde solía revelar, halagara la calidad de sus imágenes. Así, obtuvo una beca de la FSA (curiosamente los encargados de aquel reportaje que significó el encuentro de su vocación). Fue a comienzos de los cuarenta y su trabajo consistió en retratar la vida cotidiana de los afroamericanos. La humanidad que sus fotos desprendían, así como ese halo poético que siempre bañaba sus imágenes, le abrieron un camino que no dejó de seguir durante toda su carrera.

La contratación de Parks en LIFE, fue un movimiento muy inteligente por parte de la revista ya que podía encargarle reportajes que hubieran sido mucho más difíciles o controvertidos de realizar para un blanco, por ejemplo el que realizó sobre los Black Panthers o su Black Muslims Series. Sin embargo, a veces esto se le volvía a Parks en contra por tener que pelear con los jefes de la revista por el contenido de los textos con los que quería acompañar las fotografías.

En ocasiones, también fue duramente criticado por otros negros que consideraban que había vendido su trabajo al opresor. Fue, en gran parte, la amistad y confianza que depositaba en él Malcolm X (Gordon fue el padrino de su hija Qubilah Shabazz) lo que le permitió conseguir ciertas fotografías difícilmente abordables para cualquier otro.

Ya hemos hablado de elementos como la inocencia, la violencia o la raza en ELEMENT, pero otro de los elementos muy presentes en el vídeo es la religión. En relación a esto, un par de fotogramas del vídeo de Kendrick Lamar recrean imágenes de estos icónicos reportajes de Gordon Parks, pertenecientes a Black Muslims y centrados en la Nation of Islam. No entraré a hablar sobre la historia de la NOI puesto que poco podría añadir a todo lo que ya habló mi compañero BigBrothaBob hace tiempo en CryptaMag. Sólo comentar que el retrato que Gordon Parks hizo de los miembros de la NOI ayudó a alejar un poco la imagen fanática y peligrosa que de ellos se proyectaba normalmente en TV y prensa, enfatizando la importancia de la familia o la disciplina.

 

Fotograma de ELEMENT vs foto original

 

La primera es esta escena del minuto 0:46 y que se repetirá en el 2:57, en la que vemos a estas mujeres alineadas en forma de triángulo, levantando la cabeza y mirando directamente a cámara. Nos remite fácilmente a esa foto de Gordon Parks tomada en 1963 en Chicago, en la que al frente del grupo encontramos a Ethel Sharrieff, la hija de Elijah Muhammad, el líder de la Nación del Islam. Dejando Kendrick aparte un instante, la directora de fotografía Mandy Walker también se inspiró en esta foto para una escena de la peli «Figuras Ocultas».

En la línea de ésta y perteneciente también a la serie Black Muslims, podría decirse que, en el vídeo de HUMBLE, Kendrick encontró inspiración en otra foto de Gordon Parks, titulada Black Muslims Rally, para la escena del minuto 2:24. De hecho, HUMBLE y ELEMENT comparten parte de imaginería en sus vídeos.

 

Fotograma de HUMBLE vs foto original

 

Black Muslims Train in Self-Defense es el nombre por el que se conoce a esta foto recreada en el 01:42 de ELEMENT, tomada también en 1963 después de conocer a Elijah Muhammad por mediación de Malcolm X. La escena de estos hombres uniformados ejecutando una coreografía que se supone de lucha, de esa manera tranquila y ordenada, refleja ese enfoque disciplinario y sereno que Gordon quería destacar al hablar de la Nación del Islam. Una sensación que ha sido muy bien trasladada al vídeo.

 

Fotograma de ELEMENT vs foto original

 

Saliendo ya de la serie Black Muslims, quizá la recreación que mejor resume el contenido del vídeo sea la de una foto tomada en Alabama el 1956 incluída en su libro «Segregation Story», para LIFE. Para realizar este ensayo, Gordon recorrió el sur de USA retratando la vida cotidiana de las familias negras. Esos niños de temprana edad con un arma, aunque sea como juguete, conjugan a la perfección las imágenes de inocencia y brutalidad que se dan la mano constantemente en ELEMENT.

 

Fotograma de ELEMENT vs foto original

 

Como he dicho al inicio, Gordon Parks no sólo fotografió a anónimos en contextos socialmente desfavorables. La elegancia de sus fotos le permitió ser colaborador habitual en las páginas de Vogue, además de en las páginas de moda de LIFE, sacando partido como nadie a las modelos y su ropa, incluso en color, algo poco habitual en su trabajo más denunciante. También pasaron por delante de su lente importantes figuras de todos los ámbitos de la sociedad o estrellas de cine: Duke Ellington, Ingrid Bergman y Roberto Rossellini, Alberto Giacometti, Marilyn Monroe y, como no, Muhammad Ali poco después de convertirse al Islam.

 

 

Algunas fotos de moda by Gordon Parks

Malcolm X, Muhammad Ali, Duke Ellington and Marilyn Monroe by Gordon Parks

 

Sólo Gordon Parks podía retratar, con tanto éxito, el lado más íntimo y tierno de alguien considerado tan arrogante como Ali, al que fotografió dentro y fuera del ring durante cuatro años. Hecho que tampoco Kendrick Lamar ha querido dejar de plasmar en su vídeo, inspirando una de sus escenas en una paternal foto en la que el boxeador está entrenando a un niño.

 

Fotograma de ELEMENT vs foto original

 

Como hemos podido recordar de la mano y la voz de Kendrick, las lentes de Gordon Parks han dado muestra de la injusticia y marginalidad reinante en América durante años y años. Es por eso que, a pesar de no estar recreada en el vídeo, no me gustaría acabar el artículo sin hablar de la que, posiblemente, sea su foto más conocida e icónica: “American Gothic”. La trabajadora Ella Watson posa entre una escoba y una fregona delante de la bandera de Estados Unidos. Recta y digna pero con una expresión que refleja su cansancio. Era el 1942 e, inmediatamente, esta imagen se convirtió en un símbolo, una descripción visual de las desigualdades sufridas por la comunidad negra en el país. Gordon Parks explica que tomó esta foto un día en el que estaba especialmente indignado por haberle sido vetada la entrada en una tienda, un restaurante y un teatro debido al color de su piel. No deberíamos pasar por alto tampoco el título de la foto, igual al del popular cuadro de Grant Wood.

American Gothic by Gordon Parks

Para acabar, tampoco me gustaría pasar por alto las otras facetas a las que Gordon Parks dedicó parte de su vida y es que, cómo solemos decir, podría haber sido un hombre autodidacta del Renacimiento. Además de ser fotoperiodista, compuso piezas musicales, escribió novelas, ensayos, poemas, varias memorias y como dijimos al principio, fue director de cine. El primer director negro de Hollywood con The Learning Tree, una historia autobiográfica de una familia negra en un pueblecito de Kansas,  y fue el primero en hacer una peli en la que el prota era un inspector negro: «Shaft», una de las primeras y más representativas pelis del Blaxpoitation.

Así, siete años después de su muerte, con este acertado homenaje, Kendrick pone de nuevo en el candelero a Gordon Parks no sólo reviviendo su figura gracias a su poder mediático, sino también dotando de movimiento, de vida, a esas icónicas imágenes del polifacético fotógrafo. Imágenes que tantos años después siguen necesitando de alguien que no deje caer en el olvido aquello que denunciaban.

NOTA: Aunque no tiene nada que ver con Gordon Parks, me resulta imposible cerrar este artículo sin hacer mención a otra referencia que he visto en el vídeo de ELEMENT. Esta vez a uno de mis fotógrafos favoritos debido a la ironía de la que impregnaba sus fotos, Elliot Erwitt, célebre fotógrafo de la prestigiosa Magnum.

 

Fotograma de ELEMENT vs foto original

‘He conocido la pobreza, pero he aprendido la manera de combatir esos demonios, los demonios del racismo, con una cámara de fotos’

· Gordon Parks

 

Texto por Lady R

 

SnoopZilla & Dâm Funk – 7 Days of Funk

Artwork: Lawrence Hubbard · Dirección de Arte: Jeff Jank

_

SnoopZilla & Dâm Funk – 7 Days of Funk 

(2013 · Stones Throw)

___

El catálogo de Stones Throw suele ser sinónimo de calidad y eso que, muchas veces, sus publicaciones llevan un componente implícito de riesgo. Es uno de esos pocos sellos donde aún se da cabida a proyectos movidos únicamente por un criterio que suena ya casi arcaico: el amor a la música. Stones Throw no está, desde luego, formado por cobardes, que allí le echan un par y se atreven con todo tipo de sonidos, no es una información sorprendente para nadie y menos después de todo lo que hablaremos estos días en Crypta.

Por eso cuando, en 2013, se anunció que iban a lanzar un disco firmado por Snoop Dog y Dâm-Funk (investiga más sobre su carrera en este artículo) un rayo de esperanza iluminó mi cabeza, aunque no nos engañemos… dada la experiencia que tenemos con los curros del colega Snoop, la carga del rayo tampoco era muy potente, puede que ya sólo me alcanzaran las chispas. Sin embargo, los nubarrones se disiparon al escuchar el primer single y, lo que realmente me bautizó fue la luz de un sol bien hermoso de verano, porque eso es a lo que me suena «7 Days of Funk», a verano, a Sol, a luz, a fiesta en la playa, buen rollo, al puto Dâm-Funk haciendo revivir al viejo perro, paseándolo en lowrider por esa California funky que parecía que había olvidado y abandonado.

Desde el inicio de su carrera discográfica, en 1993, es raro el año en que las estanterías de las tiendas no han recibido un nuevo disco de Snoop, moviéndose además entre distintas -y distantes- aguas musicales. También le hemos visto en cine (puede que más veces de las que nos gustaría) haciendo desde papeles protagonistas de dudoso honor -pienso en Bones- a secundarios en pelis casi de culto para muchos en esta movida – sí, me refiero a Training Day. Este jodido perro ha explorado casi todos los campos posibles y se ha apodado de cien formas distintas. Así, ha vivido más de 20 años de carrera musical, cambiando de camisa cada tanto, pasando del rap al pop, intentando reencarnarse a través del reggae (esto mejor lo ignoraremos). Ha trabajado con todos los productores de la élite y su larga lista de colabos la componen una serie de nombres de lo más dispar, vamos… no escapó ni el fenómeno mundial Psy.  Pero… realmente ¿qué reteníamos en la memoria cuando nos acordábamos de él? Quitando algún que otro tema(zo) suelto (lo reconozco, me flipa muchísimo Sensual Seduction/Eruption), siempre acabábamos volviendo a su “Doggystyle”, sí, siempre.

Dâm Funk & SnoopZilla

Ay Snoop, 20 añitos desde tu ópera prima son los que nos hiciste esperar para sorprendernos (por lo menos a la que escribe, muy gratamente) con este genial 7 Days of Funk, acudiendo de nuevo a un sonido cercano al que hizo que nos conquistaras en tus inicios.

Pero basta de adorar y/o hacer que le piten los oídos a Snoop, él es sólo el 50% de este disco. Desde luego, no se me ocurre un partenair más idóneo para su resurrección que Dâm-Funk. Depositario de un sonido a caballo entre los 80 y un futuro aún inexplorado, sus melodías componen un funk moderno con sabor a retro, sus ritmos electrónicos salidos de sus teclados reviven y reinventan ese G/P-funk ideal para el Perro.

La unión entre ambos era sólo cuestión de tiempo, desde que, tanto uno como el otro, nacieran en 1971, sus biberones musicales han nutrido sus cuerpos y almas con los mismos ingredientes: sonidos clásicos como James Brown, locuras futuristas como las de Parliament, el talkbox de Zapp, la energía de Rick James o el histrionismo de Prince.  Dos adolescentes que quemaban la pista bailoteando en las mismas fiestas californianas y que eligieron dos ramales distintos de un mismo camino que acabarían convergiendo. Uno eligió el desvío más electro, el otro, puro gangsta rap. Uno llegó al punto de encuentro de una forma más underground, con el estatus de un ídolo venerado en un círculo pequeño pero selecto, el otro convertido en un indiscutible súper ventas. Y, al final del camino, para unirlos al fin bajo su paraguas, les esperaba Peanut Butter Wolf, desde luego, no había nadie mejor para sostener un emparejamiento de ese nivel, contando además con su experiencia reciente al lanzar “Higher”, el trabajo de Dâm-Funk con Steve Arrington (Slave). Con 7 Days of Funk, Stones Throw lanzó un disco que es un placer para los fans del género y que, con total seguridad, atrajo, conquistó y captó a otros que aún no sabían que lo eran.

Montados en nuestro flamante Cadillac, pisamos el acelerador y paseamos por la costa californiana, melena al viento, para disfrutar a todo volumen de estos escasos 40 minutos de pura vitamina para el cuerpo que es 7 Days of Funk. Pura fiesta que comienza sólo con ver ese genial artwork de Lawrence Hubbard aka Raw Dawg (con ese aka no podía ser más idóneo para el curro) de Real Deal Comix. ¿Qué mejor para ilustrar este sonido que alguien cuyos dibujos son puro blaxploitation sazonado con historias de hustlers? Una ilustración que sin duda nos evoca de algún modo aquel Doggystyle.

_

El artwork completo de Raw Dawg

___

Sacado el disco de su fantástica funda y puesto play, mientras conducimos, no podemos evitar que nuestro cuerpo se balancee al ritmo de esas melodías creadas por sintetizadores endiablados sobre las que ronronean voces robóticas. Lo flipamos con unas geniales líneas de bajo mientras resuenan cajas de ritmos vintage. Cabe decir que ésta fue de las pocas veces que a Snoop le producía el trabajo entero un mismo productor. No hay duda que, tras aquel Dre de la época «Chronic», seguramente Dâm-Funk sea el que le ha dado los ritmos que más le representan, los más estrictamente west coast. Y es que, en toda la duración, notamos vigentes esas influencias de las que hablábamos antes, esas figuras de nombres George Clinton o Roger Troutman, sin olvidar aquellas que directamente colaboran en el trabajo, dándole cierto toque de anacronismo musical: Steve Arrington en ese tema de amor cósmico que es 1Question o la siempre genial voz de Bootsy Collins en Hit da pavement, energía pura para abrir un disco. No olvidarnos tampoco de ese bonus tan G-funk, Systamatic con Tha Dogg Pound, reunión que despierta una melancolía a la altura de los acontecimientos.

Con un ojo puesto en el pasado, y el otro mirando al futuro, oscilando entre el rap más pimp a lo Hit de pavement y los ritmos más smooth a lo Do My Thang, el viaje es variado pero sin impedir, en absoluto, que sea un trabajo de gran equilibrio, (equilibrio, ese concepto que la discografía de Snoop no conoce demasiado bien.) Dâm-Funk consigue hacer sonar los aparatos más retro de la forma más moderna imaginable motivando a Snoop con tal éxito que hace rebrotar su rap más gamberro tras esa estúpida y pasajera conversión reggae.

SnoopZilla & Dâm Funk en directo

Resucitado para la ocasión bajo el apodo de SnoopZilla (genial homenaje al gran Bootsy, de hecho se refiere en Faden Awaya él mismo como Snoopy Collins) y de vuelta a los rizos más curly, encontramos a un Snoop con más groove que nunca, que se lo está pasando genial, having funk a tope, por si igual necesitábamos recordar lo divertido que puede llegar a ser, no sólo rapeando sino también cantando sin complejo alguno (vaya estribillos pegadizos). A nivel lírico, sin sorpresas en cuanto a temática y sin demasiada profundidad (¿quién la necesita en un disco así?) pero con un flow de los de antes. Party, hierba, mujeres, quizá esto último desde un perfil menos rayante en lo misógino del que acostumbra, podría atreverme a decir, incluso romántico, y si no, pulsa play a I’ll be there 4U, aunque puede que la figura de la mujer sea sólo un símil del funk.

 

“You may think I’ve had enough, but it’s a must I find my way back to the funk” (Ill be there 4U)»

Siete días a la semana, siete temas, seven days to find the funk. “There’s only seven days in a week, so what’s after that? Another seven days of funk” que decía Dâm-Funk en una entrevista. En resumen, como podemos escuchar en el opening track Hit Da Pavement: Daaaam-Funk and Snoopzilla, yeah, are searching through them and space to fiiiiind the funk and reconnect the mothership!

Y parece que la reconexión no fue pasajera para Snoop, desde este 7 Days of Funk, al menos para una servidora, ha sacado los mejores discos de su carrera en muchos muchos años.

_

___

P.D: Existe una edición especial, formato setbox, lanzada en febrero de 2014, formada por ocho 7’’: los siete temas con sus respectivas instrumentales, más el octavo con el bonus track y un tema inédito: Wings. Aaaay, quién tuviera pasta.

Texto por Lady R

Verlan, el slang de la banlieue y su presencia en el rap francés.

verlan

“Chacun sa mafia, chacun sa mifa”

Te guste el rap francés o no, seas entendido en ello o no, esta mítica frase de la colabo de los franceses NTM con Nas en Affirmative Action, tiene altas probabilidades de haber llegado hasta tus orejas. Si, además, tienes una ligera o amplia idea -simplemente académica- del idioma, te habrás preguntado varias veces “qué coño dicen de mifa?”. A estas alturas de la película posiblemente ya habrás encontrado la respuesta y sabrás que mifa significa familia en verlan. Pero ¿qué es exactamente el verlan, cuál es su origen, cómo se forma y qué protagonismo tiene en el mundo del rap?

_

_

INTRODUCCIÓN

___

Según el diccionario referencia de la lengua francesa, el verlan es un “argot convencional que consiste en invertir las sílabas de ciertas palabras.” Sin entrar aún en detalles y sabiendo que mifa es una variante de mille-fa, se ve claramente la “verlanización” de fa-mille (familia en francés) como el resultado de invertir las sílabas de esta palabra. Sin embargo, esta definición del verlan se queda muy, muy corta. Ni de lejos estamos ante un lenguaje tan sencillo. La cantidad de formas distintas en las que el verlan juega con las sílabas y los fonemas, lo hace, en muchas ocasiones, realmente difícil de comprender. Más adelante entraremos un poco más en lo que a su formación se refiere.

El verlan es considerado por muchos un argot de mal gusto y suele asociarse, de manera despectiva, a las clases populares, especialmente a la población de las banlieues (suburbios) siendo incluso bautizado como el “Francés de las Cités”. Lo que muchos no saben es que las primeras deformaciones de este tipo datan de la Edad Media: en el romance “Tristan et Iseut” (Tristán e Isolda), podemos ver como el héroe verlaniza su nombre invirtiéndolo a Tantris para hacerse pasar por otra persona. O que Voltaire proviene, nada más ni nada menos, que del verlan de la villa donde habitaba el mismo escritor: Airvault.

Cierto es que a partir de los años 70 y 80, el verlan se expande rápidamente por las banlieues parisinas constituyéndose como un signo de identidad entre los jóvenes de origen inmigrante. Lo utilizan para comunicarse entre ellos sin que otros, como la policía, los padres o los chavales de clase alta, les puedan entender. Lo usan también para diferenciarse de otra cliqua, de bandas rivales, encubrir tráfico de drogas o para hacerse notar en ciertos círculos…  Se extiende especialmente entre los jóvenes de origen árabe, que lo usan como un instrumento para crear palabras aún más encriptadas gracias a la mezcla de ambos idiomas.

Estos jóvenes, muchas veces víctimas de la marginación, lo interpretan como una manera de demostrar las diferencias culturales y sociales que se dan en Francia. Es también una forma de mantener una identidad que muchos han sentido que perdían, al no ser considerados y tratados como franceses: “En Francia me tratan de sucio árabe, en Marruecos de sucio francés.” Por esto, y como veremos más adelante, en el verlan es frecuente encontrar muchos términos de origen árabe, éstos muchas veces con matices distintos en su significado. Sin ir más lejos, el mismo término beur (verlan de arabe) se usa normalmente para referirse no sólo a los árabes en general, sino especialmente a los franceses que son hijos de generaciones de inmigrantes norteafricanos.

Así, el verlan manipula la lengua al antojo de cada interlocutor y la retuerce con la intención de hacerla indescifrable para aquellos que no están en el círculo. Incluso ya, durante la Segunda Guerra Mundial, se dice que los franceses usaron algo parecido al verlan para confundir a los alemanes. Y es que el verlan puede encriptar el idioma hasta tal punto de hacerlo incomprensible incluso para alguien que domina el idioma a la perfección. Un ejemplo claro y actual: cuando se presentó al público “La Haine” (1995), película que se desarrolla en una banlieue, en la que lógicamente se hace gran uso del verlan y del argot en general, tuvo que ser subtitulada en francés para que todo el mundo pudiera comprenderla completamente incluso en el propio país de origen.

current_1046_020_large

Precisamente, la película «El Odio» es un buen ejemplo para entender este concepto de identidad y encriptación que hizo tan popular el uso del verlan en los barrios de la periferia parisina. En la película, los personajes principales, tres chicos que viven en un suburbio, sólo hablan verlan entre ellos, no lo usan para comunicarse con sus padres u otros adultos y mucho menos lo hablan con gente del exterior del barrio, reafirmando así su pertenencia a un grupo cerrado y diferenciándose del resto.

Históricamente y como ya hemos comentado, todo esto ha hecho que se relacione al verlan con la delincuencia, las drogas y la marginalidad, tratándolo muchas veces de forma despectiva. Sólo es necesario leer artículos de gran parte de la prensa francesa para ver como se refieren a las banlieues tachándolas de espacios hostiles sin ley en los que la delincuencia, prostitución y violencia están, según ellos -y posiblemente para vender más periódicos- a la orden del día. Un ejemplo: el título del artículo aquí linkeado: “En el infierno del 93: Yo, policía de banlieue.” (para situarnos, en el 93, Saint-Denis (de reciente y triste actualidad por la operación policial realizada después de los atentados de París), se han criado los miembros de grupos como NTM, Sefyu o Tandem.

Con publicidades como ésta, no es de extrañar que mucha gente vea en el verlan sólo una forma de denigrar la lengua y más aún cuando políticos hacen llamamientos como el realizado por la señorita Nadien Morano, de tal calibre como éste:

“Lo que me gustaría ver en un joven musulmán cuando es francés, es que ame su país, que busque un trabajo, que no hable en verlan ni se ponga la gorra al revés.”

Sin embargo, hoy en día, limitar el verlan a grupos marginales y tratarlo de forma despectiva es tener una visión ingenua y carente de sensatez, ya que a partir de los años 90 y sobre todo en los 2000,  especialmente gracias al rap (de lo que hablaremos en detalle), el cine y también en cierta medida a la publicidad -que vio en él la puerta de acceso a un mercado difícil- el uso del verlan se ha expandido por todo el territorio y clases sociales, varios de sus términos se pueden encontrar en los diccionarios de la lengua francesa y, en consecuencia, ha perdido gran parte de esas funciones de encriptación y diferenciación, siendo hoy en día usado sobre todo de forma lúdica. En cambio, esto no quita que el verlan sea tan dinámico que no para de reinventarse, de mutar, y además lo hace de forma distinta según el territorio en el que habita, renovándose sin parar, reverlanizando lo ya verlanizado y creando palabras que siguen siendo extrañas para los no pertenecientes al círculo. Por eso mismo, a día de hoy, se tienen que seguir subtitulando muchos reportajes centrados en los jóvenes de las cités para que toda persona que hable francés pueda entenderlo ya que, por si no fuera ya bastante complicado, muchas de las palabras en verlan se usan o se pronuncian de forma distinta según el territorio, cambiando sustancialmente del norte (París) al sur (Marsella). Así, el verlan es, sin duda alguna, uno de los procedimientos más productivos del argot francés. 

_

¿CÓMO SE VERLANIZA UNA PALABRA?

___

Como ya se ha dicho al inicio del artículo, el verlan normalmente se define como una inversión de las sílabas de las palabras. Sin embargo, aunque al verlan siempre hay asociada una inversión, los procesos son varios y distintos. Ya que la lingüística no es, ni mucho menos, mi campo y no tengo los conocimientos suficientes como para profundizar, voy a explicar en rasgos muy generales, cuál es el procedimiento más standard de verlanización.

Antes de empezar con tecnicismos y para ayudarnos a entender el proceso un poco mejor, vamos a ver el ejemplo práctico por antonomasia que no podría ser otro que la propia palabra que lo define: “verlan”.

Verlan no es más que la vernalización de l’envers (inverso en francés). ¿Entonces -podríamos preguntarnos- por qué la palabra obtenida no es “verslen” o algo así? Porque, y esto es una de las “reglas” básicas para entender bien el proceso, el verlan, al ser principalmente una lengua oral, no se rige por la ortografía, sino que el resultado transcrito de la inversión es una reconstrucción más bien fonética, basada en la pronunciación. Por lo tanto (sin entrar en transcripciones fonéticas), si l’envers se pronuncia algo así como “lanver” la inversión da, efectivamente, verlan. Este es un ejemplo bastante sencillo, pero lo cierto es que hay otras verlanizaciones mucho más encriptadas, a veces imposibles de deducir a primera vista.

El proceso general que se sigue al vernalizar se compone de tres fases:

1) Separación en sílabas: suele hacerse en dos partes teniendo en cuenta la sílaba acentuada.

2) Inversión silábica: el orden de la inversión no se rige por ninguna regla y dependerá de la persona que la use. En el caso de las palabras de dos sílabas no hay problema: el verlan de  tomber (caer) sería béton. El caso de las palabras de más sílabas y las monosílabas tiene un tratamiento especial.

3)Truncamiento de la nueva palabra: aquí viene la parte que hace del verlan un lenguaje tan incomprensible para los no iniciados. A menudo, la transformación de una palabra en verlan va acompañada de una elisión (eliminación de una letra o un grupo de ellas), debido a la simple razón de facilitar su pronunciación. A veces incluso se sustituyen por otras letras para conseguir un sonido más agradable y no hay reglas definidas para ello.

EJEMPLO: Como la teoría se entiende mucho mejor con la práctica, vamos a ejemplificar todo eso con una palabra cuya forma verlanizada es utilizadísima en el rap francés e incluso aparece en algunos diccionarios: vamos a coger la palabra femme (mujer) hasta convertirla en su verlán:  meuf.

(1) Separamos las sílabas: fem-me.

(2) Inversión normal: me-fem, que mediante

(3) la elisión de “-em” se convierte en mef. Adaptamos la pronunciación a las reglas y queda finalmente meuf.  

“J’ai passé la journée avec une meuf terrible!” NTM – La fièvre

“On s’est embrouillé pour une meuf, je ne dirais pas plus de détails.” Oxmo Puccino – A ton enterrement

Les Sages Po tienen un tema llamado Crève la meuf.

Las diferencias en la formación son notables según el número de sílabas de la palabra en cuestión, pero entrar en tanto detalle podría ser algo agobiante. Además, fuera de este proceso general podríamos encontrar otras formas de usar el verlan. Sólo voy a pararme a comentar ligeramente una de ellas por ser la que más riza el rizo: la reverlanización.

Siguiendo el ejemplo anterior con femme verlanizado a meuf, se convertiría, tras pasarla por la reverlanización, en feum.

_

_

SU ESTRECHA RELACIÓN CON EL RAP

___

tumblr_mstjrgx56l1sggxzso1_1280

Como hemos dicho anteriormente, el verlan se popularizó entre toda la población francesa especialmente gracias al rap. En los 80, el rap americano llega a Francia a través de las radios independientes hasta que, a mediados de la década, llega a la TV el programa de Sidney dedicado exclusivamente al hip hop y con él se forman los primeros grupos conocidos de rap francés. Gracias a esta mediatización -a la que se apuntan radios y revistas- a partir de los años 90, el rap toma un enorme protagonismo en la escena musical vecina, impulsada aún más por la aparición de compilaciones como el “Rapattitude”. Así nace una primera generación de rappeurs como Assassin, NTM, Mc Solaar, Minister Amer o IAM, que hacen expander la cultura hasta que a mitad de los 90, nace una gran industria musical y, como no podía ser de otra forma, el gran negocio asociado a ella con todas las radios, especialmente Skyrock, dictando lo que tus oídos debían escuchar.

Así, bien agarrado de la mano del rap, el verlan se introdujo masivamente en toda la sociedad francesa, especialmente entre los jóvenes, dado que el origen de muchos de los mc’s se sitúa en barrios de la periferia parisina haciendo que el verlan esté muy presente en sus textos debido a todo lo explicado anteriormente. Aunque no se puede dejar de comentar que el rap, a pesar de ser la mayor vía musical de difusión del verlan, no fue el primer género en hacer uso de él: mismamente el popular cantante francés Renaud ya titulaba en 1978 uno de sus temas bajo el nombre de Laisse Béton [béton = verlan de tomber (caer)].

Para muchos mc’s, el verlan era una forma de reivindicar su identidad y diferenciarse culturalmente del resto de la sociedad francesa que criticaban, y esto era algo que no pasó desapercibido para adolescentes y jóvenes que se sintieron irremediablemente atraídos por ese descaro, ese chico malo que despertaba el rap y por lo tanto hicieron suyo ese argot tan marcado incorporándolo a su lenguaje habitual y logrando extenderlo a la misma vez que el éxito del rap francés aumentaba sin parar a través de los primeros grupos de más repercusión como NTM, IAM, Ministère Amer o Les Sages Po, hasta que sobre el 2004, gracias al gran auge del rap francés en la época, ciertos términos del verlan han acabado en los hogares de un alto porcentaje de la población.

En muchos casos, el rap estaba convirtiéndose en el sustituto de los medios para manifestar el sufrimiento y la opresión de parte de la población que la sociedad tenía estereotipada, el altavoz de jóvenes a los que servía como vía de expresión. El rap salía del barrio y reflejaba la vida en él. Sin embargo, atribuir el uso masivo del verlan en el rap francés únicamente a todos esos aspectos de identidad, marginalidad, reivindicación y demás, no sería del todo justo, puesto que es evidente que manipular así el lenguaje es, además de todo eso, un instrumento más -y de los útiles- para encontrar la palabra adecuada que encaje en el ritmo, el tono y conseguir crear barras con mayor facilidad. Hay que dar con la palabra que no desentone y que no deje de expresar lo que se quiere decir, así que no importa lo que tengamos que transformarla o si fuera necesario, inventarla. Por eso los textos de rap francés están llenos de argot, extranjerismos o palabras nacidas de mezclar lenguas como el árabe (tal como explicábamos anteriormente o el inglés por ejemplo convirtiendo shoot en shooter). El verlan es el gran recurso del rap francés, algunas estrofas  son puros laboratorios de verlanizar. Y es que como decía Oxmo Puccino:

‘Le verlan n’est pas une simple inversion. Il faut qu’il sonne à l’oreille, autant phonétiquement qu’au niveau de l’accent’

(El verlan no es una simple inversión, es necesario que suene bien al escucharlo tanto fonéticamente como en la acentuación)

Así, en el rap todo vale, puedes romper las reglas ortográficas o gramaticales que quieras si el fin es crear una rima, evitar una cacofonía o reafirmar tu identidad, la cuestión es que quede bien. La cuestión es que el resultado sea rap. Además, el verlan no sólo está presente en los textos de rap, sino que podemos encontrarlo directamente en títulos de temas, discos o incluso en los nombres de varios mc’s.  Para ejemplificar un poco todo esto vamos a partir de un grupo que incorpora el verlan en todas partes: la Scred Connexion.

– Para empezar, su nombre es puro verlan y de esos que no son nada fáciles de identificar: Scred es el verlan de discret.

– “Befa surprend se frères” es uno de los discos en solitario de Fabe, uno de los (ahora ex) miembros del grupo que verlaniza su nombre para el título y que además suele hacerlo constantemente en sus letras. Su frase “tu veux mon nom? C’est Be-fa” (original de este tema) ha sido scratcheada varias veces en clásicos como en el estribillo de L’Impertinant.

– Este grupo es originario del barrio de  Barbès, al que se refieren en muchos de sus temas y que suelen verlanizar a Bezbar como en este tema del mismo nombre: B.E.Z.B.A.R.

– Y por supuesto en casi todos los temas del grupo o de sus miembros en solitario podemos encontrar alguna palabra en verlán:

“Je suis déçu par la vie comme d’une meuf(Koma en Scred Connexion – Vieux Avant L’Age)

“Qu’ça tourne pas rond, esprit caillera ça m’plaît pas” (Haroun en Fabe – Ça ou rien) Caillera es verlan de racaille.

“Je fais mes affaires c’est dur à faire, Par là et je parle à mes scar-la(Fabe en IAM – L’enfer) Verlan de lascar.

_

___

Los ejemplos del uso del verlán dentro del rap francés serían interminables, así que para terminar dejamos una serie de ejemplos que engloben un poco de todo:

Del mismo modo que Fabe, muchos otros raperos usan como a.k.a el verlan de su nombre, por ejemplo, Rim’K (miembro de 113) es el verlan de Karim y Sefyu es el verlan de Youssef.

Como curiosidad, en sus inicios, el grupo Sniper usaba como nombre su verlan: Persni.

En la banda sonora de “Ma 6-T va cracker” (6T= cité) se incluye el tema de Menelik que vernaliza todo el título: Ma Té-ci va ké-kra

“A base de coups bas, de coups de tom-ba (verlan de bâton) en NTM – Laisse pas trainer ton fils

“J’aime un keuf quand son slip jaunit” (Lunatic – Si tu kiffes pas) Keuf es el verlan de flic (policía)

NTM – Pass moi le oinje verlan del inglés joint

“On s’interpelle entre nous, comme rital, rebeu ou renoi (Akhenaton en IAM – La fin de leur monde)

Rital es italiano en argot. Pero en esta frase encontramos dos términos muy típicos del verlan y del rap francés: rebeu que viene de reverlanizar beur que es el verlan de arabe y renoi que es el verlan de noire (negro). Una buena descripción de los miembros del grupo.

Pensaba hacer una lista de palabras en verlan usadas frecuentemente en el rap, pero he preferido dejaros investigar a vosotros, si queréis también comentar más casos y si hay demanda popular, otro día podemos confeccionar una completa lista con la ayuda de vuestros comentarios.

_

Foto2

 

Texto por Lady R

Las mil caras del ilustrador Marcos Daz

“Calaron dentro de mí esas frases largas y pesadas de Raekwon y las contundentes rimas de Rakim que golpeaban en mis oídos como puños. Estos ocho mc’s han marcado los principios de mis andanzas por el hip hop (Earl Sweatshirt y Bones son mucho más actuales pero son de lo mejor, ahora mismo), pasando por la música y el graffiti, el cual hizo que llegara hasta aquí.”

 

IMG_4432

 

Marcos Daz nos presentaba con estas palabras, hace algo más de un año, su serie “American Legends”, de la que nos hicimos eco en Crypta por ser de los escasos artistas gráficos del país que dedican parte de su talento a aquello que rodea al hip hop. Por esto, hoy, queremos acercar más su figura y su trabajo a nuestros lectores.

A pesar de su juventud (nació hace 19 años en Zaragoza), Marcos Daz lleva bebiendo arte desde que nació ya que tanto su padre como su madre son diseñadores gráficos. Recuerda como de crío le encantaba hurgar en la carpeta de las caricaturas de su padre que contenía un montón de dibujos basados en infinidad de famosos de finales de los 70 y principios de los 80, por los que se sentía muy atraído aún sin tener, muchas veces, ni idea de a quién pertenecían esas caras. Puede que sea ésta una de las razones de más peso por las que él también ha acabado haciendo sus propias caricaturas y retratos, aunque más contemporáneos y digitales.

Ahora mismo es estudiante de Diseño Gráfico, después de haber cursado el bachillerato artístico, aunque parece ser, que no le sirvió de mucho ya que venía bien aprendido de casa. Además, siempre ha sido muy curioso y ha adquirido muchos conocimientos de forma autodidacta, investigando horas y horas. De hecho, se define como “un niño rata mirando entre enciclopedias y álbumes.” Sin olvidar, por supuesto, el apoyo de sus progenitores, destacando la ayuda en la práctica de su padre y la orientación de su madre, que muchas veces fue su brújula dentro del mundo del arte. Aparte del diseño gráfico también se ha autoformado en otros campos artísticos como la fotografía, la tipografía, el grabado… y es que Marcos Daz disfruta tocando todos los palos que puede, por eso no se conforma con dedicar su tiempo únicamente a la ilustración, sino que abarca todo lo que el tiempo le permite, iniciándose también en el mundo del tatuaje o creando su propia línea de ropa “Bewise Clothing (BWS)” junto a su colega Sergio, de la que llevan vendiendo prendas mano a mano desde hace dos años.

Sin embargo, si hay que hablar del germen de todo en lo que Marcos Daz se ha convertido, debemos señalar como clave el mundo del graffiti. Marcos vive en el barrio zaragozano del Actur, un barrio plagado y bombardeado históricamente por todos los escritores de la ciudad. De niño se comía, día tras día, piezas de los más importantes de allí: Sher, Iwe, La12, Sope, Zuper, Foes y muchos otros, que despertaron en él las ganas de marcar también las calles que pisaba. Así, desde bien pequeño, empezó a comprar latas para poder añadir su nombre a la historia de esas paredes, siempre fijándose, buscando, y reteniendo todo lo que los graffitis que inundaban la ciudad, le ofrecían.

Cuando él y “sus compañeros de guerra” se hicieron adolescentes, entablaron amistad con Javi y Yuli, los dueños de Out of Business, la tienda de pintura y música por excelencia de la ciudad, como él mismo dice “la de verdad y para los de verdad” quiénes les aconsejaron y  dieron ligeras pautas para ir mejorando.

Además, sus ansias de investigar y mejorar, unido al frikismo que sentía por el graffiti le hicieron consumidor y coleccionista de libros y fanzines de todos los rincones del mundo. Uno de los libros a los que más cariño le tiene es al de Zebster, de una colección bastante corta que sacó “On the Run”. También, de la misma serie destaca el tomo de Sabe, de la FYS Crew. Su colección le nutrió y ayudó a perfilar su propio estilo, poniendo foco tanto en los characters de las piezas como en los artistas que pintan kekos, de los que se declara fan. “Flipaba viendo los vagones de Skeme en los que pintaba a los dos maderos, los que salen en Style Wars.” Así, aunque empezó a controlar letras, se pasó también a pintar kekos: “Será por eso  que ahora hago una especie de kekos muy evolucionados jajaja.” En este aspecto, otra de las figuras que admira es la de Cantwolo vi pintar en directo en un festival de Galicia con 11 añitos ( el festival se llama O Marisquiño) y me flipó como dibujaba los kekos.”

IMG_4045

Aunque vivimos en la era de hacer piezas para colgarlas en Instagram, para Marcos, actualmente, el graffiti es una faceta que suele enmascarar por razones obvias, pero sigue saliendo a pintar con la misma gente y no piensa en dejar de lado esos domingos de cargar el coche de pintura con los colegas e ir a las afueras a tirarse 20 metros de muro. Sin embargo, no se ve exponiendo graffiti en una galería: “la peña que se ha pasado a las galerías me parecen unos peseteros. Respeto a writters que son la polla y exponen pero no exponen graffiti, exponen otra faceta suya, como el Revok o más gente de la MSK.”

Con 17 años ya empezó a mirar más allá del graffiti y de hacer dibujos sólo en papel para pasar a plasmarlos al ordenador. Vio que le gustaba y, con la inestimable ayuda de su padre, siguió adelante con ello. Resultado de eso, tenemos el ejemplo de la serie de ilustraciones de rappers en la que hacíamos referencia al inicio de este artículo. Una manera de plasmar la influencia de la música -en especial del rap- en la obra de Marcos Daz, junto al graffiti, sin duda la más importante.

Todo empezó el día en que decidió convertir uno de sus kekos en Raekwon. Le puso su Snowbeach y la tarántula. Le gustó y decidió pasarlo a digital. “Lo miro ahora y lo que es la fisonomía no está bien hecha, la cara no se parece apenas, se reconoce por el Snowbeach, pero si pones suelta su cara no…”

Una vez acabó con Raekwon sintió la necesidad de hacer más, así que creó una serie de varios rappers americanos, combinando clásicos con actuales. Basó la elección en el, ya de por sí, perfil caricaturesco de algunos de ellos como Eazy E, Ice Cube, Notorious, Big Pun… quienes tienen rasgos muy característicos y marcados y, por supuesto, sin dejar de lado, que es amante de su música. Más adelante, diseñaría el Volumen 2 de esta serie que había bautizado como “American Legends”. En esta segunda parte, ya se empieza a atrever con caras de todo tipo y no sólo de las más potencialmente cómicas. Se nota un estilo más pulido y un parecido más alto con los artistas.

En medio de las dos series de americanos, se lanzó con una serie de rappers patrios, esta vez más extensa. La mayoría, fueron elegidos por afinidad con su trabajo, pero también reconoce no escuchar a alguno de ellos como Young Beef o Costa. Esta serie obtuvo algo más de repercusión ya que decidió etiquetar a los protagonistas al subir las ilustraciones a las redes sociales. De ello, guarda alguna anécdota agradable como, por ejemplo, que Nasta contactó con él para pedirle una impresión de su ilustración que acabó convirtiéndose en un trueque ilustración por camiseta de su disco “Underground Clandestino”. También tiene palabras de agradecimiento hacia Sule B o Tony Karate por su feedback, este último por subirla incluso en la web de Ziontifik, un colectivo que le parece el más fuerte del país.

 

RAPPAS

 

Todas estas ilustraciones están hechas con Freehand. El ritual que Marcos Daz sigue para sus diseños es el siguiente: busca algunas fotos del personaje en cuestión y basa su dibujo en las que más le han convencido, asimila bien los rasgos y lo dibuja en papel, lo escanea y lo pasa a Freehand usando una foto como referencia. En las últimas ilustraciones, además, ha perfeccionado la técnica añadiendo texturas con Photoshop para conseguir dotarlas de más expresividad.

Además de estas series que tienen como protagonistas a mc’s, el trabajo de Marcos Daz también cuenta con otras series: “Music Makers”, una serie en blanco y negro basada en beatmakers americanos bastante conocidos; una pequeña serie de writters, otra de cantantes femeninas negras y  otra de directores de cine, además, por supuesto, de ilustraciones sueltas. De hecho, actualmente, es en lo que está más centrado, en tratar a la ilustración como una unidad, sin depender de otras para tener coherencia.

 

musicmeiiikas 2

 

Pero no sólo del mundo digital vive el ilustrador, Marcos se declara también amante de la acuarela y el acrílico y, como buen escritor, del rotulador. De hecho ha realizado diversos trabajos manuales como una lámina de Wu-Chronicles o un grabado de 2pac a dos tintas, que puedes ver en sus redes sociales.

 

POPURRI

 

Está trabajando también en un cómic, puesto que si hay una colección en su cuarto que puede superar a la ya comentada de libros y fanzines de graffiti, esa es la de Marvel y DC Comics. Admira el trabajo de Byrne y Kirby en “Spiderman”, para él, el mejor cómic jamás hecho. “Siempre me he fijado en Kirby y Byrne, me mola mucho el rollo comic clásico entintado en negro, tengo mogollon de dibujos de ese rollo que he añadido a bocetos de mis letras.”

Sobre el tema del cómic en el que está trabajando no podemos decir nada, puesto que no quiere que se adelanten a su idea.

Y ya que estamos nombrando artistas admirados por Marcos, no podemos olvidarnos de nombrar a Ed Piskor y sus cómics “Hip Hop Family Tree” o Ed Repka y sus portadas de discos de thrash metal de los 90 al que admira desde bien pequeño. “Me flipa como creció, cómo se hizo famoso gracias a Megadeth. Hizo que empezara a interesarme mucho más por las portadas y artwork de los discos, en cómo ayudan a dar el toque final, la conexión total.

Se declara también un loco de la cartelería, muchos cartelistas son para él una fuente de inspiración: Toulouse-Lautrec, Chéret o Alfons Mucha. A nivel nacional, también elogia el trabajo de Omega de la TBS, tanto en su faceta de escritor como ilustrador, Coke Navarro (del que ya hablamos en Crypta), Dems, Felipe Pantone o cualquier integrante de los Ultra Boyz Crew.

Marcos Daz realizó su primera exposición el pasado mayo, en la inauguración del estudio de su amigo y mentor en el mundo del tattoo, Dani, gracias a la que contactó con ellos la organización del “Festival Asalto”, en el que les cedieron un espacio en este Festival Internacional de Arte Urbano, uno de los eventos más esperados en Zaragoza.

Puedes ver y conocer más de la obra de Marcos Daz en su Instragam, su Facebook y, si estás interesado en contactar con él, puedes hacerlo vía mail a: marcosdaz13@gmail.com

 

Denuncia masiva contra el rap francés, Grosdidier Ennemis#06

france ennemis emeutes 2005

 

Hace ya muchos meses que inauguramos en Crypta esta serie de reportajes bajo el nombre de France Ennemis, con un capítulo 0 que, intenté, sirviera de introducción-presentación a la temática que pretendía abarcar en estos artículos: explicar los casos individuales de grupos de rap que habían sufrido una persecución judicial en Francia, un país donde, históricamente, el rap ha sido considerado como un enemigo a batir mediante todas las armas al alcance.

En aquel primer acercamiento, titulado “Rap l’ennemi de la France”, el texto abría con las siguientes palabras de Sarkozy “Los textos de este género musical son inadmisibles y no los vamos a aceptar”, pronunciadas tras unos de los disturbios más sonados que ha sufrido la ciudad de París, en octubre y noviembre de 2005. Además, se daba una pequeña pincelada del caso que nos ocupa hoy, la denuncia interpuesta por Grosdidier, considerada como la más ambiciosa en contra del rap.

Estos disturbios se iniciaron el 27 de octubre de 2005 a raíz de la intervención sobredimensionada de la policía para controlar una tentativa de robo en el suburbio parisino de Clichy-sous-bois (Saint Denis), en la que dos adolescentes, Bouna Traoré y Zyed Benna, de 17 y 15 años, murieron electrocutados al refugiarse en un transformador eléctrico cuando intentaban huir de los agentes. El rumor se expandió rápidamente por el barrio dando comienzo a ciertos disturbios que se reavivaron fuertemente  debido al lanzamiento, por parte de la policía, de una granada al interior de una mezquita,  en pleno Ramadán. Esto hizo que los incendios y actos vandálicos, inicialmente localizados en Clichy, se extendieran a varios barrios vecinos indignados y cansados de este tipo de sucesos, hasta el punto de provocar que, el 8 de Noviembre, el gobierno declarara el estado de emergencia.

 

maxresdefault

 

La dureza de los hechos fue aprovechada por el diputado François Grodidier, perteneciente a UMP (Unión por un Movimiento Popular) partido conservador que, en sus inicios, se creó para dar apoyo a la candidatura presidencial de Jacques Chirac. Grosdidier intervino en la Asamblea Nacional, días después de la declaración de estado de emergencia, justificando el uso de este recurso para “frenar a estos jóvenes llenos de odio y racismo antiblanco” atribuyendo los actos a un “verdadero movimiento propagado por docenas de grupos de rap que promueven estas ideas.” Sus palabras sólo fueron el comienzo de lo que vendría, mediante ellas consiguió convencer a otros diputados para acabar presentando una denuncia contra siete destacados grupos de la escena.

Así, el 29 de noviembre, Grosdidier presentaba, ante el ministro de Justicia, un petición de aplicación de sanciones judiciales contra 113, Ministère Amer, Lunatic, Smala, Fabe, Salif y Monsieur R por incitación al racismo antiblanco y al odio hacia Francia. La iniciativa fue apoyada por una coalición parlamentaria de 152 diputados y 49 senadores de derechas consiguiendo que se abriera una investigación judicial.

Estaba ahora en manos de los profesionales determinar si existía infracción, aunque también prescripción ya que, algunos de estos grupos y mc’s, ya no existían, como el caso de Lunatic, disuelto unos años antes, el de Ministère AMER que no editaban un álbum desde hacía diez años y que ya habían sufrido este tipo de persecución, o un perfil como el de Fabe, mc que hacía siete años que se había desvinculado totalmente del movimiento e incluso se había mudado a otro país.

Sin embargo, esto no eran razones de peso para Grosdidier, que defendía su postura basándose en que el problema era que aún se podían comprar sus discos y éste no era un fenómeno ajeno a las revueltas.

Algunos, como el periodista especializado Olivier Cachin, incluso bromeaban con la elección de los nombres de la lista, puesto que le parecían elegidos al azar. Y es que, sin ir más lejos, estaba acusando de incitación al odio contra Francia, a 113, un grupo que ha sido ganador de dos premios Victoires de la Musique, un sinsentido.

Esta no fue la primera acción en contra del rap que Grosdidier había llevado acabo, junto a Daniel Mach (otro diputado de UMP) ya habían interpuesto una demanda contra Monsieur R, que explicamos en detalle en el France Ennemis anterior, mc que no se descuidó de volver a incluir en esta sorprendente denuncia masiva.

Supongo que la obsesión de este individuo por acabar con el rap se basaba en reforzar su figura entre ese segmento de votantes más extremo de la derecha a los que les encanta usar la palabra antiblanco para el beneficio de sus ideales. Por eso, sus discursos sobre este tema se basaban en nombrar a este género musical como un factor fuertemente relacionado con la violencia en las banlieues, ya que, según sus insultantes palabras, “el rap no se dirige a un tipo de público suficientemente informado como para no tomarse de forma literal sus letras, pudiéndoles llevar incluso al terrorismo.” Desde luego, alguien debería explicarle a Grosdidier, que el rap, y mucho más en Francia, tiene un público suficientemente amplio como para que un día pueda descubrir a sus hijos escuchándolo.

Passi, miembro de Ministère Amer, acusó a UMP de hablar por boca de Jean-Marie Le Pen (líder de extrema derecha) en lugar de hablar de amor, educación, reinserción… «Nosotros describimos los males, los bloqueos en el funcionamiento de esta sociedad.”

 

emeutes-french-intifada

 

En el otro bando, esta noticia suscitó no sólo reacciones de los acusados, sino también de asociaciones como SOS Racismo o la Mrap (Movimiento contra el racismo y por la Amistad de los Pueblos) que consideraban la denuncia discriminatoria y la calificaba de baja maniobra política para ganar votos de los radicales.

Redactaron un comunicado en el que ponían a disposición de los diputados extractos de canciones de distintos cantantes franceses que en sus letras llamaban a la violencia o desafiaban a la policía, con el fin de ayudarles en su empresa, invitando también a todo el mundo a completar la lista enviando, a un espacio abierto para la ocasión en su web, más textos de artistas susceptibles de completar la demanda como, por ejemplo, los populares Reanud, Léo Ferré o Georges Brassens.

Dada la falta de otra denuncia inmediata contra estos cantantes, les resultaba fácil defender su posición de que Grosdidier había hecho una petición discriminatoria y racista. Además, aprovecharon para reabrir el debate sobre la ausencia de voluntad de los políticos de solucionar las verdaderas raíces de los problemas de los barrios en los que se producen este tipo de altercados.

 Aquí unos ejemplos de las letras en las que Grosdidier basaba su teoría:

 

113 – Face à la police:  

«J’ crie tout haut : » J’baise votre nation » On remballe et on leur pète leur fion. Faut pas qu’y ait une bavure ou dans la ville ça va péter, du commissaire au stagiaire: tous détestés! A la moindre occasion, dès qu’ tu l’ peux, faut les baiser. Bats les couilles les porcs qui représentent l’ordre en France.»

(“Yo grito a voces: ¡Me follaré vuestra nación! Más vale que no haya abusos o el barrio explotará. Desde el comisario hasta el pasante, los odiamos a todos. A la menor ocasión, en cuanto puedas, jódeles, acaba con los cerdos que representan el orden en Francia”)

 

 Salif – Tous ensemble: 

«Mais si on veut contrôler Paris, tu sais que ça sera tous ensemble.  Ca y est les pitts sont lâchés, les villes sont à chier, les vitres sont cassées, Les keufs sont lynchés, enfin, ça soulage, Faut que Paris crame.»

(«Si queremos controlar París, sabes que será todos juntos. Ya está, hemos soltado los pitbulls, las ciudades son una mierda, los cristales están rotos, se lincha a los policías, por fin, eso alivia. París debe arder.»)

 

Lunatic – Avertisseurs:

«Mais on reste pratiquants, délinquants»  «Nos psaumes récitées par nos mômes de cité à cité.  Nique la justice , y’a qu’ Dieu qui peut me juger.»

(«Pero seguimos siendo practicantes, los delincuentes» «nuestros salmos son recitados por nuestros niños de barrio a barrio. Que le jodan a la justicia, sólo Dios puede juzgarme.»)

 

 

Fabe – L’Impertinant:

«Si Jean-Marie courrait aussi vite que j’l’emmerde il s’rait tellement loin, avant j’les détestais, mais aujourd’hui j’les aime tellement moins, c’est physique, biologique, au bleu, blanc, rouge j’suis allergique. Microphone branché, j’me sens tellement bien. J’leur en fait baver, ces navets, j’peux les braver, la vie est une manif’, la France une vitre et moi un pavé. Un raz de marée sur un village de politiciens, ils volent tellement qu’ils ne savent pas nager! PDG d’l’entreprise de l’impertinence, provoque l’incontinence des vieillards séniles à la présidence… Qu’est-ce que t’en penses ?» 

«Si Jean-Marie [le Pen] corriera tan rápido como yo me cago en él, estaría realmente lejos, antes  les odiaba, pero hoy les quiero mucho menos. Es físico, biológico, al azul, blanco, rojo soy alérgico. Micrófono conectado, me siento tan bien, les hago sufrir, a estos  puedo enfrentarlos. La vida es una mani, Francia un cristal y yo un ladrillo. Un tsunami sobre una ciudad de políticos, Vuelan [en francés, también robar] tanto que no saben nadar! CEO de la empresa de la impertinencia, provocando incontinencia de los seniles ancianos de la presidencia … ¿Qué opinas?»

 

Ministère Amer – Flirt avec le meurtre: 

«J’ai envie de dégainer sur des f.a.c.e.s d.e c.r.a.i.e  dommage (….) que ta mère ne t’ait rien dit sur ce putain de pays  me retirer ma carte d’identité, avec laquelle je me suis plusieurs  fois torché.»

«Tengo ganas de apuntar mi arma sobre «caras de tiza» [blancos] … que tu madre no te haya dicho nada sobre este puto país, quitarme mi DNI, con el cual me he limpiado el culo varias veces.»

 

 

Bougnoul Smala – Meurtre légal: 

«Quand le macro prend le micro, c’est pour niquer la France guerre   raciale, guerre fatale oeil pour oeil, dent pour dent organisation radicale,  par tous les moyens il faut leur niquer leurs mères Gouers (Français). Flippe pour ta femme tes enfants pour ta race. On s’est installé ici c’est vous qu’on va mettre dehors.»

(«Cuando cojo el micro es para joder a Francia, guerra racial, guerra mortal, ojo por ojo, diente por diente, organización radical. Por todos los medios debemos joder a sus madres. Acojónate por tu mujer, tus niños, por tu raza. Nos hemos instalado aquí, sois vosotros los que os tenéis que pirar.»)

 

Monsieur R – FranSSe:

“La France est une garce, n’oublie pas de la baiser jusqu’à l’épuiser, comme une salope il faut la traiter, mec!”

(“Francia es una puta, no olvides follártela hasta agotarla, como una perra hay que tratarla.”)

 

Debido a que, finalmente, la denuncia se desestimó, François Grosdidier, no contento con ello, volvió meses después con una propuesta de ley con la que pretendía “reforzar el control de las provocaciones a la discriminación, al odio o la violencia.” Dicha propuesta estaba respaldada por otros 90 diputados, unos números jamás tan numerosos en este tipo de cruzada moral. Grosdidier respaldaba, una vez más, sus palabras, a través de extractos como los anteriores, descontextualizados o cortados a su beneficio, de distintos temas de rap.

En el texto se pretendía condenar penalmente a los autores de este tipo de canciones con un año de cárcel y multas de hasta 45.000€ puesto que no se podía seguir permitiendo que bajo la forma artística, quedaran exhonerados de responsabilidades. Y puesto que, a su juicio, los magistrados parecían no hacer buen uso de las leyes actuales, veía necesario crear este delito de atentado contra la dignidad del estado.

Lógicamente, esta ley nunca sería votada.

Texto por Lady R

Sprite: «Obey your verse» Hip-Hop Bubbles #4

sprite-obey-nas-rakim-l1

_

SPRITE: HIP-HOP BUBBLES #4

___

El clásico eslogan de Sprite, Obey Your Thrist ha mutado a Obey Your Verse durante este verano para sorprendernos con una nueva y burbujeante campaña verde. Sabemos que la relación entre Sprite y el mundo del hip hop se remonta años atrás, por eso, hemos ido dando fe de ella desde nuestros inicios, recordando antiguas campañas que la marca de refrescos ha llevado acabo durante su existencia. Así, varios mc’s de la época, han sido protagonistas de míticos spots que ya forman parte de la historia audiovisual entre rap y publicidad.

Esta vez, puede que inspirados por la reciente campaña de Coca-Cola en la que distribuyeron latas con varios nombres propios, Sprite ha decidido que los raperos estén aún más cerca del producto y ha imprimido versos (por todos reconocibles) en las propias latas de cuatro mc’s que son leyenda o estrellas del momento: Rakim, Nas, Biggie y Drake. Así que, durante todo este verano, los que viajéis a Estados Unidos podéis ir pasando por el supermercado y traeros uno (o todos) de estos bonitos souvenirs edición limitada.

P.D: ¡Que alguien me traiga una de Thinkin of a master plan!.

_

___

Aquí la lista entera de las 16 latas disponibles.

_

Sprite-lyrics

___

Sprite: Hip-Hop Bubbles #1: Kurtis Blow, Heavy D & The Boyz, Kid N Play y Kriss Kross.

Sprite: Hip-Hop Bubbles #2: A Tribe Called Quest, Pete Rock & CL Smooth, Large Pro & Grand Puba y KRS One & Mc Shan.

Sprite: Hip-Hop Bubbles #3: Wild Style, Voltron y Five Deadly Women.

PEte Rock & CL Smooth

Pete Rock & C.L. Smooth – I got a Love

PEte Rock & CL Smooth

_

OGvsRMX #18
i got a love

___

I Got a Love es a “The Main Ingredient” de Pete Rock & CL Smooth lo mismo que Lots of Lovin a “Mecca and the Soul Brother”, uno de esos himnos que deben aparecer en cualquier top de temas de amor en el rap (y me refiero a amor en cualquiera de sus vertientes). Una canción de amor que no suena ni cursi, ni deprimente. Desde la primera vez que uno escucha I Got a Love es consciente de que su melodía está irremediablemente destinada a agenciarse un lugar inamovible en su memoria.

Este es un tema que despierta tus sentidos para el disfrute de su escucha, un hit que, mediante su instrumental de trompetas y guitarras, te impregna rápidamente el alma trasladándote, como si de una máquina del tiempo se tratara, a las décadas de los 60-70. Está claro que Pete Rock estuvo verdaderamente acertado eligiendo ese sample del Ain’t got the love de The Ambassadors (tanto que si te gustaría hacerte con el disco al que pertenece, hoy en día, podría costarte un ojo de la cara). Así que, sin lugar a grandes dudas, el primer single de una obra maestra como «The Main Ingredient», no podía ser otro que él. Además, se decidió acompañar de un clip rodado en la isla de Jamaica.

_

OG (prod. Pete Rock)

___

 

___

Es en el correspondiente maxi donde, Pete Rock, nos sorprende con un down-tempo remix de ‘I got a Love’ y, únicamente con ese simple toque diferencial, consigue dotar de un rollo totalmente distinto al track, haciendo desaparecer esa atmósfera infinitamente más alegre y optimista del original, para trasladarnos, montados en la voz de Biz Markie en los primeros segundos (“to the Beat, all”), a un lugar mucho más relajado en el que la instrumental empapa al tema de un aire mucho más sensual.

_

REMIX (prod. Pete Rock)

___

 

___

No se puede negar que la versión original de I Got a Love es impresionante, es puro Pete Rock demostrando su marca característica, su buen gusto en la selección de los temas a samplear dentro del amplio mundo de la música negra de las décadas pasadas y aunque, personalmente, me quedo con el tema original, debido a esto y también como consecuencia de todos los recuerdos a los que me transporta y todas las connotaciones melancólicas que mi mente le otorga, no puedo dejar de elogiar el remix, me parece que convive cómodamente en el mismo nivel, una de esas joyas que hacen que no seas capaz de conformarte sólo con comprar el LP. Cierto es que conociendo el currículum “remixero” del tío Pete, éste no es uno de los más impresionantes -en cuanto a trabajado- de su carrera, pero no lo olvidemos… en la sencillez está el gusto.

También podemos encontrar dicho remix en una compilación llamada “Rare Tracks o en la última edición especial del «The Main Ingredient» que incluye todas las versiones de los singles.

¿Y tú, con cuál te quedas?

Joey Bada$$ hit with the truth like Sojourner. Name Droppin #5

JOEY BADASS CHRIST CONCIOUS

 


“Hit you with the hurtful fuckin’ truth, like Sojourner”


 

En este verso escupido por Joey Bada$$ en Christ Conscious -uno de los mejores adelantos de su recientemente lanzado “B4.DA.$$”-que muchos hemos tenido en repeat sin parar, el joven mc de Brooklyn se marca un juego de palabras en el que hace referencia a la abolicionista Sojourner Truth. Pero ¿quién fue esta mujer?

 

“Ese hombre de allí dice que las mujeres necesitan ayuda al subirse a los carruajes, para cruzar las zanjas y que deben tener el mejor sitio en todas partes. ¡Pero a mí nadie me ayuda con los carruajes, ni a pasar sobre los charcos, ni me dejan un sitio mejor! ¿Y acaso no soy yo una mujer? ¡Miradme! ¡Mirad mi brazo! He arado, plantado y cosechado, y ningún hombre podía superarme. ¿Y acaso no soy yo una mujer?”

 

Este extracto de un espontáneo discurso pronunciado en 1851 en la Convención Nacional de Derechos de la Mujer contiene, sin duda, las palabras de Sojourner Truth que más han influenciado el movimiento por los derechos de las mujeres negras. Más adelante reproduciremos el discurso al completo pero, antes, vamos a conocer más a fondo la vida de Sojourner puesto que fue mucho más que una figura del feminismo negro. Sojourner Truth se convirtió en un símbolo tanto por su lucha por la abolición de la esclavitud como por su ideología en favor de la igualdad.

 

sojournertruth

 

Isabella Baumfree (su verdadero nombre) era hija de un esclavo capturado en Ghana. Puesto que los nacimientos de los hijos de los esclavos no se registraban, no se sabe la fecha exacta de su nacimiento pero se estima que fue en 1797. Tanto ella, como sus hermanos, fueron vendidos como esclavos a muy corta edad, teniendo hasta cinco dueños distintos.

A pesar de que el estado de Nueva York anunció que pretendía abolir la esclavitud en el año 1827, sus dueños no tenían ninguna intención de liberarla, por eso, Isabella huyó a Canadá hasta que pudo permitirse volver como una mujer libre ya que, ella y la única hija con la que pudo escapar, fueron compradas por los señores Van Wagener con el fin de liberarlas.

Al volver, consiguió recuperar a Peter, uno de sus hijos, que había sido comprado ilegalmente como esclavo por un terrateniente, convirtiéndose –sorprendentemente- en la primera mujer negra en ganar un juicio a un hombre blanco. No sería su primera victoria en los tribunales.

Una vez restablecida en Estados Unidos, eligió refugiarse en el camino de la fe, formando parte de una comunidad religiosa liderada por Elijah Pierson, quien fue asesinado por uno de sus discípulos. Isabella se vio salpicada por el escándalo y acusada de cómplice, además de ser señalada por otros miembros, que la acusaron de intentar envenenarlos. Contra todo pronóstico, volvió a dictarse sentencia a su favor en ambos casos.

Después de estos asuntos turbios, vuelve a mudarse a Nueva York y se dedica a trabajar en el servicio doméstico hasta 1843, cuando, tras una revelación espiritual, toma consciencia de que su misión real es predicar la palabra de Dios. Es entonces cuando cambia su nombre a Sojourner Truth, un nombre, desde luego, muy simbólico.

Sojourner viajó por todo el este de USA hasta que se unió a una comunidad que luchaba por la igualdad y la libertad, donde conoció a otras figuras clave del abolicionismo como Frederick Douglass. Esta fue su etapa más prolífica, en la que recorrió gran parte del país dando charlas contra la segregación. Como cualquiera que sufrió la esclavitud, no sabía leer ni escribir, sin embargo, tenía una voz potente, un gran ingenio y una figura portentosa, atributos mediante los que conseguía atraer a grandes multitudes en un momento en el que muy pocas mujeres hablaban en público y mucho menos las de su raza. Su relevancia fue tal, que incluso tuvo una reunión, en 1864, con el mismísimo Abraham Lincoln.

Durante su lucha conoció a muchas otras mujeres que también luchaban por sus derechos y se dio cuenta que el problema no estaba sólo en ser esclava, sino también en ser una mujer. Ser mujer y negra la convertía en una no-mujer, en un ser irrelevante, por lo que no era tenida en cuenta ni por el movimiento feminista de las mujeres blancas a las que solía recriminar su actitud. De hecho, fue la primera y única mujer negra que consiguió asistir a la Primera Convención Nacional de Derechos de la Mujer y dar voz a estas mujeres silenciadas.

Así, a través de sus discursos, Sojourner Truth exigía la abolición de la esclavitud, la igualdad, el derecho a votar de todas las mujeres, la reforma del sistema penitenciario y los derechos de los nuevos hombres libres. Se implicó, especialmente, en esto último ya que, muchos esclavos, al ser liberados, acudían a la capital en busca de empleo evidenciando cómo el estado no estaba preparado para tal avalancha. Ella presionó políticamente con un programa de distribución para que el gobierno les entregase tierras en otros estados y corrieran con los gastos del traslado, campaña que nunca pudo ver cumplida.

Su discurso más reputado y recordado fue, indudablemente, con el que abrimos este texto, pronunciado, como ya hemos dicho, en la Convención por los derechos de las mujeres en Akron, Ohio. Lo cierto es que no existe registro 100% fiel de éste pero, distintos testimonios fueron expresando sus impresiones en distintos libros o artículos hasta el punto de que uno de ellos lo transcribió tal como lo recordaba haciendo que se haya convertido en un texto clásico de la literatura de los derechos de la mujer. Podemos leerlo bajo estas líneas.

Indignada ante continuos comentarios sexistas de los hombres asistentes a la convención, quienes no se molestaban en disimular su convencimiento sobre la superioridad del hombre frente a la mujer, Sojourner no pudo contenerse y subió al estrado para transmitir su rabia, entre los aplausos de las demás asistentes, con este discurso espontáneo en el que demostraba que las debilidades naturales, que se le suponían a las mujeres, eran falsas y  absurdas, reivindicando, a través de sus vivencias, la identidad como mujer que le estaba siendo negada.

 

“Ain’t I a Woman? (¿Acaso no soy una mujer?)» Sojourner Truth , 1851

Bueno, niños. Donde hay tanto jaleo tiene que haber algo fuera de balance. Creo que con esa unión de negros del Sur y de mujeres del Norte, todos ellos hablando de derechos, los hombres blancos estarán en un aprieto bastante pronto. Pero ¿de qué están hablando todos aquí?

Ese hombre de allí dice que las mujeres necesitan ayuda al subirse a los carruajes, al cruzar las zanjas y que deben tener el mejor sitio en todas partes. ¡Pero a mí nadie me ayuda con los carruajes, ni a pasar sobre los charcos, ni me dejan un sitio mejor! ¿Y acaso no soy yo una mujer? ¡Miradme! ¡Mirad mi brazo! He arado y plantado y cosechado, y ningún hombre podía superarme. ¿Y acaso no soy yo una mujer? (…) He tenido trece hijos, y los vi vender a casi todos como esclavos, y cuando lloraba con el dolor de una madre, ¡nadie, sino Jesús me escuchaba! ¿Y acaso no soy yo una mujer?

Ustedes hablan de esa cosa en la cabeza. ¿Cómo es que le dicen?  (Intelecto, contestó una de las mujeres del público) ¡Eso es, cielo! INTELECTO. ¿Qué tiene que ver eso con los derechos de las mujeres o de los negros? Si mi copa no tiene espacio más que para una pinta, y la tuya para un cuarto de galón, ¿no es feo por tu parte no dejarme tener mi pequeña media medida llena?

Entonces ese hombre pequeño de negro allá, él dice que las mujeres no podemos tener tantos derechos como los hombres, ¡porque Cristo no era una mujer! ¿De dónde viene tu Cristo? ¿De dónde viene tu Cristo? ¡De Dios y de una mujer! El hombre no ha tenido nada que ver con Él.

Si la primera mujer que Dios hizo fue lo suficientemente fuerte para dar vuelta al mundo sola, estas mujeres juntas deben ser capaces de darle la vuelta al mundo en sí mismo ¡y ponerlo del lado correcto para arriba de nuevo! Y ahora que ellas piden hacerlo, ¡los hombres mejor las dejan!

Agradecida de que me hayan escuchado, ahora la vieja Sojourner no tiene nada más que decir.”

 

Sus palabras se convirtieron en un símbolo de la mujer afroamericana y continúan siendo un referente hoy en día. En 1850, la feminista Olive Gilbert publicó su biografía “The Narrative of Sojourner Truth. A northern slave” las ventas de la cual le permitieron ir sobreviviendo económicamente mientras continuaba su lucha. Una lucha que mantuvo durante toda su vida, hasta su muerte con casi 90 años.

Como curiosidad, al cumplirse el bicentenario de su nacimiento, la NASA anunció que el robot protagonista de la misión espacial Mars Pathfinder sería bautizada con el nombre de Sojourner, un bonito y justo reconocimiento a una mujer que dedicó su vida a intentar mejorar las condiciones de los afroestadounidenses y que perdurará eternamente como un símbolo para toda mujer.

 

“Los hombres han tenido a las mujeres como esclavas tanto tiempo que piensan que les pertenecen, igual que los esclavistas tenían esclavos y creían que eran de su propiedad.”
”El hombre de color ha conseguido sus derechos pero nadie se preocupa de las mujeres negras. Vaya, el hombre de color será dueño de la mujer y sencillamente estaremos tan mal como antes.”

Sojourner Truth.

Texto por Lady R

Laëtitia Dana – Iboga y su tributo a Busta Rhymes.

Laetitia-Dana-1-796x768 - copia

Varias voces han ido apareciendo dentro del panorama soul, neo-soul, r&b  (cada uno que lo etiquete como más le guste) durante los últimos años en Francia, grandes y bonitas voces, aunque se podría llegar a afirmar que, quizás, desde Les Nubians no nos encontrábamos ante una cantante con un estilo tan magnético y personal como el de Laëtitia Dana. Sólo el paso del tiempo dirá si consigue asentar su carrera musical al mismo nivel que el de las hermanas.

Nacida y crecida en París, de padre africano y madre tunecina, sus vivencias, pero también sus raíces y las tradiciones que le han ido descubriendo las generaciones superiores de su familia, han hecho de ella la mezcla de orígenes e inspiraciones que es hoy y con la que impregna cálidamente su carrera musical.

Su preciosa voz y su marcado estilo explican gran parte de su éxito, pero Laetitia Dana posee mucho más. Aunque, bajo mi criterio, sea un poco exagerado, uno no se gana el apodo de “la Lauryn Hill francesa” así como así. Si a eso le sumas que ha conseguido el puesto de telonera en conciertos como los de Robert Glasper, Ayo, The Pharcyde o Mos Def, será porque la señorita Dana tiene algún rasgo que la diferencia y hace su voz aún más especial. ¿Será gracias a ese mestizaje explosivo que la convierte en una declarada ciudadana del mundo? ¿Será por su impresionante sonrisa mediante la que transmite tantas buenas vibraciones? ¿Será su colorido y exótico estilismo que nos hace recordar en alguna ocasión a la gran Erykah Badu?

Sea como sea, y aún desconocida para el gran público, ha conseguido con su magnífico EP, Iboga, hacerse un hueco nada despreciable, por el que lleva luchando toda la vida. De hecho, en 1988 con tan sólo 5 años debutó en el TV Show “L’école de Fans.” Pero no fue hasta 20 años después, en el Casino de Paris, como telonera de Michael McDonald, cuando interpretó por primera vez sus propios temas y volvió a pisar un escenario delante de un público numeroso. Lo que sintió ahí arriba supuso una revelación que le hizo abandonar su trabajo para poder dedicarse exclusivamente a la música.

cover

Laëtitia Dana – Iboga (EP)

(2013 – Fresh Records)

“Iboga” es algo más que el primer trabajo de Laëtitia Dana, es la presentación de su universo, un universo que lleva más allá de lo estrictamente musical, al que pareces estar invitado tan solo con contemplar una imagen suya, porque Laëtitia es una de esas cantantes que te engancha al escuchar su voz con los ojos cerrados, pero que termina de enamorarte cuando los abres y su presencia escénica te hace percibir muchos más matices que la complementan, especialmente en sus directos.

Podemos empezar a adentrarnos en el universo de la Srta. Dana a través del título elegido: IBOGA, el nombre de un arbusto que crece en la África ecuatorial y que luce pequeñas aunque vistosas florecillas. Lo más destacable de Iboga son sus poderes curativos y alucinógenos, de los que varias tribus han hecho uso históricamente en distintos rituales, tanto en ceremonias de sanación como de iniciación. Esa es la forma en la que Laëtitia usa la música, como su vía de escape, su planta terapéutica.

Un título así sólo podía ser elegido por una persona que adora la naturaleza y siente atracción por la vegetación, por eso Iboga es un universo en el que están continuamente presentes, tanto en el plano visual como en el lírico, las alusiones al imaginario botánico: flores, hojas, raíces, tierra… Laëtitia muestra en todo momento su lado más exótico, empezando por la portada del disco (diseñada por ella misma): un fondo blanco evita cualquier distracción para centrar nuestra visión en el verde de la vegetación que rodea su busto con semblante serio (algo que me choca personalmente, porque me pegaría más sonriendo), cuidado con el detalle de su pelo adornado por un pañuelo de colores y estampado algo tribales. Esa combinación elementos y colores (blanco, verde) hace pensar, aún sin haber escuchado el disco, en algo puro, natural y exótico.

El teaser presentación de Iboga terminaba de despejar cualquier posible duda dando paso a una identidad visual muy fuerte, desprendiendo cierto misticismo que, aunque pueda recordarte a alguna otra carismática artista, no deja de ser hipnótica y atrayente. Así nos muestran la entrada a un mundo que se antoja realmente paradisíaco, ¿cómo negarse a darle al play?

Una vez pulsado el botón, descubrimos que la banda sonora de ese paraíso está altamente influenciada por el neo soul y el hip hop (esta joven se atreve hasta a marcarse una versión de Busta Rhymes). Loops intervenidos por músicos y baterías elegantemente elegidas, con alguna intrusión de beatbox, conforman siete pistas, una de ellas en francés, de las que emana un groove que te hará disfrutar de cada minuto del consumo de Iboga mediante el que alcanzarás un alto grado de positividad, porque aun cuando habla de desamor, Laëtitia hace uso de las propiedades antidepresivas de la planta revistiéndolo todo de color de rosa.

El disco abre con We Rise, un ritmo de los que engancha, un texto positivo y poético llamando a la unidad. Un inicio perfecto. Después de darle a repeat un par de veces, encontramos Courant d’air, el tema con el que se lanza a cantar en francés. El primer tema en solitario que nos llegó de Laetitia Dana. Antes de eso, algunos la pudimos conocer a través de dos tracks digitales junto al rapero K. Sparks: Velvet Thoughts y Africa.

Courant d’air fue el single presentación de Iboga, acompañado de un sencillo clip que rodaron en pocas horas en el apartamento de una amiga. Aun así, su pequeña fuerza visual se nutre de los colores elegidos que encajan muy bien con el contenido del tema (guiño a ese plano reservado a la planta de la terraza) en el que Laetitia nos habla de “corrientes de aire” del amor, esas frecuentes atracciones que no nos convienen y que pasan rápidamente a formar parte del pasado: “Suis moi je te fuis, fuis moi je te suis.”

El siguiente tema que nos llegó enfundado, esta vez, en un clip bastante mejorado, fue Meannes and Profit, una fantástica “balada” en la que Lae nos invita a reflexionar sobre lo efímero de lo material y la importancia de ahondar en la espiritualidad del mundo, algo que plasma muy bien el vídeo mediante el -manido, pero efectivo- recurso de las marionetas y en el que vuelve a recurrir a la naturaleza como vía de escape.

A pesar de que se aprecia durante todo el trabajo, Lay Down y Graffiti quizás sean dos de los temas que mejor reflejan la influencia del hip hop en la vida de Laetitia Dana, quien demuestra sus habilidades fluyendo estilosamente sobre unos ritmos muy marcados.

Como lujoso cierre (de la versión CD) de Iboga, Laëtitia se reserva un plato fuerte o, como mínimo, un planto bien original: su versión del Woo Hah! de Busta Rhymes. Sí, la pregunta que ronda vuestras cabezas ahora mismo es la que todo hijo de vecino se ha tenido que hacer en su momento… con esa voz tan dulce y su delicado estilo, ¿cómo se las va a ingeniar para hacerse con el clásico del Sr. Busta?

Señores, deben saber que a la Srta. Dana este tipo de retos no le dan ningún miedo ya que por los escenarios de París ya se atrevió a rendir tributo al mismísimo Notorious Big versionando, nada más ni nada menos que Juicy y, más tarde, a ODB y su Shimmy Shimmy Ya.

¿Que Busta Rhymes le da un ritmo frenético a su tema y es imposible acercársele? No hay problema, Laëtitia se centra en una sola de las estrofas y la ralentiza hasta hacerla  cómodamente suya reconvirtiendo el flow espasmódico del mc en una sensual “a capella”.

La cover se ilustra además con un vídeo en el que unos breakers van pintando un muro blanco, en el que se puede leer Woo Hah en los colores característicos del universo Iboga, y lo consiguen mediante las salpicaduras de pintura producidas por sus movimientos.

El resultado final de este tributo a uno de los mc’s favoritos de Laetitia es un tema realmente original, fresco y dulce. Una brillante -y colorida- vuelta de tuerca que seguramente nunca nos habríamos imaginado y por la cual debemos reconocerle un gran mérito.

Como hemos aclarado anteriormente, este remix de Woo Hah! es el broche final sólo de la versión CD de Iboga. Como amante del plástico, Laëtitia Dana y Fresh Records nos invitan a decantarnos por su edición en vinilo ofreciéndonos en ella suculento material extra: cuatro pistas que llevan más allá el espacio musical de Iboga: dos remixes de Lay Down, uno de We Rise y otro de Courant d’air, en el que pasean a Laetitia por géneros que van desde el electro al deep-house o el afrobeat.

Sea en el formato que sea y sea sobre el estilo musical que sea, Laëtitia conseguirá conquistarte tanto con los ojos abiertos como cerrados, hará que te enamores de la dulce sonoridad de su voz y del universo visual que crea a través de su música, el cual traslada muy bien al directo, convirtiéndose en la flor protagonista de su embellecido escenario. Tomémonos un poco de elixir de Iboga.

Crónica de una invasión: Urano Players en Barcelona.

El pasado sábado 13 de diciembre, la ciudad de Barcelona fue víctima de una anunciada invasión extraterrestre, hacía días que se nos venía advirtiendo de que unos curiosos alienígenas nos visitarían. Sabíamos que provenían de un lugar situado en Urano, un tal Valladolor…

En el centro ufológico de Crypta llevábamos unos años investigando el planeta y gracias a los datos que habíamos podido recabar estábamos seguros de dos cosas: la primera es que allí hace frío, mucho frío. Por esto, desde nuestra sede en la cálida Ciudad Condal, decidimos que el sábado bajarían las temperaturas. Era imposible llegar a los niveles de Urano pero, al menos, queríamos que estos seres no se nos derritieran antes de poder analizarles más a fondo.

La segunda evidencia contrastada es que el hilo musical de su planeta es extraño, denso y de frecuencias poco comunes para nuestros oídos. Tras observar su efecto en humanos, creíamos que, esto, podría ser su mejor arma para conquistarnos, incluso su método de abducción. Así que, desde Crypta, nos enviaron a Enyor y a mí para conseguir reunir más información en forma de imágenes e impresiones, que detallaremos a continuación.

Este no era el primer contacto de un habitante de Urano con la Tierra, hace años que vienen preparando el terreno, ganando adeptos con su música en varias ciudades de nuestro mundo, pero vista la dificultad añadida que tiene hacerse con una ciudad tan, digamos… complicada, como Barcelona, debieron concluir que no bastaba con enviar a un par de jugadores como habían hecho en otras ocasiones, sino que, para hacerse con nosotros, era necesario mandar a toda la clicka. De esta forma, pudimos ser testigos de algo insólito por aquí: un concierto con todo Urano Players al completo.

Puesto que esta es una ciudad llena de obstáculos, tiempo atrás, los de Urano habían estado estableciendo conexiones con uno de nuestros humanoides que les ayudaría, como alguna otra vez, a moverse por nuestro hábitat. El elegido no era otro que el Sr. Galleta. Le calificamos de humanoide porque por aquí no estamos muy seguros de que sea completamente terrestre. Hace años que le seguimos la pista y hemos observado cómo lleva mucho tiempo introduciendo una serie de vinilos entre nuestra población que, lejos de ser discos sin más, contienen sonidos un tanto peculiares y están envueltos en obras artesanales, limitadas y únicas, algo que un humano normal no suele estar dispuesto a crear… pero tampoco queremos investigarle más porque si el plan es lavarnos el cerebro así, igual nos podría ir hasta bien.

Así, el anfitrión Sr. Galleta fue el encargado de ir amenizando la fiesta con su original repertorio, alejado de la sesión estándar (y plasta) típica del dj de pre-concierto de rap. Ritmos para todos los gustos.

 

La invasión de Urano-1

 

La gente iba entrando poco a poco al Hangar (no hace falta que comente lo sospechoso que parece el nombre del lugar elegido para la fiesta ¿no?). Algunos estaban cogiendo fuerzas a las puertas conscientes de lo que les esperaba dentro era una experiencia extrasensorial.

Para iniciar la primera exploración del terreno, lanzaron a Edu Omega al escenario. Una cara poco conocida por aquí, posiblemente el habitante de Urano que menos ha pisado la Tierra, y eso se notaba en el público, callado y expectante. También en él mismo, que empezó tímido detrás de sus aparatos para luego coger el micro algo nervioso, pero que poco a poco se fue descubriendo y mostrándonos que lo de la buena música y las letras cuidadas en las que todo tiene un sentido es algo extendido por Valladolor el Drama. Se acompañó de Dj Porre a los platos, aunque él lo llamaba Pete Ron. No sabemos si formaba parte de algún plan para hacernos el lío, pero resultó divertido. Edu Omega se cantó algunos temas como Producto Cósmico, Frecuencias o Viaje Espiritual, pertenecientes a un trabajo que, parece ser,  algún día verá la luz, pero no supo explicarnos muy bien cuando, igual porque allí deben medir el tiempo de forma distinta.

 

La invasión de Urano-2

 

En cierto momento de su show, hizo subir a los otros componentes de Urano Players, (estarían marcando el terreno) para cantarse Vínculos, era el primer momento clave de la noche. Toda la clicka compartiendo escenario. La invasión de verdad había comenzado.

Cuando el show de Edu Omega y dj Porre llegaba su fin, me quedé con una de las frases del último tema de Edu, algo así como (perdonad si no es exacto, mi memoria con el frío empeora) “no podemos retener el agua en las manos pero damos gracias por componernos.” No sé si en Urano también están hechos de agua como nosotros o sólo era un truco más pero, de lo que estoy segura, es de que Edu Omega fue una grata sorpresa para muchos de los presentes, a pesar de que, con temperaturas tan bajas, el público aún no había acabado de entrar en calor.

 

La invasión de Urano-4

 

El siguiente en aparecer, después de que el Sr. Galleta hiciera la llamada pertinente vía Eskorbuto, fue Miguel Grimaldo, algo más conocido por nuestro planeta, acompañado también por Dj Porre. Estoy segura de que Grimaldo es el “u-player” encargado de pilotar los mandos de la nave espacial que trajo a los Urano hasta la Tierra. Sólo mediante un conocimiento tan avanzado de la tecnología que permita hacer volar una nave por el cosmos, es como se explica que este peculiar ser, sea capaz de manejar tantísimos aparatos a la vez en sus shows musicales, cacharros que, aún después de dos Respect da Architects a las espaldas de Crypta, para mí son OMNI’s (Objeto Musical No Identificado).

Hay dos cosas a destacar del show de Miguel Grimaldo. La primera es que lo da absolutamente todo en el escenario. Armado con sus aparatos, transmite una energía sobrenatural, sus temas multiplican por 10.000 unidades su fuerza en directo y si, alguna vez, habéis tenido la oportunidad de verle, estaréis conmigo en que es imposible quedarse indiferente ante su brío y su presencia escénica. Además, no sólo sabe conducir la nave, sino que también sabe hacerlo con el público, sabe cómo animarlo, sabe ser cercano y hacer que te emociones con él.

La segunda a destacar, es su asombrosa capacidad para estar pendiente y controlar a la vez su voz, sus letras, sus cacharros y el sonido, de forma que va solucionando cualquier pequeño detalle que su mente perciba sin que eso repercuta, en absoluto, a la ejecución del espectáculo. Para mí que éstos tienen desarrollado algún sentido más que nosotros…

 

La invasión de Urano-12

 

Así, nos fue haciendo entrar exponencialmente en calor con temas de su “Gato de Schrödinger”, como Luciérnagas, Adicción, o Mis Cenizas (momento cumbre), soltando algún inédito como Mafalda e invitando en un momento dado a toda la Urano Clicka para hacerse House of the rising moon. Además, por si no se valiera solo, compartió casi la mitad del show con otro de los miembros de Urano, akaQvmore, serio y seguro (quizás el de semblante más humano de los visitantes) ambos complementados perfectamente para hacerse el remix de Grimaldo de Over Omniverse y los tres temas de su trabajo conjunto “Foxiees”: Aquabacana con saludo obligado a S Curro, Romeo Must Die y Digital, con este último volviendo loco a un público, algo más numeroso, que para entonces ya estaba totalmente entregado y al que Grimaldo había invitado a rodearle liándola con un pogo.

 

La invasión de Urano-24

 

 

Los últimos en asomar fueron los astronautas más famosos de Urano: Erik y Zar, esta vez mostrándose en su plena forma natural, sin escafandra. Después de tantos paseos terrestres, suponemos que se han acostumbrado a nuestro clima. Sin embargo, Erik aún apareció con los ojos ocultos bajo unas gafas de sol, puede que para que no viéramos como lanzaba algún tipo de rayo atrayente, ya que a los pocos segundos de salir al escenario (que no lo he dicho antes, pero era el mismo suelo) ya estaba totalmente rodeado de terrícolas, dejándole escasos metros cuadrados en los que poder moverse, cosa que en ningún momento le intimidó. Para entonces, en Hangar ya no quedaba nada del frío de Urano. Los terrestres habíamos comprendido que vivíamos una noche histórica y la entrega era total, la energía fluía libremente al ritmo de las instrumentales cósmicas de Zar y las letras conocidas y coreadas –algunas hasta pogueadas– de Erik, tanto del disco que les dio la fama (Subterráneo o Estado Mental Invierno), como colaboraciones en trabajos de otros como, por ejemplo, su colabo con Infinitum o el tema Laser con Dj Swet, que hizo las delicias de muchos. Añadió también una muestra de lo que se coció el año pasado en el Red Bull Encounters. Además hicieron subir, de nuevo, a todos los de Urano para cantarse 84R4K, no sin antes “obligar” a Mike a quitarse la camiseta.

 

La invasión de Urano-38

 

También hubo, por supuesto, lugar para la presentación de “Cosmonáutica”, donde sabíamos que no podía faltar Gorriones tema presentación del disco que en pocos días se había convertido en un himno. Además Erik nos deleitó con una a capela que iba abriendo las bocas de los presentes, además del tema que hasta el lunes conocíamos bajo el nombre de “el del Basement Series” pero que ahora sabemos que es el primer tema del nuevo disco.

Si antes hablábamos de la potencia de Grimaldo en escena, no podemos dejar de hablar del carisma que desprende Erik y es que no pueden con él ni adversidades ajenas como la que sufrió (y sufrimos) con los micros, si hace falta se grita a pleno pulmón acompañado por todas las voces que poblaban la sala, conquistadas ya al 100% . Y es que, Erik Urano y Zar 1 got dafleiva.

Con todo esto ya teníamos testimonio de sobras para que la noche quedara grabada en las retinas y las páginas de Crypta y de la Tierra, aun así, el súmmum llegaba cuando Erik anunciaba que traía una compañía de gala, bajando de la nave al rapero favorito de tu rapero favorito (a parte de Rakim). Sí, estaba toda la sala alucinando y es que, en palabras del mismo Erik “si no sabes quién este hombre, pilla la puerta.” Pero lo más sorprendente es que Juan Solo (que de toda la vida ya sospechábamos que iba muy adelantado para ser de este planeta) no había venido sólo para cantarse Over, el feat que comparten en Cosmonáutica, sino que además nos removió las entrañas y los recuerdos, al menos a los que ya no somos tan críos, cantándose Hazlo. ¡Han tenido que venir de Urano para que pueda volver a presenciar un tema de Solo los Solo en directo! Pero así ¿cómo no vamos a querer que nos conquisten?

 

 

He dejado este momento especial para el final, pero esto sucedió más o menos a mitad de bolo, la realidad es que uno de los temas estrella de final de la invasión fue un track que ya han comprobado que si no lo cantan, la gente se mosquea: Keep Walking, desatando aún más la locura que había estado presente entre el público durante toda su actuación.

Así, podemos afirmar que aunque la noche empezó fría y calmada, con los terrestres expectantes ante la invasión, terminó acalorada y con un ambiente propicio para una próxima conquista de Urano sobre nuestro planeta. Esperamos nuevo avistamiento.

 

La invasión de Urano-37

Todas las fotografías y vídeos por Enyor Photo.

NOTA: próximamente más vídeos de la invasión en nuestro canal de Youtube.

Crónica Oxmo Puccino @ Barts (Barcelona 15-11-2014)

Posiblemente desde que se anunciara la visita de Rakim a Barcelona hace ya más de tres años, (y los que me conocen saben que esto son palabras mayores) no ansiaba con tanta ilusión que llegara el día de un concierto como el de Oxmo Puccino el pasado sábado 15 de noviembre. En primer lugar, la comparación se justifica porque Oxmo es uno de mis mc’s franceses favoritos y, te pueda gustar más o menos el rumbo que ha tomado su carrera, el parisino sigue en activo y eso es algo que siempre aporta más seguridad a la calidad que puedas presuponer a un directo. Si a esto le sumamos lo increíblemente raro que llega a ser poder disfrutar de un directo de rap francés en este país, aun estando separados por tan pocos kilómetros, este tipo de conciertos se convierten en una fecha a marcar obligatoriamente en el calendario para los que hace años que nos declaramos amantes del rap del país vecino, y más cuando era la primera vez que Oxmo pisaba Barcelona.

Por suerte, esto último parece estar empezando a cambiar al haber entrado en el juego la gente de French Bis (dedicados a la organización de espectáculos franceses), gracias a los que hace unos meses pudimos disfrutar del gran concierto de IAM que se nos había negado (con un portazo literal en toda la cara) años atrás, el cual disfrutamos por todo lo alto ya que ellos han demostrado apostar por los ingredientes adecuados: conciertos que lo son de verdad, fácil localización en el centro de la ciudad y una buena sala, en estos dos casos, la Sala Barts. Cuando las cosas se hacen bien, el público responde.

Así, los asistentes fuimos ocupando cada una de las butacas que habían vestido de gala la sala para la ocasión. Era el primer concierto de rap que iba a presenciar sentada, dato que ya se conocía con antelación y que no dejaba lugar a dudas sobre el tipo de concierto que cabía esperar.

Las luces se apagaron y los focos iluminaron el escenario en el que el primero en aparecer fue el guitarrista Edouard Ardan, encargado de sembrar la calidez que reinaría en el ambiente durante todo el concierto e introducir a la estrella que asomaba lentamente entre aplausos, vestido de forma elegante e irradiando clase en cada uno de sus pasos hacia el centro de la tarima. Pocos mc’s tienen el poder de llenar el escenario sin apenas abrir boca y Oxmo es uno de esos afortunados. Así que, por muchos apodos que le pongamos, él es verdaderamente único y así lo dejó claro comentando, entre bromas, que ni era el Black Barry White, ni el Black Jacques Brel.

 

Oxmo Puccino Barcelona Barts

 

Para esta ocasión, Oxmo decidió acompañarse también de Dj Cream, viejo conocido en su carrera, así la tónica del concierto estaba servida, el Sr. Ardan reafirmaba el estilo musical del Oxmo más actual, y Dj Cream aseguraba a los nostálgicos como yo, que el Sr. Puccino no iba a abandonar la ciudad Condal sin brindarnos una dosis de clásicos. Y es que por mucho que cada artista está en su derecho de cansarse de cantar sus temas míticos y querer presentar únicamente sus últimas creaciones (tema bastante en auge con las recientes declaraciones de Talib Kweli apoyando a su amiga Lauryn Hill), un tipo con las tablas de Oxmo es consciente de que no puedes actuar por primera vez en una ciudad y marcharte sin haber grabado en las mentes de tu público el recuerdo de ciertos temas en directo.

Así, el repertorio fue combinando temas más nuevos y temas más viejos. El primer clásico en caer y que hizo emocionarme como pocas veces, fue Le Cactus de Sibérie. La piel se me erizó con la primera nota y es que la pasión que Oxmo transmite junto a la atmósfera intimista que ya se había creado, los recuerdos de esa época que me invaden al escucharlo y las ganas que tenía de vivir ese momento, era un combo de sentimientos que debía manifestarse de una forma u otra, y no debí ser la única puesto que la sala entera se hundía en aplausos y onomatopéyicos piropos, de forma que al parisino no le quedó otra que dedicarnos unas palabras de agradecimiento por ser un público extraordinario. Pero esto sólo acababa de empezar.

La gente aún permanecía en sus butacas, aunque el ambiente no era nada frío, mientras Oxmo, con unas palabras sobre la negatividad que produce cargarse de problemas, presentaba Le mal que j’ai ne pas fait, tema que abre su último disco “Roi Sans Carrosse”. Este tipo de reflexiones o pequeñas intros antes de los temas sería la tónica habitual durante todo el concierto, algo que no nos pillaba de sorpresa ya que podría ser la extrapolación de los interludios habituales en sus trabajos. Por suerte para él, un alto (altísimo) porcentaje de los que poblaban la sala eran franceses (o al menos hablaban el idioma o lo medio entendían como en mi caso) así que el feedback estuvo asegurado todo el concierto.

Acto seguido, nos invitaba a despertar el artista que habita en toda persona antes de arrancarse a cantar Artiste, el primer tema movidito del repertorio y que ya hizo levantarse a algún que otro atrevido, a los que acabaron uniéndose bastantes más cuando empezaron a sonar las poderosas sirenas de Ou est Billie? y que acabaron llenando gran parte del lateral de la Barts invadidos por una emoción que les hacía incapaces de volver a sentar el culo sobre su butaca.

¿Cómo acomodarse de nuevo cuando parece que Oxmo había pasado la pelota de Ardan a Cream, haciendo un guiño para introducir uno de los temas de su mixtape conjunta: Hé Ouais? No sólo por el tema en sí, sino porque fue el detonante que abrió los minutos más rappers del directo, en el que Oxmo retrocedió en el tiempo con Souvenirs sin dudar en retroceder aún más hasta cantarse temas más viejos que sus propios álbumes (algunos para mi agradable sorpresa) y es que no sólo se cantó Mama Lova sobre la instrumental de Dear Mama, ¡es que se lanzó con Pucc Fiction! Esa sí que no me la esperaba. Gracias, Oxmo. Creo que para cuando terminó con ella no quedaba casi nadie sentado y a todos nos ardían las manos y/o la garganta.

Quiero aprovechar aquí para destacar la forma tan diferente con la que aborda el público francés los directos, un público mucho más participativo y agradecido de lo que acostumbramos nosotros. Además se percibe con facilidad lo mucho más arraigado que está este género de música en la mentalidad del país vecino ya que podías ver gente de varias generaciones, incluso familias con niños en las que todos los miembros conocían y disfrutaban cada uno de los temas.

Volviendo al directo, todos sus discos tuvieron presencia en escena, a los ya nombrados podemos sumar algunos ejemplos como el gran J’ai mal au mic, Toucher l’horizon (ambos grandes momentos para mí), 365 jours o Sucré Pimenté (en el que nos invitó a jugar en el estribillo).

En cuanto a la forma, quizás alguien que no comprara su entrada suficientemente mentalizado sobre el rumbo que ha tomado la carrera de Oxmo y que sólo tuviera en mente al Oxmo Puccino de los primeros tiempos, pudiera salir un poco decepcionado de allí ya que el tono general del bolo, relajado y pausado, se aleja mucho del boom-bap al que podemos estar acostumbrados. Desde luego no fue mi caso, siendo totalmente consciente de la evolución, nada inesperada, de la carrera del antiguo Black Mafioso, salí del concierto realmente contenta con lo que había visto, incluso más de lo que suponía, ya que, el formato pausado que esperaba se antojó mucho más rapper de lo que a simple vista podía parecer, únicamente gracias a la actitud y presencia de Oxmo que, haciendo uso prácticamente de sólo un par de metros cuadrados del escenario, conseguía con cada uno de sus gestos, movimientos y expresiones transmitirme más sensación de estar presenciando un concierto de rap que muchos otros directos que he visto en los que los mc’s de turno dan saltos por el escenario necesitados de coristas para poder llenarlo.

Obviamente, por pedir que no quede, y yo, como muchos otros, echamos de menos más de un tema, sobre todo de su primer disco, pero claro… para oír todo lo que me hubiera gustado, habríamos necesitado de un concierto, por lo menos, de tres horas.

A cuento de esto, supongo que todos estaréis pensando que es imposible que no haya nombrado el tema por excelencia de Oxmo y es que, al máximo representante de su ópera prima, lo dejó para –casi- el final. Por supuesto, hablo de L’Enfant Seul, si reproducir el tema en cualquier aparato ya impresiona, podéis imaginar en directo, emotiva como pocas bajo una luz tenue como esa vela que nos olvidamos de apagar en una habitación vacía, pero que no llega a morir porque Oxmo la reaviva en el micro aunque con semblante serio, consciente del mensaje que ha conseguido conmovernos a todos desde 1998.

Sinceramente creía que con este escalofriante clásico se acabaría el concierto, pero nos había dejado para el final (debo decir que hizo dos amagos de fin de fiesta) algunos temas de su último disco: primero fue Pas ce soir? Interpretado con un humor fantástico haciendo sonreír a toda la sala y, para acabar, el elegido como guinda del pastel fue Pam Pa Nam, el cual comenzó a cantar sentado en una silla, para levantarse impulsivamente en el estribillo y hacer vibrar a toda la sala con él, abandonando el escenario mientras la guitarra de Edouard Ardan cerraba la noche de una forma sobria. Una noche que, al menos a mí, se me hizo realmente corta.

 

Oxmo Puccino Barcelona Barts concierto

 

Oxmo Puccino – Roi sans Carrosse (2012)

oxmo-puccino-roi-sans-carrosse-638

 

Oxmo Puccino – Roi sans Carrosse

(2012 – Cinq 7)

 

¿Me habláis realmente de un disco de rap? Esta podría ser la cuestión que aquellos que no están muy familiarizados con Oxmo podrían plantearse tras escuchar su último disco “Roi sans Carrosse”. Sin embargo, los que llevamos siguiendo su trayectoria desde que viera la luz aquel maravilloso “Opera Puccino” en 1998 hasta el día de hoy, interiorizamos otro tipo de pregunta y lo hacemos cada vez que nos plantamos ante un nuevo disco de Oxmo: ¿por dónde nos habrá salido esta vez el que se ganó con ese primer álbum el apodo del Biggie Francés? ¿Volverá a hacernos disfrutar de aquella faceta rapper de storyteller que nos enamoró cuando le llamábamos el Black Mafioso o bien, como acostumbra últimamente, se recreará más en su espíritu de “chanteur de la varieté” por el cual le bautizan como el Black Jacques Brel?

Lo más razonable era esperar una fusión entre ambas caras que, posiblemente, se decantara más por esta última, después de los pasos seguidos en su anterior largo “L’arme de Paix” que, por cierto, le valió un Victoires de la Musique. Este es el camino que poco a poco ha ido trabajando el mc parisino y que puede verse de forma clara siguiendo cronológicamente la evolución -especialmente en el sonido y la inclusión de estrofas cantadas- de sus seis discos. Evolución con la que ha expandido de tal manera las fronteras de su música que nos pone cada día más complicado definirla en este mundo lleno de etiquetas, haciéndonos imposible decidir si encasillarlo, por nostalgia, en el género del rap o asentarlo, definitivamente, en la canción francesa, todo esto sin olvidarnos de su genial paseo por el jazz en “Lipopette Bar” junto a The Jazzbastards.

Sea como sea, Roi sans Carrosse contiene muchos paralelismos con sus anteriores trabajos, empezando, sin ir más lejos, por el título. El rey sin carroza, el rey, que como podemos ver en la portada, se desplaza a pie. Conceptos, en cierta manera, contradictorios, algo de lo que está plagada la discografía de Oxmo. Recordad como se defendía en su anterior trabajo con un Arma de la Paz, o cómo nos pinchaba el alma con un Cactus Siberiano, y es que si algo ha caracterizado siempre a Oxmo ha sido su enriquecido lenguaje moviendo ficha tras ficha en un eterno juego de palabras.

Pero no es el título lo único que nos invade de recuerdos, el diseño de la portada lo hace también, con ese predominio del fondo blanco (rápidamente olvidó el Sr. Puccino la pasión del rojo en su ópera) obligándonos a pensar en aquella elegante cover de “Le Cactus de Siberie”, con un Oxmo siempre protagonista absoluto no sólo del contenido de sus discos, sino también de todas sus portadas, porque… ¿hay algo mejor para expresar lo que puedes encontrar en un disco que la figura de su propio autor?

Encontramos también una nota discordante entre tanta semejanza, y ésta es la duración del disco, bastante alejada de lo habitual. Sólo 32 minutos de Roi Sans Carrosse. Once temas que duran de media entre dos y tres minutos. ¿Corto o suficiente? Soy de la preferencia por trabajos cortos pero intensos, a trabajos de muchos tracks que suelen acabar abundando en relleno. Puede que a alguien le duela pagar lo mismo por menos minutos pero no necesitamos de tanto para tener un disco completo, y sino vayamos al ejemplo por antonomasia de obra maestra de corta duración: Illmatic. No intento comparar, ni mucho menos este disco de Oxmo con la ópera prima de Nas pero creo que los 32 minutos son suficientes para hablar de Roi Sans Carrosse como un disco muy rico en matices.

Puede que este dato tenga una buena razón de ser ya que, gran parte del disco fue compuesta por Oxmo durante una estancia en Brasil dónde aprendió a manejarse con la guitarra dando fruto a unos cuantos temas que trajo consigo en su maleta de vuelta a París donde decidió que no eran sólo canciones sueltas sino que podían unirse en forma de disco e, impulsado por sus ganas de sacarlos a la luz, terminó de completarlo con algunos temas más en un tiempo bastante breve, casi récord.

A pesar de la premisa inicial en la que situaba a Oxmo con pie y medio en la casilla de la chanson française, id con cuidado y no os equivoqueis, aún queda mucho del espíritu de rappeur en este gran mc, por eso me tomo como una auténtica declaración de intenciones la determinación de Oxmo al elegir Sucré Pimenté como primer single de Roi Sans Carrosse, sin duda el tema más rap del disco -con diferencia- que se podría resumir en egotrip puro y duro, dejando claro que posee la pluma más sofisticada del panorama “ils écrivent du soda, moi de whisky” aunque en este track la use para escribir rimas aparentemente más simples y poder reírse de los que osan compararse con él desde una posición nivelada:  “un couplet facile c’est que de la rime en -té.”

No se incluye en el disco pero existe un remix en el que Oxmo enfrenta a dos equipos, el Sucré y el Pimenté, formados por mc’s de lo más variopinto: Orelsan, Greg Frite, Busta Flex, Grodash, Youssoupha, Dabaaz, 3010 y 20syl.

 

 

Sucré Pimenté no es el único track donde reivindica con fuerza su lugar en el juego, en Le Gens de 72, se dirige, esta vez con una instrumental más rockera y con un tono claramente mofante, a todos aquellos detractores del rap actual que lo desprecian por no sonar como en los noventa: “Les règles du jeu, je leurs fais des entorses.” “Le rap c’était mieux avant quand ça chantait armé.”

Y si este par de temas sirven como reivindicación de su lado más puramente rapper pero sin trabajarse en exceso los textos, en Artiste se sirve de una letra excelente para callar las bocas de todos aquellos que no dan la importancia que se merece a la figura del artista, sin desperdiciar la ocasión para pegar aquí también algún tirito a los que le critican. Desde luego, se luce en este tema desprendiendo una técnica, ritmo y dominio del vocabulario que lo hacen digno de ser uno de los títulos más destacable del disco.

“Artiste c’est pas difficile, On essaie de faire un pull avec dix ficelles”

 

 

Aún así, no considero ninguno de estos tres temas como representativo de Roi sans Carrosse. De hecho, me pregunto si realmente existe uno que pudiera presentar como resumen del disco ya que Oxmo tiene el culo constantemente moviéndose entre distintos estilos. Sin ir más lejos, el título que precede a Artiste y que abre el disco, el introspectivo Le mal que je n’ai pas fait, es completamente distinto tanto instrumentalmente -mucho más pausado- como en la temática tratada (por supuesto nadie esperaba que en un disco de Oxmo encontráramos sólo ego). Lo cierto es que éste es un trabajo temáticamente muy rico que, a excepción de estos tres temas, se centra bastante en el comportamiento humano y los sentimientos, como sólo la mano de Oxmo sabe hacerlo. Un fantástico ejemplo lo encontramos en Parfois, donde Oxmo nos habla -y canta en el estribillo- sobre la libertad y la lucha histórica para conseguirla y mantenerla, demostrándonos que si algo no ha perdido el Sr. Puccino en estos más de 15 años -además de esa voz que lo hace único- es su aterradora capacidad de renovar y embellecer el lenguaje.

Así, puede hacer subir la temperatura de una manera sutil y elegante “desde los jardines donde florecen los secretos, lejos de aquellos dónde se prohíben los frutos” en La Danse couchée, acompañado de la sensual y femenina voz de Mai Lan, el único feat del disco (y posiblemente prescindible). De la misma manera que coge el termómetro sin piedad y lo tira por los suelos -aunque con humor- al narrar la pérdida del deseo sexual con la edad en Pas ce soir?

Del mismo modo, como en casi todos sus discos, hay un lugar para la vida y la muerte, así nos habla de la responsabilidad de ser padre (vida) sobre la instrumental más intimista del disco en Un an moins le quart (lo que viene siendo nueve meses). O nos acerca de la forma más triste a la muerte, relativizando la existencia en La vide en soi, un tema que nos despierta unos sentimientos parecidos a los que consiguió con aquel sublime L’Enfant Seul.

Mención aparte merece otro de los temas más impactantes del disco: Pam-Pa-Nam (un musical juego de sílabas usando el apodo por el que se conoce a París: Paname). Una oda a su amada ciudad, acompañado de guitarra y violín, en la que a través de cada uno de los versos, sin excepción, retrata con gran magia y, a la vez, realismo, la fría e íntima atmósfera que te envuelve al caminar por ella. Son muchas las canciones que a lo largo de la historia se han dedicado a la ciudad de la luz pero esta de Oxmo no dudo que resonará con fuerza en “la isla sin mar” que le vió crecer.

 

El disco concluye, como ya lo hiciera L’Amour est mort, con un título homónimo y completamente cantado sobre el lecho de cuerdas de un Prophet, que se inspira en un clásico y estándar de la samba brasileña: el Zé do caroço de Seu Jorge.

Muchas son las ocasiones en las que se debate por ahí si el rap es o no poesía, un tema que me repele bastante pero que recuperaría sólo para poder afirmar que uno de los pocos mc’s que realmente podrían ganarse el título de poeta es, sin duda alguna, el Sr. Oxmo Puccino, algo que demuestra una vez más -aún no estando en su mejor nivel, en mi humilde opinión- con este sobrio y reflexivo Roi Sans Carrosse, mediante el que además evidencia que, aunque al francés le encanta flirtear con géneros y géneros, nunca dejará que sus raíces raperas desaparezcan ni caigan en el olvido.

NOTA: El sábado tengo una cita con Oxmo en Barcelona, en la sala Barts. Y tú, ¿te lo vas a perder?

Doc Gyneco – Première Consultation

Corrían años de pleno esplendor de la escena en Francia, escena alrededor de la cual ya se había asentado una importante industria musical que producía, con envidiable éxito, álbumes y álbumes de rap que, además, conseguían llegar a un gran público, siempre con la nada despreciable ayuda de las radios que hacían sonar sus temas por todo el país. Muchos de estos discos de mitad de los 90 han pasado ya a la historia de los clásicos del género, pero muchas veces, cuando nos invitan a confeccionar una lista de indispensables del rap francés, se nos olvida un disco absolutamente innovador que aportó al panorama un soplo de aire fresco del que comenzaba a estar bastante necesitado. Hablamos del “Première Consultation” de Doc Gyneco.

En esos años, parecía que la única fuente de la que habían bebido los mc’s y beatmakers franceses era la del rap de Nueva York de los 90. Todos los discos más vendidos seguían una línea claramente influenciada por ese sonido -aún hoy- característico de la costa este. Sin embargo, en 1996, como si hubiera vuelto de un viaje espacial, aterrizaba un chaval llamado Doc Gyneco que, desprendiendo arrogancia por los cuatro costados, llegaba muy bien acompañado de un atípico objeto con el que se disponía a renovar el universo musical: su primer largo, Première Consultation.

 

Doc Gyneco Premiere Consultation Cover

___

Doc Gyneco – Première Consultation

(1996 – Virgin France)

_

Este disco llegó para introducir un nuevo sonido en el rap francés, se acabaron los samples de pianos presentes en todos los clásicos, el disco de Doc Gyneco era puro groove. Y es que la galaxia, aún inexplorada en Francia, de la que venía este extraño ser, debía estar situada, por lo menos, bajo una palmera de la ciudad de Los Ángeles. El Doctor bebió toneladas del rollo g-funk que reinaba por aquellos lares (gracias a otro Dr.) y decidió traerse unas cuantas muestras a Francia inyectadas en cada uno de los tracks de su trabajo.

«Premier Consultation» no sólo supuso un punto de inflexión en el rap francés a nivel de sonoridad sino también por la temática tratada en el disco, muy alejada de la reivindicación social habitual, acompañada, además, de su peculiar forma de rapear acrecentada por esa actitud impertinente e insolente, pero a la vez llena de frescura, que le caracteriza. De todos estos aspectos que hacen tan único este disco hablaremos en detalle, pero antes vamos a presentar, para los que no lo conozcan, al chaval que se atrevió a cambiar las reglas implícitas del rap francés: Bruno Beasir.

_

PRACTICANDO ANTES DEL DOCTORADO

___

La primera aparición oficial de Doc Gyneco fue en el segundo disco de Ministère AMER, concretamente en el tema Autopsie, dónde ya dejó pistas de su soltura. Bruno, a pesar de haberse criado en el 18 de París, iba y venía a Sarcelles donde conoció a Stomy Bugsy (miembro de Ministère AMER), de hecho puede vérsele de bien crío en algún plano de los primeros vídeos del grupo. Este hecho de haberse criado en el seno del Secteur Ä y haber debutado con un grupo con un perfil y sonido tan marcado como Ministère AMER, hacía que todo lo que tu mente pudiera imaginar sobre su debut en solitario se alejara infinitamente de lo que fue Première Consultation.

Gran parte del disco de Bruno evidencia su obsesión (nada extraña a su edad) por las mujeres, de la que dejó muestras en la mencionada colabo con Ministère, pero que ya venía demostrando desde bien atrás: el nombre del primer grupo que formaban él y su colega Ali cuando eran sólo unos niños era “Les SS, Les Super Seducteurs. Creo que la imagen graciosa que le viene a uno a la mente si piensa en dos críos que se hacen llamar así, es la definición perfecta de Doc Gyneco, aunque ya contara con 22 años cuando se publicó su «Première Consultation».

_

SU PRIMERA CONSULTA

___

Young Doc Gyneco

Doc Gyneco en la grabación del clip Nirvana

Una vez puesta la bata de Doctor Gyneco, Bruno creyó que era hora de abrir su primera consulta y desde luego la primera visita no dejó indiferente a nadie. Una vez traspasada la puerta ya no hay vuelta atrás: o vas a quedar cautivado (si es cautivada mejor para él) ante el carisma y la frescura del Doc o bien vas a odiarle por considerarle simplemente un niñato arrogante y descarado.

La portada de «Prèmiere Consultation» es un buen resumen del trabajo: la foto de un adolescente poniendo carita de seductor en mitad de su habitación. Y es que el concepto del álbum es aparentemente muy simple, un chaval hablándonos de las cosas que le importan a la gran mayoría a esa edad: chicas, fútbol, sexo, el barrio, la calle, chicas y más chicas, pero lo hace de una forma divertida, desde el humor y la ironía olvidándose de aquello de “vivir drama” a pesar de  haberse criado entre dos barrios conflictivos como La Chapelle y Sarcelles, todo bajo un hilo musical impecable y una gran confianza en sí mismo.

Pero antes de tener la oportunidad para intentar conquistarnos, Bruno había conseguido seducir a Virgin que, sin pensárselo dos veces, le fichó al escuchar una demo que había grabado sobre bases de Marvin Gaye. Apostaron al máximo por él desembolsando la nada despreciable cantidad de un millón de francos para grabar su primer álbum en un estudio de Los Ángeles producido por, nada más y nada menos, que el reputado Ken Kessie (productor de Sylvester, por poner un ejemplo) quien hizo un trabajo impecable. Con este dato es fácil entender cómo el disco consigue tener ese aroma west-coast a la francesa. Además, Bruno exigió que todos los temas fueran grabados por músicos, lo que hace que se pueda sentir una profesionalidad cuidada al milímetro durante todo el disco.

Los bucles de sintes melódicos, las instrumentales groovies que te hacen balancear de lado a lado, las sirenas características del género californiano y, en definitiva, esa sonoridad funky, brillantemente acompañados por el flow relajado, el sentido del ritmo y la cautivadora voz de Bruno, llenaron de calor las frías calles de París. Y es que mientras, en Francia, a excepción de algún grupo como Reciprok o la mc Sté Strausz, se inspiraban en el puro east coast de NY, al otro lado del charco este jovencito estaba creando un disco a lo g-funk repleto de un frescor que le hizo alcanzar rápidamente el éxito (700.000 copias vendidas en dos años).

_

UNAS RECETAS EXPLÍCITAMENTE CRITICADAS

___

Sin embargo, un trabajo más alejado del rap tradicional francés, tiene sus consecuencias: ser tachado de comercial y criticado por no hacer el típico rap militante que se podría esperar de él, pero Bruno fue previsor e incluyó en el disco un tema llamado Classez moi dans la variet’ dejando bien claro que pasaba totalmente de la etiqueta de rapero. El doctor sabía la que le esperaba y cada barra del tema es un ataque directo en forma de mofa, riéndose de prácticamente toda la cultura. Aunque pueda parecer que está despreciando una música de la que se está lucrando, Bruno y su ironía dejan entrever que sus risas son sólo su forma de expresar su percepción del panorama como una simple moda que a muchos se les pasará. Además hace especial hincapié en reírse de todos los que se creen miembros de la Zulu Nation (lo de la Zulu Nation en Francia a raíz de una visita de Bambaataa y la parafernalia montada en torno a eso, lo dejaré para explicarlo algún día en otro artículo, pero de ahí viene el cachondeo del Doc.)

A este Première Consultation, las críticas le llovieron por todos lados, aparte de tacharlo de comercial, fue intensamente criticado por el contenido erótico de varios de sus temas, hasta el punto de calificarlo de machista. Es cierto que Bruno es bastante explícito en ciertos momentos y que sus letras tienen, muchas veces, un contenido de dos rombos, pero a pesar de que durante todo el disco su lenguaje es bastante informal, cuando trata estos temas intenta ser lo suficientemente sofisticado como para que una chica, en lugar de verlo como un machito, le pueda ver como un dandy, elegante e incluso romántico, por el que no le importaría dejarse seducir. A eso nos invita desde el tema que abre el disco:

“Viens voir le docteur, non aie pas peur” /“Ven a ver al doctor, no tengas miedo”

_

___

Incluso nos da su número de teléfono en mitad del tema, su consulta está abierta para nosotras en cualquier momento. Se ofrece como un amante que tiene la medicina del placer, pero en ningún momento habla en un tono despectivo de las mujeres que quieran su tratamiento de relación liberal. De hecho, con este tema como primer single, consiguió más de 500.000 pacientes.

En la línea, asistimos también a una declaración de amor, de forma directa y sin tabús, a la cantante Vanessa Paradis, en el tema Vanessa:

“Sueño con medias de rejilla de chicas que desnudo, y ya mis ojos brillan delante de una foto de… oh! Vanessa” “No tengo remordimientos cuando pienso tu vientre contra el mío, cuerpo contra cuerpo, el vaivén, una y otra vez” “Oh Vanessa, pienso en ti y tengo los calzoncillos mojados, me tengo que levantar al lavabo y me cambio de ropa interior”

Durante todo el tema habla sin complejos de todo lo que en su mente se imagina haciendo con Vanessa, pero aun siendo tan descarado, guarda un poco de su humor para hacer burla de los ex novios de la cantante y de un incidente en el que la detuvieron en una aduana por posesión de cannabis:

“La bellota en el calcetín, pequeño consejo a mi joven estrellita”

Aun siendo explícitamente sexual, el tema no podría dar lugar a ser tachado de machista si no fuera porque ella o cualquier otra podría sentirse ofendida por lo que reza el estribillo… “yo quiero una perra.” Aún con esas, éste lover se pregunta por qué Vanessa no quiere salir con él. No es un problema, para cuando finaliza el disco ya se ha buscado otra en Ma salope à moi (algo así como “My bitch”).

Otro de los temas centrados en las mujeres es Les filles du moove una crítica punzante a todas las groupies y en especial (de nuevo) a las seguidoras de la moda Zulu. Nada que no hayamos visto todos después de un concierto.

_

LA CARA MÁS SERIA DEL DOCTOR Y ALGUNAS HOJAS DE RECLAMACIONES

___

Doc Gyneco usa la provocación y un lenguaje políticamente incorrecto, posiblemente sucio en algunas ocasiones, pero también sabe enfocar su ingenioso humor hacia temas tan peliagudos como el suicidio en Nirvana, mientras es capaz de criticar al gobierno, la policía y el sistema, hasta tal punto que el presidente François Mitterand prohibió su emisión, tanto en radio como en televisión, debido a su estribillo:

“Como Bérégovoy clic clic boum, tan rápido como Senna, quiero alcanzar el nirvana”

(Bérégovoy fue un primer ministro que se suicidó con un arma)

_

___

Nirvana es sólo una muestra de por qué quedarse únicamente con la capa superficial de Bruno es muy desacertado. Le Doc tiene muchas facetas que convierten a «Première Consultation» en un álbum de gran profundidad. Le podemos ver abriéndonos su corazón en Tel Père tel Fils donde se dirige a su padre, que les abandonó de muy pequeños, en un tono muy emotivo sobre el sample de Temptations Papa was a rolling Stone. Es por tracks como éstos que, vuelvo a decir, fijarse sólo en la imagen de provocador arrogante es un gran error.

Así lo demuestra también con su capacidad para hacer una crónica de su querido barrio en Dans ma rue alejándose del rap militante y tratando con su característico humor la trágica situación de las banlieues francesas.

“En mi barrio para comunicarte debes ser trilingüe y prestar atención cuando caminas sobre las jeringuillas, tener cuidado con los locos que salen con armas”

“Donde las palomas mueren en la cuneta a fuerza de comer vómito de toxicómanos”

Aquí también se ganó problemas legales por el uso de la palabra youpin, término considerado antisemita por la LICRA (Liga Internacional contra el racismo y antisemitismo). Destacable también uno de mis temas favoritos del disco, Né Ici donde hace referencia a sus orígenes caribeños (su madre nació en Guadalupe) fantaseando con el clima cálido de la isla, los cocoteros y los pantalones cortos pero… “yo he nacido aquí, entre la miseria y el aire gris.”

_

___

Aunque se declara fuera del panorama, podemos también ver su lado más rapper en temas como Est-ce que ça le fait? en tándem con Passi o en No se vende la calle con El Maestro. También con la lección de egotrip que se marca en Passement de jambes, una declaración de su amor por el fútbol a través de puro name droppin de las estrellas de este deporte y con una instrumental que rompe algo la línea del disco pero que Bruno afronta con gran energía. (Cierto es que el deporte rey en Europa está presente durante todo el disco mediante referencias a sus jugadores favoritos.)

A pesar de las críticas, «Première Consultation» es un álbum que merece su estatus de clásico tanto por la innovación que supuso como por el número de temas que se convirtieron rápidamente en himnos conocidos por todos y que no envejecen con el tiempo. Un álbum muy rico que estará para siempre grabado en nuestros oídos haciendo que Doc Gyneco esté aún con nosotros, aunque tal como ha evolucionado la carrera del doctor, de aquel chico ya sólo quede su espectro.

 

Texto por Lady R

 

 

Name Droppin #4: L’État Assassine (II) El caso Makomé.

name droppin makome

Car l’Etat assassine Makomé en a été victime, bing bang, la police est comme un gang.“

Así reza parte del estribillo de ‘L’Etat Assassine’, tema de Assassin que ha pasado a la historia por su tono denunciante hacia las barbaries policiales cometidas históricamente. No es la primera vez que hablamos sobre él en CryptaMag, hace unos meses explicábamos otro de los casos que se mencionan en el estribillo, el caso de Malik Oussekine. Hoy, sin embargo, nos centraremos en el otro joven que los parisinos recuerdan: Makomé M’Bowolé.

Como ya comentamos en el artículo referenciado, este tema de Assassin pertenece a la banda sonora de la mítica película “La Haine”, y si hay un caso que representa la esencia que el director nos quiere transmitir mediante el film, ese es el de Makomé, ya que, como el mismo Mathieu Kassovitz expresó, El Odio está inspirado en la muerte de este joven a manos de la policía. Los que habéis visto la peli y no conocíais el caso haréis las conexiones fácilmente.

Makomé M’Bowolé fue un joven asesinado por un policía cuando tenía solamente 17 años. Era el 6 de abril de 1993 cuando Makomé y dos amigos más fueron arrestados por la policía al ser encontrados con 120 cartones de tabaco Dunhill que presuntamente habían robado. Los llevaron a comisaría y fueron interrogados hasta que finalmente se decidió dejarles en libertad. Makomé y otro de los chicos eran menores y por lo tanto se avisó a sus padres. Los padres de Makomé, parece ser que como castigo para hacerle reflexionar, no se presentaron. Fue entonces cuando el inspector Pascal Compain (según fuentes, un tipo bastante amante del conflicto) decidió que iba a hacer hablar al joven fuera como fuera, así que se lo llevó para hacerle un interrogatorio “informal”.

Según los testimonios de otros policías que se encontraban en esta comisaría del distrito 18, el interrogatorio subió de tono, el policía presionaba a Makomé mientras el joven le profería insultos y amenazas. Entonces Compain, supuestamente como acto únicamente intimidatorio, sacó un arma de su cajón y apuntó directamente a la cabeza de Makomé. Aunque declararon que encontraban el acto estúpido, ninguno de los allí presentes creyó que el arma estaría cargada hasta que el inspector apretó el gatillo y Makomé murió de un balazo en la cara. Al ver el cuerpo muerto en la silla, el inspector gritaba “Sólo quería asustarle.” Al parecer, Compain declaró haber olvidado descargar su pistola al depositarla el día anterior.

El inspector Pascal Compain fue juzgado por homicidio voluntario enfrentándose a casi 30 años de cárcel, sin embargo tan sólo fue condenado a ocho años de prisión, y no por asesinato, sino por “actos violentos voluntarios con un arma habiendo causado la muerte involuntariamente”. Sentencia que fue considerada irrisoria por la familia de Makomé y por gran parte de la población. Ese tiro que había sido calificado por los forenses como un disparo a quemarropa, se había convertido de repente en un simple accidente.

Los abogados de la defensa se esforzaron para intentar hacer ver que su cliente simplemente era una persona humana más que, como tal, puede enervarse en un momento dado en el que llevan su paciencia al límite, y perder el control como había pasado con un Compain impotente ante la insolencia de un crío. ¿Dónde quedaba entonces la formación que recibe la policía para poder mantenerse fría en situaciones para ellos tan comunes? ¿Y el reglamento que prohíbe usar el arma así porque sí?

La familia apuntaba también el hecho de que hacía apenas un mes, un guardia de un supermercado había sido condenado a 15 años por propinar una paliza a un hombre causándole involuntariamente la muerte. Pero claro, un guardia no es un policía, no deben regirse por las mismas leyes. El padre de Makomé hacía hincapié además en posibles tintes racistas.

«Me preguntaba cómo el policía pudo llegar a tal nivel de odio como para dispararle en la cabeza cuando el chico no podía hacer nada. Hay tanto odio entre las dos partes que lo mínimo es hacerse esta pregunta.” 

· Mathieu Kassovitz, director de «La Haine»

Esta situación puede que no fuera fruto sólo del azar. Aunque en todas las épocas y con todo tipo de gobiernos, la brutalidad policial ha formado parte del día a día, el retorno de Charles Pasqua al Ministerio del Interior había propiciado un clima tenso, ya que él fue uno los responsables que “cubrieron” las barbaries policiales del movimiento estudiantil del 86, del que también os hablamos en el artículo sobre el caso de Malik. Las quejas públicas sobre este tipo de comportamientos habían aumentado durante los días posteriores a su vuelta, parecía que la policía campaba a sus anchas.

Así, justo un año después de la muerte de Makomé, nacía el “Observatorio de libertades públicas” organización que, conducida por el vacío que la prensa más mediática hacía a este tipo de violencia, decidió crear un modesto boletín llamado: “Que faite la police?”(¿Qué hace la policía?) cuyo manifiesto inicial era: “denunciar el comportamiento grosero, despectivo, provocador, racista, brutal y sexista de la policía de una Francia democrática.”

Más de 20 años después de su muerte, París no olvida y, el pasado 6 de Abril, se rindió homenaje a Makomé pintando un inmenso muro de la Rue Ordener en su memoria. 

 Makome-name-droppin-

 

Texto por Lady R

Crónica Ayo @ Coliseum (Barcelona 28-03-2014) Una sonrisa cautivadora.

Ayo cronica coliseum barcelona (1)

Viernes 28 de Marzo de 2014. La noche acogía la segunda actuación del maravilloso ciclo Round About Midnight que se está celebrando en Barcelona. La gente aún revoloteaba por los pisos y el interior del impresionante Teatre Coliseum cuando, por un lateral del escenario, aparecía la esbelta figura de Ayo acompañada únicamente de una guitarra acústica de la que volaban las primeras notas de I’m Walking y así llegó, segura de sus pasos, caminando lentamente hasta el micro. Enmudeció un teatro prácticamente lleno (tal y como se podía esperar mientras que al caminar por la Gran Vía de la Ciudad Condal y aproximarse al número 595 se podía ir divisando un tumulto de gente en la acera que ya no disponía de espacio dentro de la gran entrada del Coliseum). Enmudeció en cuanto la alemana nigeriano-rumana pisó el escenario y dejó fluir su preciosa voz. Una voz que no defrauda ni un ápice, una voz que si ya te había seducido en sus discos, en directo seguramente terminó de enamorarte, una voz siempre acompañada por la sonrisa que Joy (su nombre real) nos contagió a todos desde el primer segundo.

A su espalda, se proyectaba una ventana desde la que se veían las sombras de unos tímidos árboles. Mientras cantaba, la ventana de la pantalla iba abriendo sus cortinas convirtiéndose en un ventanal a la altura de la majestuosidad del Coliseum, dando luz a los músicos que componen la banda que acompaña a Ayo, quienes tras el solo de la elegante alemana, hicieron aparición en el segundo tema, Hullabaloo, hasta llenar el escenario con un contrabajo, un batería, un teclado y un guitarra que serían, a lo largo de la noche, tan protagonistas como la propia Ayo.

Ayo cronica coliseum barcelona (2)

Igual de protagonistas que su sonrisa. Una sonrisa que iluminó su cara durante cada minuto y que te hacía, irremediablemente, empatizar con ella, sentirla cercana estuvieras en primera fila o en el segundo piso del teatro. Una sonrisa que irradiaba alegría, buen rollo y vitalidad incluso cuando cantaba temas de tono más tranquilo o triste pero, sobre todo, una sonrisa que demostraba cómo esta mujer disfruta de la música y el amor sincero que le profesa, algo que se pudo apreciar a través de las varias declaraciones que expresó durante su actuación: “La música nos hace sentirnos mejor, nos hace olvidar el dolor.” “Do you feel better?” preguntó dulcemente en distintas ocasiones.

Cuando uno se sienta a ver el concierto de la que quizás es, en la actualidad, una de las voces negras más representativas del panorama, comparada hasta la saciedad con diversas voces femeninas de gran talla (Norah Jones, Erykah Badu, Sade, Lauryn Hill…) puede creer que durante las casi ¿dos horas? (estaba tan embelesada que no miré el reloj) de actuación, el peso de la balanza iba a decantarse siempre sobre Ayo. Grave error. La afro-alemana, lejos de querer brillar como una diva que necesita el 100% de la atención de su público, integró en su espectáculo a su banda de una manera que, aparte de su impresionante y potente voz, nos hizo disfrutar de su música posiblemente infinitas veces más de lo que ya la podemos disfrutar escuchando sus discos. Y es que Ayo jugó todo el rato con sus músicos, haciendo que sus canciones en directo sonaran casi como versiones distintas de sus propios temas, alargando la mayoría de ellos por lo menos un par de minutos durante los que interactuaba tanto con la banda como con el público, haciéndolo de tal manera que si bien, un tema podía durar siete minutos, no se te hiciera largo ni te aburriera. A diferencia de lo que podría pasar si viéramos varios temas de tanta duración en el disco, en el Coliseum no había lugar para pensar en pasar de track, allí eras partícipe de una fiesta en la que la única pega que podía pasarte por la cabeza era que no podías levantarte de la butaca y arrancar a bailar con ella, sin embargo, hubo momentos en que todos nos dejamos llevar y lo hicimos.

Los músicos que acompañaban a Ayo, además de demostrar su calidad al mando del instrumento con el que habían salido a escena, se descubrieron polifacéticos durante todo el concierto. El contrabajo, igual hacía sonar sus cuerdas que se soltaba para dar palmas y animar al público al puro estilo de un regidor o cambiaba del contrabajo al bajo. El teclista lo mismo deslizaba sus dedos sobre las teclas de un piano que cogía aire y soplaba la trompeta, el batería hacía de corista en múltiples ocasiones y el guitarrista nos sorprendió cantando con Ayo uno de los temas de su último disco.

Lejos del típico momento en que el cantante para el concierto y suelta las palabras mágicas “¡y ‘x’ al saxo!”, mientras ‘x’ se marca un sólo de unos segundos, Ayo presentó a sus músicos en momentos distintos del concierto mientras cantaba algún tema acompañada sólo de uno de ellos, haciendo mucho más partícipes a todos y brindándonos momentos absolutamente geniales y divertidos.

Ayo cronica coliseum barcelona (3)

Por ejemplo, versionó una vez más el And it’s supposed to be love versionado en su primer disco, acompañada en un principio del contrabajo al que más tarde se uniría una trompeta. También junto al batería nos deleitó con Life is Real. Éste además protagonizó otra de las versiones de la noche, con Ayo cantando I Wonder mientras jugaba de tú a tú con él en el estribillo (tema del talentoso Rodriguez, bastante en auge ahora gracias al documental “Searchin for the Sugar man” y del que se incluye la versión en su último disco.)

Ya que hablamos de versiones (suele incluir una o dos en sus trabajos), no podemos olvidar cuando Ayo paró y preguntó al público si les gustaba el sonido Motown, enumerando una serie de grupos archiconocidos para los amantes de la música negra (Marvin Gaye, The Supremes, Stevie Wonder, The Temptations…), a lo que la gente respondía entusiasmada con un sí. Entonces Ayo se dispuso a cantar una fantástica versión del I’ll be there de los Jackson 5.

Para mí, el momento cumbre de la noche fue cuando -más o menos a mitad de la noche- sonó Fallin, mi tema favorito de su último disco “Ticket to the World”. La iluminación (muy acertada durante toda la noche) tomó un tono más oscuro y el foco alumbró a una Ayo que interpretó su tema con un sentimiento y una calidez que hizo que mi piel se erizara, mientras los músicos la acompañaban más acertados (si es posible) que nunca. El público que había estado interactuando durante toda la noche, aplaudiendo, silbando, soltando algún “¡guapa!” y demás… se quedó totalmente en silencio disfrutando del momento, que se alargó cuando Ayo desapareció del escenario y cedió toda la atención a su banda, que estuvo tocando quizás unos tres o cuatro minutos más de forma apoteósica mientras todos los asistentes permanecíamos callados hasta que finalizaron y el teatro llegó a temblar del aplauso y el ruido que el público, totalmente entregado, les brindó.

Ayo cronica coliseum barcelona (4)

Esa noche de viernes, Ayo vino a presentar Ticket To The World, por eso, aunque personalmente me hubiera encantado escuchar algunos temazos más de sus otros dos discos como How Many Times o Better Days -por decir un par- el repertorio se centró mayormente en su último disco: Teach Love, Who, Complain o Wouldn’t It Be Better (por nombrar algunas más de las ya citadas) no obstante, también hubo lugar para sus anteriores trabajos representados por temas como Slow, Slow o I’m not afraid.

Una vez Ayo abandonó el escenario, en la lista ya se echaba de menos el tema -posiblemente- más conocido de la artista, el que la catapultó a la fama: Down on my knees, pero como era de esperar, Ayo lo había dejado para los bises. Abrió su reaparición con él, haciendo que el público se revolucionara y ya nadie pudiera permanecer sentado en su butaca, en platea la gente rodeaba el borde del escenario, y en los pisos de arriba movían el cuerpo en las esquinas o se acercaban a la barandilla. Ayo bailaba haciendo volar su bonita falda con ese estampado que recordaba sus raíces africanas, lo había estado haciendo en distintos momentos de la noche. Por eso, hacía ya rato que se había deshecho de la cazadora con la que había empezado su inolvidable actuación.

Volvió a subir al escenario para demostrar que ella, como hemos dicho alguna vez ya en Crypta, es una gran fusión de estilos, que no sólo se atreve con el reggae, el soul, el folk o el afrobeat, sino que en este nuevo disco también se ha tirado a la piscina y ha integrado un par de temas en los que rapea. Así, nos preguntó si nos gustaban todos esos géneros haciendo hincapié en un “Do you like hip hop?” Entonces el batería empezó a hacer sonar la base acompañando a una Ayo Prez que pedía al público corear un Its bigger than hip hop tras el que se lanzó a rapear la letra del tema que da nombre al disco, Ticket to the World, aunque una vez más, nos ofreció una versión muy distinta a su original. No sería justo no apuntar que, si bien, le pone ganas, aquí pierde cualquier tipo de comparación con Lauryn Hill, en algunos momentos le faltó algo para terminarme de convencer en esta faceta de mc.

Ayo cronica coliseum barcelona (5)

Terminado este Ticket to the World, Ayo ya se encontraba avivándonos: “Barcelona, tell me are you on fire? are you on fire?” cerrando su magnífica actuación con otro de los temas que debía caer sí o sí, el primer single del disco. En cuanto sonó la primera nota de piano, los focos se apagaron y en la pantalla un enorme fuego hacía arder el teatro encendiendo más aún a todo el público, que se volvió loco en cuanto Ayo acabó las primeras barras con su “But there’s no water-ter-ter!” En mi interior fantaseaba con la aparición inesperada de Youssoupha haciendo la versión que se incluye como último track del disco (quién sabe, podría dar la casualidad de que el mc francés estuviera por Barcelona o algo) pero no se obró el milagro. Mientras tanto, un par de chicas subieron a bailar con Ayo, ella se acercó y les rapeó cara a cara, esta vez -he de reconocer- con mucha más actitud que unos minutos antes. Seguridad tuvo que hacerlas bajar, a lo que ella respondió con un “Its allright, it’s allright” bajando a rapear y bailar entre el público, donde estuvo unos minutos.  La gente ya bajaba del primer y segundo piso para poder estar lo más cerca de ella posible. Joy subió a terminar su parte y volvió a bajar saludando, dando la mano y besos a todo el mundo mientras los músicos coronaban una actuación mágica coreando la palabra que cerró la noche: ¡Fire!

Ayo cronica coliseum barcelona (6)

Como último apunte, si estáis dudando si asistir a otro concierto del ciclo Round About Midnight, no os lo penséis más, pues el formato merece la pena, y la calidad-precio es totalmente indiscutible. La próxima cita es el 25 de Abril con Keziah Jones.

 

Banksy: Exit through the Gift Shop, el ¿documental? sobre el extraño Mr. Brainwash.

Banky analisis exit through the gift shop (1)

 

A la mínima que hayas tenido un contacto, aunque sólo sea visual, con ese mundo al que llaman street art, lo más probable es que conozcas en mayor o menor profundidad la obra de Banksy. Pero ¿y Mr. Brainwash? ¿Sabes quién es el Sr. Lava Cerebros?  Yo no tenía ni idea de quién era este personaje hasta que, hace un par de años,  vi el documental: Exit Through the Gift Shop (nominado al Óscar al mejor documental de 2010.)

Personalmente no soy muy fan de esto del street art, en líneas generales prefiero mil veces todo lo relativo al graffiti en su más pura esencia, pero existen ciertos “street-artistas” –dentro de mi limitado conocimiento- que sí me despiertan admiración y sensaciones varias. Uno de ellos es, sin duda alguna, Banksy. Por eso, cuando me regalaron este documental y vi que en la portada rezaba: “Un film de Banksy” no pude resistirme a verlo esa misma noche.

No pretendo hacer de este texto una reseña del documental, sino más bien una reflexión personal. Aún así, puedes leer el artículo y entenderlo todo sin haber visionado el film ya que, antes de emitir mi juicio personal y las conclusiones que saqué tras verlo, voy a intentar resumir la interesante historia que se cuenta en él.

Así, he dividido este artículo en dos partes: 1) El resumen del documental -si ya lo has visto y no te apetece leer, puedes saltar automáticamente a la segunda parte- y 2) Mis conclusiones.

Es cosa tuya si decides seguir leyendo o prefieres verlo antes (existe en inglés subtitulado y recomiendo su visionado antes o después, incluso antes y después para amueblar bien ideas). Lo único que quiero dejar claro antes de empezar es que VOY A SPOILEAR durante todo el texto. Si optas por leer antes de ver, bienvenido seas, intentaré que lo disfrutes como lo hice yo. Pero antes de nada, os dejo con el trailer del documental (que posiblemente estará colgado entero en youtube…)

 

 

1. Exit Through the Gift Shop: la historia.

Cuando metí el dvd en el aparato y di al play, esperaba encontrarme algo parecido a un documental estándar de graffiti centrado en el street-art y en la figura de Banksy. Además, por lo que se podía dilucidar del título, “Salida por la tienda de museos” esperaba una proyección alrededor de la idea sobre cómo un artista callejero había acabado en muchas de las paredes de coleccionistas de arte. Creía que, cuando acabara el visionado, la conclusión sería algo así como “una colección de arte moderno, hoy en día, no es nada sin un Banksy.” Y el principio del vídeo así parecía presentarlo… típico collage de imágenes de escritores pintando todo tipo de piezas en soportes varios con Tonight the Streets are ours sonando muy acertadamente como hilo musical. Pero desde el momento en que aparece la primera imagen de Banksy sentado en una silla soltando las siguientes palabras, entendí que me esperaba algo muy distinto.

“La película cuenta la historia de un tío que quiso hacer un documental sobre mí y resultó que él era más interesante que yo. Así que el film es sobre él.”

 

¿Más interesante que él?¿Quién será ese tío?

Antes de entrar de lleno en la historia que trata el documental, haré un paréntesis para dar cuatro pinceladas sobre la figura de Banksy para los que no lo conozcan muy bien. Banksy es un artista británico que se ha labrado su escalón en el podio de las mejores figuras del street-art gracias a la ironía con la que trata temas como la política o la moralidad, y la forma en la que pervierte iconos de la cultura pop en sus piezas, combinando graffiti y plantillas. Ha pintado en prácticamente todos los lugares del mundo, siendo el muro de Gaza el más polémico en su currículum. Pero sin duda alguna, lo más intrigante de este personaje es que no se conoce su identidad. Aunque existe una foto captada en 2004, donde aparece un chico del que dicen que podría ser él, sólo en su círculo saben qué cara tiene Banksy.

 

Banky analisis exit through the gift shop (2)

 

Exit through the Gift Shop nos cuenta la historia de un excéntrico personaje oriundo de la France y afincado en Los Ángeles, llamado Thierry Guetta. Desde el principio se muestra cómo Guetta es un tío espabilado 100% que vive de comprar fardos de ropa a precio ínfimo y revender las piezas que consideraba más distintas a precios desorbitados, haciendo creer a sus clientes que esos trapos tienen la firma de cualquier famoso diseñador. Aunque lo más curioso de Thierry, es que tiene una, llamémoslo costumbre, llamémoslo obsesión, muy peculiar: ir con su videocámara a todas partes y grabarlo todo. Absolutamente TODO. Thierry acumulaba cintas y cintas, en cajas y cajas, con toda su vida grabada. Traumatizado tras la muerte de su madre cuando era muy pequeño, por sentir que no tenía recuerdos de ella, quería que todos los momentos de su vida y la de su familia quedaran ahí para la posteridad.

¿Y cómo se introduce este personaje en el mundo del street-art? Fácil, durante unas vacaciones a su Francia natal, Thierry descubre que su primo se ha convertido en un artista callejero y decide salir con él por las noches para poder grabar como coloca sus piezas por ahí. Su primo es nada más y nada menos que Space Invader, otro nombre muy conocido en el mundillo por sus mosaicos inspirados en el videojuego del mismo nombre. Así, Guetta, descubre un universo que le fascina hasta límites insospechados y se dispone a dejar huella de todos esos artistas que convierten la calle en un museo nocturno. Durante el documental podemos ver a varios de ellos: Mr. André, M. Chat, Neck Face o Swoon.

 

Banky analisis exit through the gift shop (5)

 

Más tarde, en una de las visitas de Space Invader a Los Ángeles, Guetta conoce y graba a otro de los grandes del panorama: Shepard Fairey, uno de los primeros en expandir algo, ahora mucho más común, como las pegatinas y los carteles gigantes. Como muchos ya sabréis, Shepard se hizo muy conocido a raíz de sus pegatinas y carteles con la cara de André the Giant y el lema OBEY, tanto que Obey se ha convertido ya en toda una identidad mundial. Si algún despistado no lo conocía, pasó a hacerlo cuando su fama se multiplicó gracias a que el actual presidente, Barack Obama, usó en su campaña el retrato que hizo Shepard Fairey. Pero no estamos aquí para hablar de él hoy, aunque lo merecería.

 

Banky analisis exit through the gift shop (8)

 

Así, Guetta y su cámara se convirtieron en el compañero oficial de Shepard Fairy en sus noches vandálicas. Tanto de Shepard como de todos los que salieran con él a pintar. Un día éste le preguntó qué tenía pensado hacer con todos esos vídeos, y Thierry decidió (o eso dijo para salir del paso) que montaría un documental sobre street-art. Así, bajo ese pretexto, el Sr. Guetta estuvo largo tiempo grabando a un gran número de artistas urbanos. Tenía material suficiente para documentar el nacimiento del movimiento pero le faltaba uno, uno del que había visto muchas obras geniales, incluso en la tele. Ese al que tanto admiraba. Ese del que no tenía ni una sola imagen. Le faltaba el mejor, le faltaba Banksy.

Llegó un momento en el que conseguir grabar a Banksy pasó a ser la única preocupación del francés. Era pura obsesión. Había intentado conocerle por todos los medios, pero nadie sabía quién era, nadie tenía un teléfono suyo o no se lo querían/podían facilitar. ¿Un documental sobre street art sin Banksy? Menuda mierda.

Entonces un día recibió una llamada de Shepard Fairy, era 2006 y Banksy venía a pintar a L.A. Le había llamado porque estaba solo y quería saber donde podía ir a pintar y, claro, a Obey no se le ocurrió nadie que conociera más la ciudad para eso como Thierry. Imaginaros su reacción… sin palabras… ¡iba a conocer a Banksy, the God of street art! Hasta le compró un móvil y le puso saldo para que pudiera llamarle a cualquier hora. Con tanta amabilidad, a Banksy no le quedó otra que permitir que le grabara en acción siempre que no se le viera la cara, y acabaron forjando una relación de amistad y confianza. Tantos días en su compañía, hicieron que incluso Guetta se animara a hacer unas pegatinas con un retrato suyo y pegarlas.

 

Banky analisis exit through the gift shop (4)

 

A partir de este momento, el documental sí se centra mucho más en Banksy y su obra, nos muestra algunas de sus más famosas, tanto por USA como en un viaje que hacen a Londres, donde incluso se nos enseña su taller y su método de trabajo, algo inédito hasta ese momento. Son varias las obras que podemos ver durante el documental, y que se merecen ser nombradas, pero para no extenderme demasiado en eso, próximamente publicaremos un artículo anexo sobre las obras más representativas de Banksy.

También se muestra una de sus expos más polémicas por incluir un elefante. Es entonces cuando se entra de pleno en el tema económico. Se observa cómo, en poco tiempo, las obras de Banksy alcanzan unos precios desorbitados. Se subastan “Banksys” a cifras con varios ceros, cosa que le ha costado muchas críticas en el mundillo.

“De repente el dinero lo era todo y nunca había sido así.” Banksy.

 

Fue entonces cuando Banksy animó a Guetta para sacar, de una vez por todas, el documental que tenía desde hace tanto en mente. Él era el único que podía mostrar al mundo de día lo que sólo existe de noche.

“Tú tienes los vídeos, puedes explicar de qué va esto en realidad.”

 

Así el francés se enfrentaba a cientos de cajas y miles de horas y horas de vídeo, con cintas que no estaban ni etiquetadas, así que escogió imágenes prácticamente al azar y tras seis meses de edición, voló a Londres para enseñar los 90 min de resultado a su Dios, bajo el nombre de “Life Remote Control” (una parte de éste se incluye en los extras del dvd). El mismo Banksy hace un resumen acertado de lo que sintió cuando lo visionó:

“En ese momento me di cuenta de que Thierry no era director de cine, era un desequilibrado con una cámara.”

 

Banksy pensó que era mejor que él y sus amigos se encargaran de volver a montar ese despropósito y para quitarselo de encima le dijo: “¿Y si vuelves a poner pósters? Haz arte, monta una expo pequeña.”

¿Qué harías tú si un día viene tu admirado Banksy y te dice “oye, deberías darle a esto del street art”? Coño, pues vas y lo haces, y ¿para que empezar por pegar cuatro pegatinas o cartelitos y hacerte un par de plantillas? Ya que te pones, pues ¡a lo grande! ¡Te montas una exposición enorme en un edificio! Organizar una macroexposición cuando no tienes labrada ni una letra de tu nombre, cuando el único currículum que tienes es el de haber pegado cuatro pegatinas de tu cara… a cualquiera le parecería descabellado, ¿no? Pues por lo visto había una persona en el mundo a la que no: Thierry Guetta, que hasta hipotecó su casa para poder llevarla a cabo.

De esta forma, tras su vuelta de Londres y animado por las palabras de su ídolo, Guetta decidió montar esa enorme exposición bajo el aka de Mr. Brainwash, el Sr. Lavacerebros, el significado es claro. Y aquí es donde entra toda la polémica y los juicios personales sobre este documental, puesto que la exposición de Mr. Brainwash, un completo desconocido, fue visitada por más de 4.000 personas, y el francés novato ganó más de 1 millón de dólares en una semana. Increible pero ¿cierto?

 

 

2. La ¿superficialidad? del arte moderno. Lectura y análisis personal del documental

A pesar de que tanto Banksy como Shepard han declarado que todo lo que se cuenta es absolutamente real, la gran incógnita de Exit Through the Gift Shop es si estamos, verdaderamente, ante un documental o simplemente ante un mockumentary (falso documental).

Mientras estaba viendo el film por primera vez, hasta que se llega al punto de la conversión de Guetta en Mr. Brainwash, la historia podía parecerme bastante creíble: un tipo raro como un perro verde, obsesionado con grabar todo que, por casualidades de la vida, tiene como primo a Space Invader y acaba convertido en una especie de videoaficionado groupie de los street artists que, como buen groupie, se muere por conocer al mejor en eso, Banksy. Vale, muchas casualidades y excentricidades juntas, pero… todos conocemos a algún fanático con deseos parecidos ¿no?

Pero, una vez Guetta se transforma en Mr. Brainwash y alcanza en tan poco tiempo ese éxito desmesurado, me di cuenta de que Exit Through the Gift Shop podía tratarse sólo de una enorme crítica satírica hacia el mundo del arte moderno y su superficialidad. Posiblemente la historia que me había estado tragando no era real. ¿Era real Thierry Guetta? ¿Y Mr. Brainwash? ¿Son los dos personajes inventados? ¿Existe quizás uno de los dos?

Empezaré por el final. Cuando Guetta decide convertirse en el Sr. Lavacerebros y montar la exposición, vemos cómo consigue una gran infraestructura tanto material como personal.  Contrata un elevado número de personas a las que vemos realizando prácticamente todo el trabajo, en ningún momento se nos muestra una imagen de él creando como artista. El extravagante personaje que te podía hacer más o menos gracia, se convierte en un tío pedante, dando órdenes a diestro y siniestro, mientras su único aporte es mirar libros y elegir al azar imágenes que luego manda pasar por Photoshop para incluir elementos disparatados con una clara “influencia” warholiana. Sus ideas son sólo un refrito de técnicas de otros, que deja en evidencia su vacío creativo. Asistimos a un verdadero atentado artístico. Otro punto del film en el que Thierry consigue enervar, es cuando después de anunciar que entregará una serigrafía única a los 200 primeros visitantes, decide poner las 200 en línea y pasearse por su lado apretando un spray. Las gotas caen de distinta forma en cada una, son, por lo tanto, únicas. Fácil, rápido y asqueroso. Esta escena podría servir para denunciar la farsa en la que se ha estado convirtiendo el mundo del arte.

 

Banky analisis exit through the gift shop (3)

 

A pesar de todo eso, su primera exposición “Life is Beautiful”, (la primera de un completo desconocido en el mundo del arte, no lo olvidemos) fue un éxito rotundo tanto en visitas como en ventas. ¿Cómo puede ser? Yo lo tengo claro, crea una expectación exagerada, júntate con quien debes y échate a dormir. Hype que lo llamamos ahora. Y contactos, buenos contactos. Nada nuevo, seguro que a todos nos viene a la mente algún ejemplo cercano.

Puede que este personaje no sea ningún gran artista, pero lo que sí es, es un genio del marketing. Nos lo anuncian desde el principio al explicarnos cómo se ganaba la vida vendiendo trapos a precios de diseño. Por eso, promocionó todo lo que pudo la expo para conseguir que todo el mundo se enterara, pero sabía bien que por mucha publicidad que hiciera (y quedaros con esto amigos del spam) si eres mediocre tienes que tirar de algo más para que se interesen por ti, y Mr. Brainwash tenía lo más importante y necesario: los contactos (amigos) adecuados, por eso pidió, primero a Shepard Fairy y después a Banksy, que le apoyaran y promocionaran. Y ellos lo hicieron en sus webs. ¿Si dos de los más grandes del mundillo hablan de ti, habrá que ir a verte no?

Pero no contento con eso, Thierry fue, inteligentemente, un paso más allá. Cogió la frase que Banksy había escrito, la estampó en carteles gigantes y los pegó por toda la ciudad. La cita de Banksy estaba al alcance de la vista de todo transeúnte. Los rumores sobre lo grande que debía que ser la obra del Sr. Lavacerebros si Banksy le apoyaba, le hicieron llegar a ser portada de L.A. Weekly cosa que hizo que el hype se multiplicara aún más, siendo el resultado, la infinita cola que se formó a la entrada de la expo.

Queda así claro que Banksy nos está mostrando como se ha llegado a un punto, en el mundo del arte moderno (y podríamos extenderlo a muchos otros ámbitos), que lo que menos prima es la obra en sí, un punto en el que el criterio de la gente se basa más en factores y opiniones externas que en las características de la propia obra.

Por eso es muy curiosa la figura de Guetta. En mi opinión el Sr. Lavacerebros es una realidad que Banksy creó expresamente para poder realizar la película, y Thierry Guetta es un personaje inventado que nunca existió. De hecho llego a plantearme que Brainwash es un experimento del mismo Banksy creando obras de calidad ínfima para comprobar qué aceptación podían tener solo lavando el cerebro a la gente mediante un buen marketing. Me hace aún más reafirmarme en la idea, el hecho de que su origen sea francés, ya que la francesa es una nacionalidad que se une muchas veces de forma implícita a ideas artísticas. Me parece un dato muy irónico, ¿no creéis?

Las imágenes supuestamente grabadas por Guetta durante toda la primera parte del film, podrían ser tranquilamente imágenes de archivo recopiladas gracias a los diferentes artistas que aparecen durante el documental. Nadie puede demostrar que Guetta las haya grabado. Por lo que se refiere a las escenas en las que podemos verle directamente a él, estando en pleno siglo XXI, sólo decir… la tecnología hace milagros.

Realmente lo más fascinante de la película es la ambigüedad con la que juega, es tarea difícil intentar discernir entre lo que es real, lo que es ficticio y lo que es una realidad artificial, creada para el propio documental, y que trasciende más allá de las pantallas, ya que en 2010, Mr. Brainwash realizó otra exposición llamada “Icons” en Nueva York y tuvo aún más éxito. Además fue el autor de la portada del Best of de Madonna.

 

Banky analisis exit through the gift shop (7)

 

 ¿Es tan jodidamente retorcido y genial Banksy que se la cuela hasta a la misma Madonna y su experimentado equipo? ¿Hasta tal punto se ha degradado la concepción y la apreciación del valor de las obras de arte llevándolo al absurdo?¿Se está riendo de todos los que lo han criticado hasta la saciedad, tachándolo de vendido por el alto precio al que los coleccionistas adinerados compran sus obras?¿Es una hostia en toda la cara de aquellos sobrevalorados que se creen artistas y sólo plagian? Les está gritando que hoy en día, todo es vendible y aún sin aptitudes puedes hacerte rico. Yo lo veo claro, Banksy juega en todo momento con el espectador durante el documental y sigue jugando después de él -incluso hasta día de hoy- y lo hace de forma magistral.

¿Más datos que corroborarían mi teoría (y la de muchos otros que también piensan que este documental es un fake)? Aunque una vez encendida la mecha de la polémica, Banksy declarara que era todo real, lo cierto es que durante la duración de Exit Through the Gift Shop, el británico nos va dejando caer perlas, algunas de ellas ya las he citado en la primera parte del artículo. De hecho nos avisa desde el mismo inicio del film:

La película no es ‘Lo que el viento se llevó’ pero tiene su mensaje.”

 

El mismo Guetta, una vez convertido en Mr. Brainwash hace burla de los precios de sus propias obras y, lo principal, suelta esta -para mí- reveladora, frase:

“Nunca he expuesto nada, no soy nadie y ahora monto esto. Es todo una farsa en cierto modo.”

 

Igual de reveladora me resulta una de las imágenes finales donde se ve un muro con una pintada en la que se puede leer el nombre de la expo “Life is beautiful” y vemos a Mr Brainwash tirándolo abajo.

 

Banky analisis exit through the gift shop (6)

 

Estas son mis impresiones pero, por supuesto, puedo estar equivocada y realmente Mr. Brainwash existe y goza de un gran talento, el debate queda abierto.

En cualquier caso, no quiero acabar sin hacer referencia a, para mí, la frase que mejor resume Exit Through the Gift Shop, la más impactante y la que se grabó en mi memoria para siempre en cuanto la escuché: la última frase del film donde Banksy describe las sensaciones que le quedan después de ser testigo y partícipe de la creación de un monstruo:

 

“No sé cual es la moraleja de esta historia. Yo solía animar a todo el mundo a expresar su arte como algo bueno. Ahora ya no lo hago tanto.” Banksy.

 

NOTA: Una investigación de LA Times reveló que los datos de la biografía de Guetta están apoyados por los registros públicos, tanto en sus domicilios como trabajos, aún así es imposible saber si su alter ego Mr. Brainwash es totalmente real, lo que sí es cierto e indiscutible es que a día de hoy sigue activo incluso haciendo cameos con otro Guetta, David. El trabajo más reciente del que tengo constancia es de una cover para Rick Ross. Así que, lo escrito aquí es una opinión personal y desconozco si desde la publicación del documental hasta hoy hay algún dato totalmente relevante que apoye o tire por tierra mis palabras.

Texto por Lady R

Monsieur R y el escándalo de su videoclip FranSSe Ennemis#05

Monsieur R La Fransse Ennemis (2)

 

Monsieur R es otro de los nombres que aparecen en la lista negra de nuestros France Ennemis. Originario de Bélgica, pasó su adolescencia en el 93 de París donde empezó su prolífica carrera en el rap, tanto en solitario como parte del grupo Menage à 3, destacando siempre por el enfoque denunciante de sus textos, algo que acabó provocando que el Señor R fuera demandado en 2005 por varios diputados y policías debido al contenido de la letra, y especialmente del videoclip -calificado como pornográfico- de su tema FranSSe incluido en su penúltimo álbum “Politikment Incorreckt”.

Antes de entrar en los detalles sobre dicha denuncia y todo el proceso judicial de esta historia, lo más oportuno es mostrar primero el vídeo en cuestión y hacer un breve análisis sobre su contenido (en el que después ya entraremos en detalle) para que, así, nuestras retinas puedan ponerse en situación.



Como se puede observar de un simple vistazo, Monsieur R empieza fuerte en todos los aspectos, comenzando por el propio título del tema al satirizarlo escribiendo France con dos “S” tipografiadas a semejanza de las iniciales del Schutzstaffel, más conocidas como las SS (organización de la Alemania nazi). Con la polémica servida en la pantalla, es fácil coger los cubiertos y empezar a desmenuzar las imágenes.

Sus polémicas intenciones se ven claras desde el inicio del clip que comienza con el discurso de elección presidencial de Jacques Chirac en 1996, quien evoca la universalidad de Francia allí y en el extranjero declarando que velará por los intereses del país mientras se ven unas imágenes de la intervención francesa en Costa de Marfil, extraídas de un reportaje de Canal+, en las que se pueden ver a civiles huyendo de un tiroteo militar. Aparecen entonces, en pantalla, las palabras con las que Monsieur R empieza su rapeo:

Cuando hablo de Francia, no me refiero al pueblo francés, sino a los dirigentes del estado francés. Hace mucho que nos explotan, de la esclavitud a la colonización y hoy es todo manipulación.”

 

Tras esta introducción, se da inicio a las imágenes que escandalizaron a tantos, aunque realmente no considero que sean lo más fuerte del vídeo: dos chicas moviéndose provocativamente y acariciándose de forma lasciva, cubriendo su piel única y mínimamente con la bandera francesa y, en primera línea, Monsieur R, vestido cual soldado de la legión extranjera, a ratos subido en un SUV tipo militar con las chicas sobre el capó, escupiendo balas contra la república.

Para terminar de completar la historia, durante el clip van apareciendo mensajes con datos estadísticos que corroboran sus letras acerca de las diferencias sociales sufridas por los inmigrantes en el país: datos indicando el mayor porcentaje de paro entre jóvenes de raíces no francesas, menor acceso a viviendas protegidas… Además de todo esto Monsieur R nos habla deventas de armas en África e ironiza sobre presidentes hablando de derechos en un país con historial colonizador como el de Francia aprovechando para maldecir a personajes históricos como Napoleón o Charles de Gaulle.

El clip termina con la estampa de Chirac abrazando a Mobuto mientras se puede leer:

Maréchal Mobuto, dictador sanguinario que Gobernó durante más de 30 años en la república democrática del Congo, durante ese tiempo asesinó a cientos de miles de civiles y a todos sus opositores políticos”

 

¿Estamos todos situados? Pues en agosto de 2005 el diputado de UPM Daniel Mach presentó una denuncia contra Monsieur R por difusión de mensaje violento, material contrario a la dignidad y pornográfico de fácil acceso para los menores. Si esto se demostraba, el mc podría enfrentarse a tres años de cárcel y 75.000€ de multa. Más tarde, François Grosdidier y 200 diputados más (tema del que hablamos por encima en el artículo introductorio de la sección) incluiría al Sr. R en su denuncia colectiva por incitación al odio y a la violencia presentada tras las revueltas de noviembre de ese año, que ya detallaremos en un artículo próximamente. Hoy nos centraremos sólo en lo que atañe a la FranSSe de Monsieur R.

Además de por la accesibilidad de los menores al contenido explícitamente erótico de su videoclip, también querían condenar a Monsieur R por el contenido de varias frases de sus textos. De hecho, en mi opinión personal, y supongo que en la de la mayoría, el “material pornográfico” sólo fue la excusa perfecta en la que centrar la atención de la población, cuando lo realmente importante eran los dardos envenenados que Mr. R iba soltando línea tras línea hacia los dirigentes de la República.

En lo que al texto se refiere, en primer lugar demandaban al Señor R por unas frases que, para ellos, constituían un atentado a la dignidad del Estado y que se representaban a través de las dos chicas del clip:

“La France est une garce, n’oublie pas de la baiser jusqu’à l’épuiser comme une salope faut la traiter mec.” (“Francia es una puta, no olvides follártela hasta agotarla, como una perra hay que tratarla.”)

“La France est une mère indigne qui a abandonné ses fils sur le trottoir sans même leur faire un signe.” (“Francia es una mala madre que abandonó a su hijo en la acera, sin siquiera hacer una señal.”)

 

La denuncia veraniega fue iniciada también por un par de sindicatos de la policía nacional que decían sentirse insultados por sus siguientes palabras: “Los policías son violentos como los golpes de las porras de los CRS” y por pro-terrorismo: en el clip sale la imagen de un islamista radical mientras R habla de la islamofobia.

En resumen, los motivos de la denuncia fueron varios y, una vez más, la base de la que partían era que ese mensaje recibido por jóvenes de barrios desestructurados podía hacer crecer el incivismo e incluso el terrorismo en las cités, llegando a presentar ante la Asamblea Nacional, una proposición de ley para contemplar como delito penado con cárcel aquellos contra la dignidad del estado. Esto incluiría cualquier insulto, manifestación de odio publicada en Internet, TV o cualquier medio. (Esto nos resulta algo familiar ahora ¿verdad?)

A raíz de todo esto, Monsieur R realizó una serie de declaraciones en su defensa. Habló de vuelta a la censura y de lectura errónea cuando le acusaban de mezclar una serie de ingredientes mediantes los que intentaba poner a Francia a la altura del 3r Reich y le tachaban de racista cuando él deja claro desde el principio que no habla de Francia sino de sus dirigentes.

 “No hay palabras racistas en FranSSe ya que no hago ninguna referencia a una raza pero sí a una política, no acepto que me traten de racista, se puede tener una visión crítica sin ser racista ni anti-francés”

 

También ironizó con las acusaciones recibidas sobre incitar a revueltas en las banlieues:

“El rap parece ser el responsable de los disturbios actuales y hasta de los de Mayo del 68. Creo que tienen más cosas que hacer que tomarla con nosotros”

 

El juicio tuvo lugar casi un año más tarde, en el que ya nos podemos imaginar la tónica que siguieron las declaraciones de una parte y de la otra: por parte de la acusación intentaron centrar el tema especialmente en todo lo relacionado a la protección a los menores ante imágenes tan lascivas como las del vídeo. Por parte de la defensa me gustaría  destacar una puntualización de Monsieur R:

Yo sólo quería diferenciar entre la Francia que amo y la Francia de Le Pen con dos “S””.

 

Finalmente Monsieur R fue absuelto. El Tribunal consideró la denuncia inadmisible estimando que las palabras del mc eran sólo metáforas usadas de forma habitual en este tipo de género musical y que, por lo tanto, no debían tomarse al pie de la letra.

Pero que nadie piense que esto hizo cambiar en algo la forma denunciante de hacer rap de este mc, en su siguiente álbum  “Black Album 2006” siguió atacando a la política francesa, arreglando algunas cuentas mediante temas con títulos como “J’ai la haineet “R l’insolent

Texto por Lady R