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PEte Rock & CL Smooth

Pete Rock & C.L. Smooth – I got a Love

PEte Rock & CL Smooth

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OGvsRMX #18
i got a love

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I Got a Love es a “The Main Ingredient” de Pete Rock & CL Smooth lo mismo que Lots of Lovin a “Mecca and the Soul Brother”, uno de esos himnos que deben aparecer en cualquier top de temas de amor en el rap (y me refiero a amor en cualquiera de sus vertientes). Una canción de amor que no suena ni cursi, ni deprimente. Desde la primera vez que uno escucha I Got a Love es consciente de que su melodía está irremediablemente destinada a agenciarse un lugar inamovible en su memoria.

Este es un tema que despierta tus sentidos para el disfrute de su escucha, un hit que, mediante su instrumental de trompetas y guitarras, te impregna rápidamente el alma trasladándote, como si de una máquina del tiempo se tratara, a las décadas de los 60-70. Está claro que Pete Rock estuvo verdaderamente acertado eligiendo ese sample del Ain’t got the love de The Ambassadors (tanto que si te gustaría hacerte con el disco al que pertenece, hoy en día, podría costarte un ojo de la cara). Así que, sin lugar a grandes dudas, el primer single de una obra maestra como “The Main Ingredient”, no podía ser otro que él. Además, se decidió acompañar de un clip rodado en la isla de Jamaica.

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OG (prod. Pete Rock)

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Es en el correspondiente maxi donde, Pete Rock, nos sorprende con un down-tempo remix de ‘I got a Love’ y, únicamente con ese simple toque diferencial, consigue dotar de un rollo totalmente distinto al track, haciendo desaparecer esa atmósfera infinitamente más alegre y optimista del original, para trasladarnos, montados en la voz de Biz Markie en los primeros segundos (“to the Beat, all”), a un lugar mucho más relajado en el que la instrumental empapa al tema de un aire mucho más sensual.

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REMIX (prod. Pete Rock)

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No se puede negar que la versión original de I Got a Love es impresionante, es puro Pete Rock demostrando su marca característica, su buen gusto en la selección de los temas a samplear dentro del amplio mundo de la música negra de las décadas pasadas y aunque, personalmente, me quedo con el tema original, debido a esto y también como consecuencia de todos los recuerdos a los que me transporta y todas las connotaciones melancólicas que mi mente le otorga, no puedo dejar de elogiar el remix, me parece que convive cómodamente en el mismo nivel, una de esas joyas que hacen que no seas capaz de conformarte sólo con comprar el LP. Cierto es que conociendo el currículum “remixero” del tío Pete, éste no es uno de los más impresionantes -en cuanto a trabajado- de su carrera, pero no lo olvidemos… en la sencillez está el gusto.

También podemos encontrar dicho remix en una compilación llamada “Rare Tracks o en la última edición especial del “The Main Ingredient” que incluye todas las versiones de los singles.

¿Y tú, con cuál te quedas?

Nina Simone – Feeling Good

Nina en una sesión fotográfica de 1965

Nina en una sesión fotográfica de 1965

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OGvsRMX #17
feeling good

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Seguramente muchos sólo con ver el nombre ya recordéis la entrada acapela de Nina Simone  y esos metales inconfundibles, graves y potentes. Los que no, la reconoceréis en cuanto la escuchéis bien sea por diversos anuncios de televisión; reversiones raras que pinchan algunos ¿dj’s? con mal gusto; o porque la acapela inicial de Nina ha sido infinitamente sampleada, desde el New Life de AZ que abre “Pieces of a Man” (1998 – Noo Trybe) producido por Goldfinga y Gucci Jones, a la versión auto-tune en el New Day de Jay-Z & Kanye West extraído de “Watch The Throne” (2011 – Roc-A-Fella Records) producido por el mismo Kanye en compañía de RZA y Mike Dean. Puede que alguno también recuerde aquel Lo Máximo de Marina de Carpe DM, producido por Ochoa y Mr. K, del que hacen ya diez años, en aquella época en la que según nuestro hombre Bob sucedió casi todo. Algunos años más, cincuenta concretamente, se cumplen desde que los ingleses Anthony Newley y Leslie Bricusse la compusieran para el musical “The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd” de 1964. La versión que nosotros tomamos en este caso como OG es la que Nina Simone incluyó en su disco “I Put A Spell On You” editado en 1965 por Philips Records.

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OG (comp. Hal Mooney)

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Un año antes de que lanzaran el disco, el mismo año que Newley y Bricusse componían Feeling Good, Philips Records rompía sus relaciones de distribución en Norteamérica con Columbia Records para comenzarlas con Mercury Records, compañía que acabarían comprando un año después. Por aquel entonces en Mercury trabaja un pianista llamado Hal Mooney, cuyas ocupaciones principales en el sello eran la de A&R, y la de arreglista de composiciones. Mooney había trabajado con divas como Sara Vaughan, Dinah Washington o Judy Garland, y ahora gracias a Philips se le presentaba la oportunidad de trabajar con Nina Simone, una nueva artista que venía de Colpix, un subsello que, curiosamente, había creado Columbia en 1958, cuando todavía trabajaba con Philips.

Hal Mooney rodeado de algunas de las cantantes con las que trabajó. Empezando por arriba y de izquierda a derecha: Beverly Kenney, Gloria Lynn, Judy Garland, Esther Ofarim, Helen Merrill, Dinah Washington y Sarah Vaughan

Hal Mooney rodeado de algunas de las cantantes con las que trabajó. Empezando por arriba y de izquierda a derecha: Beverly Kenney, Gloria Lynn, Judy Garland, Esther Ofarim, Helen Merrill, Dinah Washington y Sarah Vaughan

Mooney trabajaba con una orquesta, la cual siempre estuvo bien nutrida gracias a sus labores como A&R. No puedo afirmar a ciencia cierta que músicos participaron en las grabaciones que se mencionan en el texto, pero si puedo confirmar que entre sus filas pasaron músicos de renombre como Clark Terry, Freddie Hubbard, J. J. Johnson, Benny Golson o Bob James. El registro por el que mejor se movía Hal era ese terreno musical que mezclaba la vitalidad del swing, con la pasión del blues, y con lo que entonces se consideraba como pop (en el sentido de popular) que venía en parte de la música clásica europea, el teatro, y los musicales. Como ejemplo concreto podría servir su trabajo con Sarah Vaughan, para la que llegó a arreglar una composición hecha para un musical como es Autumn In New York de Vernon Duke (un americano hijo de familia noble y puede que incluso con sangre azul), o baladas clásicas del jazz como Lush Life de Billy Strayhorn, compuesta para que Duke Ellington la tocara en el Carnegie Hall. Hasta entonces le había sacado el lado más salvaje a su orquesta con su LP “Voices In Song And Percussion” editado en 1960 por Time Records. Otra de las cualidades de las que gozaba la música de Hal Mooney era el dramatismo, lo que le llevó años más tarde a realizar bandas sonoras para series como Colombo o El Hombre de los Seis Millones de Dólares.

Su conexión en Philips con Nina Simone dio para varios discos, “Wild Is The Wind” y “High Priesess of Soul” entre otros, aparte de “I Put a Spell On You” que nos ocupa. El carácter de la voz de Nina y su estilo al piano ensamblaron a la perfección con ese registro mixto de Hal Mooney y su dramatismo, sacando lo mejor el uno del otro. Feeling Good es un buen ejemplo de ello, pero curiosamente, Feeling Good no se lanzó en su día como single, quedando eclipsado por otros cortes del disco como el que le da nombre (composición original de Screamin’ Jay Hawkins) o el emotivo Ne Me Quitte Pas del belga Jacques Brel.

Hubo que esperar hasta 1987 para que Feeling Good se hiciera popular gracias a un anuncio británico de suavizante, o años más tarde gracias a un anuncio de Volkswagen, que incluso supuso el lanzamiento en Reino Unido en 1994 de un single editado por Mercury en una muestra más de cómo sacar dinero gracias a  que el paso del tiempo revaloriza ciertas creaciones.

Como decíamos Feeling Good es una buena muestra de lo bien que ensamblaron las capacidades e influencias de Hal Mooney y Nina Simone, muy probablemente porque Nina siempre mantuvo esas raíces vinculadas a la música clásica. Nina abre la canción con un excelente acapela enraizado al blues, antes de dar paso a los revalorizados metales que rugen al jungle de Duke Ellington y las big-bands de swing. Los acompañan las cuerdas y un piano que se limitan a dar consistencia a la melodía, y que cobran protagonismo al acabar Nina la segunda estrofa y hacer un puente que silencia los metales de la orquesta de Mooney para dejar solo a las cuerdas, bajando la intensidad y dejando ver esa influencia del sonido de orquesta de Broadway.

En una estructura muy similar a la de la canción que da título al disco, la orquesta se rinde a Nina para que se luzca haciendo un emotivo scat antes de que suene por última vez la inconfundible melodía de los metales. Todas esas influencias y sensaciones sintetizadas en tres minutos: la mitad de lo que dura el remix de Joe Claussell.

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REMIX (prod. Joe Claussell)

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Con diferencia, lo mejor de los mercadillos jinchos y los puestos ambulantes de discos es que no sabes lo que puedes encontrar. En este caso entre cantidades ingentes de mierda me encontré con este precioso artwork de Hollis King (dirección), Dave Ellis (responsable del “bodegón”), Mo Daod (fotografía) y Re/Hab (diseño). La portada rezaba “Verve // Remixed” y los nombres de Mark De Clive-Lowe y De-Phazz entre otros. Le di la vuelta y aparecían clásicos de la ya mencionada Nina, Sarah y Dinah, Astrud Gilberto, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Willie Bobo… Pintaba a media hora bien invertida.

El primer corte, un remix de Spanish Grease de Willie Bobo a cargo de Richard Dorfmeister y Madrid de los Austrias, ya iba generando esa sensación de buena compra cuando pillas algo que no conoces. La sensación se afianzó con el remix de How Long Has This Been Going On? de Carmen McRae firmado por MJ Cole; la paz de la versión que hacen Thievery Corporation de Who Needs Forever? de Astrud Gilberto; y la salvaje adaptación de Is You Is Or Is You Ain’t My Baby? de Dinah Washington que hacen Rae & Christian. Pero, fue al llegar al corte 5 cuando la sensación de una buena compra desapareció, y paso a ser esa que tienes cuando lo que hay en tu equipo deja de tener valor como producto para tener valor más allá de bien de consumo.

Antes de nada, aunque el remix está firmado por Joe Claussell hay que matizar que en el corte se acompaña de otros dos músicos. Uno de ellos es el bajista parisino Yosi Fine, de quién cabe destacar alguna colaboración con Rubén Blades y Stanley Jordan, e incluso, su aportación al “19 Naughty III” de Naughty By Nature tocando el bajo en Ready For Dem.

El otro, que cumple un papel fundamental en el remix, es el pianista Marc Cary. De su curriculum cabrían destacar colaboraciones en las últimas etapas de Dizzy Gillespie y Abbey Lincoln, y en las actuales de Erykah Badu, Lauryn Hill o Q-Tip. En 1999 lanzó con el sello Jazzateria un disco llamado “Rhodes Ahead” que le valió el BET a Mejor Nuevo Artista de Jazz. Son precisamente Marc Cary y su Rhodes los que dan el verdadero valor a este remix.

Joe Claussell, Yosi FIne y Marc Cary

Joe Claussell, Yosi FIne y Marc Cary

Al contrario que la acapela que abre el original, aquí la apertura la hace el elemento más simple de todos: la programación de la batería. Joe & CIA dan la vuelta al concepto de forma radical, por si lo que esperaba el oyente de la versión de Nina era de nuevo su voz invitándote a quedarte. En este caso es su ausencia lo que hace que te quedes esperando esa voz y para cuando llega, prácticamente rozando los dos minutos, Joe Claussell, y especialmente Marc Cary, han hecho que olvides por completo la versión original y te han introducido en la suya. Una forma muy inteligente de separar el enfoque de la canción para que no haya lugar a, en primera instancia reticencias al ser una grabación de referencia, y en segunda, comparaciones.

Se separan del jazz salvaje que compuso Mooney para la versión original, y a través del Fender Rhodes de Marc Cary y un fraseo muy pausado se traen la versión al ámbito más electrónico y actual. Una vez entra la acapela de Nina (que no es la misma estrofa que la inicial de la versión original), el Rhodes pasa a cumplir dos funciones: por un lado la de colchón sonoro para la voz de Nina, generalmente con notas largas, y por otra la de complementar su voz respondiendo a las preguntas (musicales) que canta Nina.

Una vez acaba Nina su primera estrofa, Claussell introduce las muestras de los metales, y ese dramatismo de la composición de Hal Mooney es perfectamente acompañado por Marc Cary con las octavas graves de su Rhodes. Tras el detalle del piar de los pájaros, muy acordes a la letra de la canción, y un par de estupendos arreglos de Marc Cary contestando a la voz de Nina, vuelve el estribillo con las muestras del original, pero esta vez el piano vuelva como las aves de la canción en un fantástico solo. Después llega la parte más fidedigna al original, con la voz de Nina sobre las cuerdas y el solo original de piano (pasado todo por un filtro y manteniendo la percusión del remix, eso sí) hasta que de nuevo entra la muestra de los metales y Marc Cary realiza otro solo con su Rhodes, esta vez más breve.

Para cerrar, sí que dejan que la voz de Nina suene prácticamente sola, con la única compañía de un sonido que imita al viento y otro que hace lo propio con el piar de los pájaros de nuevo, y deciden respetar la estructura original de Hal Mooney para dejar el good que canta Nina (con algo de reverb y delay) volar sobre las muestras de los metales y el teclado de Marc Cary.  Una forma perfecta de readaptar un clásico sin que haya lugar a comparaciones, porque cada versión pertenece a su época.

Run DMC – Down With The King

Run DMC, Pete Rock & CL Smooth

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OGvsRMX #16
down with the king

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En las próximas semanas entraremos de lleno en We’Re New Here de Gil Scott-Heron & Jamie XX, un disco que calidad aparte, supuso la conexión entre dos generaciones. Antes de ello, y aunque analizaremos más de su personaje cuando hablemos del disco, es necesario introducir levemente a la persona responsable de que ese disco se gestara y viera la luz. Estamos hablando de Richard Russell, dueño y director del sello XL Recordings. Pero antes, mucho antes del “We’Re New Here”, e incluso antes de que Richard Russell se convirtiera dueño XL Recordings, donde ya ocupaba un puesto como A&R, sucedía en Nueva York una especie de unión similar a menor escala, y dentro de un género concreto, el rap: la unión de Run DMC con Pete Rock & CL Smooth.

Run DMC ya llevaban cinco discos de estudio a sus espaldas, y hacía tiempo que Rick Rubin y Russell Simmons los habían puesto en boca de todo el mundo con movimientos tan astutos como la unión con Aerosmith para la publicación de Walk This Way’ (1986 – Profile Recordings), primera canción de rap en estar en el Top5 de la Billboard Hot 100, o la vinculación con Adidas para hacer lo propio con el corte ‘My Adidas’ (analizado en profundidad en nuestra sección Behind Bars) cuyo single salió ese mismo año acompañado del corte Peter Piper. Tanto Walk This Way como My Adidas formarían parte de su disco “Raising Hell” que vería la luz ese mismo año, y que sería el primer disco de rap en liderar la lista de discos de R&B y rap de Billboard, en la que aguanto un total de 65 semanas (no como nº1 evidentemente) junto a artistas del a talla y/o fama de Janet Jackson, Prince & The Revolution, Whitney Houston, El DeBarge o Pati LaBelle.

Para cuando “Down With The King” salió a la luz, año 1993, se podría hablar de unos Run DMC que a pesar de no estar en decadencia sí perdían fuelle ante la nueva oleada de grupos que venían pegando fuerte aportando nuevas perspectivas y cadencias tanto en la parte vocal como en la instrumental. Tras los excelentes resultados de “Raising Hell”, el trío siguió trabajando con Profile Records pero los resultados de sus siguientes discos no consiguieron igualarlo. “Tougher Than Leather”, que vio la luz dos años después (1988) se quedó a las puertas ocupando el número 2 y manteniéndose 26 semanas en la lista, pero los resultados serían peores con “Back From Hell” (1990) que sólo llegó hasta el puesto 16, e incomparables si tenemos en cuenta un grandes éxitos editado por el mismo sello en el ’91 que llevó por título “Together Forever”, y que sólo consiguió mantenerse 9 semanas en lista sin pasar el puesto 75.

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OG (prod. Pete Rock)

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El trío y su entorno se daban cuenta de ello, por eso en el disco homónimo al corte que hoy nos ocupa se rodearon de algunos de los estandartes de esa sangre nueva: los ya nombrados Pete & CL, Kay Gee, Jermain Dupri, Onyx, Q-Tip, o unos ya más experimentados The Bomb Squad y EPMD son algunos de esos artistas con los que contaron, y que más tarde grabarían sus nombres en la Historia de la llamada Golden Era. El resultado de ese movimiento, “Down With The King” consiguió poner de nuevo a Run DMC en el número 1 de los Top R&B/Hip-Hop Albums de la lista Billboard.

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Unos jóvenes Pete Rock y CL Smooth habían publicado un año antes un disco titulado “Mecca And the Soul Brother (Elektra), a día de hoy incuestionable pieza maestra con la que Pete Rock asentó unas rutinas de producción que cambiarían parte del juego, y en las que puedes profundizar si revisas nuestro Crate & Triggers dedicado a Dave Rosum y la SP-1200. Ese estilo tan personal le llevó a convertirse en uno de los productores referencia de la década de los ’90, y ese reconocimiento empezó por artistas de una generación anterior como Run DMC, que contaron con él para tres ritmos de este disco.

El beat de Down With The King abre con esos redobles marca de la casa Roca y un riff de guitarra que se loopea acompañado en el estribillo por unos coros vocales y unos samples de metales. Entra el párrafo con la rapeada de Run, prácticamente carente de arreglos, pero para la entrada de su socio CL Smooth Pete deja las muestras de metales del estribillo repitiéndose mientras pierden volumen, algo similar a lo que haría un dj seleccionando un corte y bajándole el volumen mientras suelta el corte y vuelve a recogerlo. Ese tipo de arreglo se convertiría a lo largo de la siguiente década en un estándar llevado a cabo por numerosos productores. Un arreglo similar usa para su entrada, sólo que esta vez dejando un redoble de bombos que se acaba cerrando con otro redoble, esta vez de cajas. Otros arreglos destacables, aunque no sean mérito de Pete Rock, son los continuos scratches que Jam Master Jay hace con la frase del corte Run’s House y que repite sin la frase para cerrar párrafos. Sobre las barras, nada especialmente destacable salvo el tirito que le deja CL Smooth a Mc Hammer: ‘C.L. and Run DMC so rush it, big time way before Hammer got to touch it.

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REMIX (prod. Richard Russell)

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NOTA: Lamentablemente el corte en completo que estaba subido a YouTube ha sido borrado, pero podéis escuchar un extracto del remix en el siguiente enlace

Poco después de la salida del single Down With The King al otro lado del charco, concretamente en Reino Unido, se editaba un maxi titulado “Down With The King (UK Remixes)”. Las escenas electrónica de Londres comenzaban a explotar y un joven llamado Richard Russell empezaba a hacer sus pinitos como productor a la par que trabajaba como A&R en XL Recordings. Richard disfrutaba de una incipiente fama gracias al pistero corte The Bouncer que había lanzado un par de años antes junto a Nick Halkes bajo el nombre de formación Kicks Like A Mule, y a otros cortes de claro enfoque electrónico de los que ya hablaremos con algo más de profundidad. ¿Por qué eligieron entonces a Richard Russell para ser uno de los encargados de remixear Down With The King? Ni idea, pero el remix que nos dejó tiene bastante de rap y bastante poco de house.

Respeta los scratches de Jam Master Jay, y los acompaña introduciendo la muestra poco a poco hasta que la deja correr sobre un loop de batería que en un par de ocasiones alterna con un break de beatbox. La secuenciación de los samples poco varía, salvo una nueva muestra que suena cerrando cada bloque de 8 barras. La mayoría de los arreglos se limitan a muteo de pistas para dejar que corran en solitario bien el bajo, bien el sample, bien la percusión, o bien los scratches de Jam Master. A pesar de las similitudes, ¿te quedas con la versión del joven Pete, o del joven Russell?

Chromeo – Hot Mess

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OGvsRMX #15
hot mess

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Siempre he considerado la escena musical canadiense como una “gran desconocida” en la que conviven numerosos artistas de un talento inigualable. No todo son “Drakes” o “Nellys Furtado”, y es que podríamos decir que Canadá posee uno de los ecosistemas musicales más ricos del mundo en términos de calidad y diversidad, habiendo dado a luz a músicos como Neil Young, Arcade Fire o los inclasificables Crystal Castles. Uno de mis últimos descubrimientos ha sido Chromeo, la banda de Montreal formada por el guitarrista y vocalista David Macklovitch (Dave 1) y el teclista Patrick Gemayel (P-Thugg), a la que dedicamos este OGvsRMX.

El sonido de Chromeo es un constante deja-vu a los inicios de la música Electro de los años 80. Bajos arpegiados, riffs de guitarra entrelazandose a potentes leads, 808s, 707s, hooks con vocoders… En definitiva, una paleta sonora apabullante salida de las entrañas de un estudio en el que lejos de aferrarse al ideal de un sonido en concreto conviven máquinas tan dispares como un Sequential Circuits Prophet 5 (un sintetizador básico en la historia del Funk) o un Waldorf Microwave (un potente sinte basado en tablas de ondas).

Hasta la fecha han editado tres discos de estudio: “She’s In Control” (2004), “Fancy Footwork” (2007) y “Business Casual” (2010), todos bajo el sello Vice, label que también alberga a artistas como Justice, Action Bronson o Deniro Farrar. También cuentan con un mix para la prestigiosa saga Dj Kicks editado en el año 2009.

El corte que tratamos en este OGvsRMX es Hot Mess, uno de los singles de su último trabajo editado, “Business Casual” (2010 – Atlantic). El track se lanzó el diecisiete de junio de 2011 en formato Maxi, acompañado de una versión vocal junto a la cantante Elly Jackson y un remix a cargo del grupo Duck Sauce. El corte original tiene todos los ingredientes que conforman un hit, una gran línea de bajo analógica, una potente percusión secuenciada, unos acordes que apestan a Juno y un lead magistral, todo un viaje a los años 80 capaz de mover a cualquiera del asiento.

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OG (prod. Chromeo)

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El remix correspondiente cambia totalmente las tornas del original, conservando las vocales de la versión de Elly Jackson, Duck Sauce se llevan Hot Mess a su terreno, la música Disco. La línea de bajo desaparece para cederle todo el protagonismo a una potentisima 909 combinada a un riff muy pegadizo creando un corte mucho más orientado a las pistas de baile. Una de las curiosidades de este remix es el hecho de que esté realizado precisamente por Duck Sauce, grupo formado por Armand Van Helden y A-Trak, dado que este último es el hermano menor del vocalista de Chromeo, Dave-1.

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OG (prod. Duck Sauce)

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Chromeo es un grupo irrepetible, derrochando personalidad y descaro, el duo de Montreal se sigue desmarcando diez años después de su debut gracias a su actitud funk incluso en un momento en el que el sonido de los 80 empieza a revivir con fuerza de la mano de productores como Kavinsky, Lazerhawk o Miami Nights 1984 con su autodenominado Outrun Electro.

Por último recordaros que estarán el sábado treinta y uno de Mayo en el Primavera Sound de Barcelona.

Texto por Stryfe

Chinatown – El rudo se murió (con JNK)

Fotograma de Serpientes de Chinatown & JNK

Fotograma de Serpientes de Chinatown & JNK

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OGvsRMX #14
el rudo se murió

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La semana que viene sale a la venta Muy Personal”, el primer disco de Jank aka JNK desde Santander (puedes fichar el clip de adelanto titulado Tengo Sed). Más allá del mundo del graffiti, dónde es conocido por su gran actividad junto a artistas como Okuda, JNK se hizo con un nombre en la escena rap gracias a sus freestyles publicados por Estudios Blancos y sus colaboraciones con diversos grupos de la escena cántabra como Mitiko & Dj Yata, Sakana, y sobre todo con Chinatown, a quiénes incluso acompañaba en los directos.

La dupla Chinatown y JNK nos dejo Serpientes en “Llenos De Amor Por” (2003 – FAK Records), en “Opio” (2005 – Mari Nakome) Superamor, y en el 12” “Uranio” (2008 – 1L Records) colaboraba en uno de los cortes de adelanto de “Sobre Mojado” (2010 – Ídem) titulado El Rudo se Murió. La diferencia entre los anteriores discos de Chinatown y “Sobre Mojado”, es que al último le precedieron dos 12”, el ya citado “Uranio” y “Carta Bomba” (2007 – 1L Records) en los que nos dejaban jugosas acapelas para que los beatmakers pudieran hacer remixes. Pues bien, para ir abriendo boca ante lo que muchos estábamos esperando, un disco suyo en solitario, traemos este OGvsRMX de El Rudo se Murió, que remixeó Dj Loro. Empecemos con el OG.

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OG (prod. Dj UVE)

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Amantes y estudiosos de la Historia del hip-hop, no es raro que Chinatown fueran dados a hacer cortes de storytelling, y no, no me refiero al concepto que se adoptó aquí de storytelling que era (y es) contar historias de mujeres fatídicas desde Lola, a Esmeralda, a Ponga Aquí El Nombre De Una Mujer. Cuando Vi El Mal, El Gordo y el Enano, o La Fábrica Rica fueron los primeros ejemplos de este enfoque característico del grupo, y El Rudo Se Murió fue el último, donde GND, Priteo y JNK relataban la historia de distintos rudos que abandonaron su espíritu de barrio.

Que Dj UVE es un productor y dj influenciado por todo el espectro de la música negra, coqueteos con la electrónica incluidos, es algo que tampoco vamos a descubrir ahora. La influencia de la música jamaicana se deja notar desde los primeros segundos del beat de El Rudo se Murió con ese riff de guitarra hipnótico que abre el ritmo al que poco tardan en sumarse unas percusiones filtradas y con reverb al más puro estilo dub y una voz que te ponte en situación, ‘Six millions ways to die… Chose one.

La guitarra se silencia y entra la percusión con una dura línea de bajo que nos traslada a la noche jamaicana, y a lo largo del resto de la instrumental UVE añade muestras vocales (en ocasiones extraídas de las mismas acapelas de los mc’s) y percusiones filtradas con delay, además de otro riff de guitarra que cierre los párrafos. Un auténtico tributo a la música de la isla que se completa líricamente con el storytelling sobre rudeboys. Por si no quedara claro, al final del tema UVE se marca unos scratches con frases, aparentemente de cortes jamaicanos, para poner el broche perfecto al ambiente. Por supuesto, no podía faltar una voz reverberada y con delay para cerrar el tema.

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REMIX (prod. Dj Loro)

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Pues bien, como decíamos Dj Loro de Kódigo Norte remixeó El Rudo Se Murió en su trabajo de remixes “Muchos Dijeron Adiós / Remixes” (2012 – Autoeditado), en el que también aparecen Linguistics de Jurassic 5, Born 2 Live de O.C., o Noble Art de IAM con Method Man & Redman (puedes descargar el trabajo en el siguiente enlace).

Dj Loro mantiene la esencia jamaicana del beat de Dj UVE, aunque le cambia el enfoque y lo centra en el brillo en vez de en la ruda oscuridad. Quizá no se note en los primeros compases, puesto que lo que realmente te introduce en la crudeza callejera en el beat original es el bajo filtrado más que la guitarra inicial, pero en cuanto entra el vibráfono en el beat del remix quedan despejadas las dudas. Dj Loro también recurre al riff de guitarra (difícil sería representar la música jamaicana sin un patrón compositivo tan identificativo cómo éste) pero no así a los delays en la percusión y la voz. Lo que siíhace es introducir nuevos arreglos que modifican ligeramente la estructura de la canción original, como por ejemplo el reposo del vibráfono tras el párrafo de los mc’s seguido del cargador de una pistola.

Dos visiones de la música jamaicana con un mismo punto en común, los rudeboys, ¿con cuál te quedas?

Bonobo feat Andreya Triana – The Keeper

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OGvsRMX #13
the keeper

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Hace unas semanas os hablabamos de dos de los discos más importantes para la trayectoria del sello Ninja Tune, “Lost Where I Belong” (2010) de Andreya Triana y “The North Borders” (2013) de Bonobo. Hoy queremos cerrar de algún modo éste pequeño círculo en torno a la figura de Simon Green recordando un tema (y su respectivo remix) de su disco fetiche: Black Sands” (Ninja Tune – 2010).

Debido a la gran acogida tanto por parte de la crítica como del público que tuvo “Black Sands”, Ninja Tune editó una compilación de remixes en formato doble LP en la que participan artistas como Machinedrum, Lapalux, Floating Points o Cosmin TRG entre otros. A los remixes se suman dos temas inéditos de Bonobo: Ghost Ship Brace Brace.

La trayectoria musical de Bonobo ha estado acompañada de multitud de vocalistas, desde Bajka en “Days To Come” (2006 – Ninja Tune) hasta Szjerdene en “The North Borders”, Simon siempre ha sabido elegir perfectamente los timbres adecuados para acompañar sus composiciones. De estas uniones vocalista/productor sin duda hay que destacar las apariciones de Andreya Triana en “Black Sands”. Es difícil imaginar hoy en día temas como Eyesdown o The Keeper interpretados por otra voz que no sea la de Andreya, sobre éste último nos centraremos en este OGvsRMX.

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OG (prod. Bonobo)

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Recuerdo especialmente The Keeper porque fue el tema que más me atrapó las primeras veces que escuché “Black Sands”. El sonido del bajo junto a las guitarras limpias (aderezadas con un delay muy sugerente), las percusiones acompañando a la batería y unos efectos de sintetizador (creados con un Clavia Nord Wave) perfectamente empastados a la mezcla, hacen de perfectos acompañantes para una Andreya Triana que consigue crear con su voz una atmósfera muy inspiradora.

Creo que una de las principales virtudes de The Keeper es que es de los pocos temas de Bonobo que depende totalmente de su vocalista, Andreya no es un elemento más en la canción, es el alma de la canción, el apartado instrumental es genial pero es la voz de Andreya la que consigue que el tema se te grabe en la memoria y meses o años después nos dirijamos a buscarlo entre nuestra música.

Cuando dos años después se anuncia “Black Sands: Remixed” (2012 – Ninja Tune) no tenía grandes expectativas, no me imaginaba remixes de temas como Animals, 1009, o el mismo The Keeper. En cierto modo acerté porque en el tracklist no aparecían los dos primeros, pero sí que aparecía un remix de The Keeper, su autor: Banks, productor y multi-instrumentista de Brighton. En ese momento no tenía ni idea de quién era y a día de hoy salvo un mix para Solid Steel y algún track de su Soundcloud no he escuchado demasiado de él, pero sin duda consiguió darle la vuelta a un track que ya de por sí era redondo.

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RMX (prod. Banks)

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Si entre las virtudes del original estaba ese sonido acústico y orgánico que caracteriza a Simon Green, entre las del remix de Banks está todo lo contrario. El productor inglés se lleva a The Keeper al terreno más puramente electrónico. La voz de Andreya se filtra en un entorno digital con reverbs muy profundas en el que solo alcanzan la superficie un bombo y un bajo muy poderosos. Lejos de seguir la estructura original del tema, Banks implanta un magnífico estribillo sobre unos arpegios llenos de phaser y bitcrushing que campan a sus anchas en un entorno invadido de frecuencias graves. Pero no todo es electrónica pura y dura, aprovechando sus dotes como multi-instrumentista, Banks enlaza cada estrofa con unos puentes a guitarra acústica sencillamente fantásticos.

Todo el que me conoce sabe que soy un amante incondicional de “Black Sands”, es probablemente uno de los discos que más he escuchado en mi vida, pero si tengo que elegir entre uno de los dos temas me decanto por la versión de Banks, la forma en que ha tratado la voz de Andreya y la vuelta de tuerca que le ha dado a un tema tan especial hace que mi balanza se decante a su favor. Ahora la pregunta es, ¿con cuál os quedáis vosotros?.

Pusha T – Number On The Boards

Pusha T

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OGvsRMX #12
number on the boards

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Hoy sale a la calle “My Name Is My Name”, el nuevo álbum de Pusha T. La expectación que ha levantado este lanzamiento ha peleado duramente con la de “Old” (Fool’s God Records) de Danny Brown, y probablemente gran parte de la culpa sea de la estrategia de lanzamiento de singles que se ha llevado desde las oficinas de G.O.O.D. Music que, dicho sea de paso, es un ejemplo de esa maldita costumbre del marketing del sXXI que es destriparte medio disco antes de que salga (menos mal que alguno no sale en el disco). Un servidor es más de escuchar los álbums cuando salen, por lo que sólo he escuchado el feat de Kendrick Lamar y el corte que protagoniza esta entrada, Numbers On The Boards. Para qué escuchar seis singles, si con estos dos ya sé de sobra que estamos ante un disco de personalidad tan azabache como la portada alternativa.

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OG (prod. Don Cannon, Kanye West & 88-Keys)

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Aun a riesgo de meter la zarpa, puesto que no he escuchado el disco a pesar de que los rusos lleven con el rulando varios días, seguramente Numbers On The Boards (aquí puedes escuchar una versión subtitulada) represente a la perfección la atmósfera general de “My Name is My Name”. Un Pusha T serio, duro, y estricto (nada nuevo si le conocías desde referencias de The Clipse el grupo que tiene junto a su hermano No Malice) vacilando de las prendas, la renta y el poder conseguidos entre los trapis y el rapgame.

Biggs Burke en el momento de ser detenido

Biggs Burke en el momento de ser detenido

En la letra se encuentran continuas referencias sobre esto, desde las citadas más abajo hasta el name droppin’ sobre Biggs Burke tras introducir el sample de Jay-Z en Intro A Million And One Questions / Rhyme No More (1997 – Roc-A-Fella Records) lo que se podría interpretar como que Pusha no está ganando pasta con el rapgame de forma casual, ni porque le fiche Kanye West.

 

Lo hace porque conoce hasta las entrañas del juego. Biggs Burke fue co-fundador de Rock-A-Fella junto a Jigga y Damon Dash (fundador también del colectivo DD172 que tanto está pegando gracias al trabajo del sello BluRoc, el proyecto “Blackroc” de 2009 que mezcla rock y rap, o los feats con los filmmakers Creative Control entre otros) y fue condenado el año pasado a prisión por formar parte de una trama de traficantes de marihuana ‘Motherfuckers can’t rhyme no more, ‘bout crime no more (sample de Jay-Z) / Mix drug and show money, Biggs Burke on tour (Pusha T). Debe ser que Rock-A-Fella no daba suficiente dinero.

‘Givenchy fittin’ like it’s gym clothes, we really gymstars, I’m like D. Rose / No D-league, I’m like these clothes, ’88 Jordan, leaping from the free throw’

A la izquierda, Pusha T vistiendo Givenchy, al igual que Kanye y Jigga al a derecha. En el medio las Jordan '88

A la izquierda, Pusha T vistiendo Givenchy, al igual que Kanye y Jigga al a derecha. En el medio las Jordan ’88

 

El beat, descaradamente minimalista para estar realizado por tres personas, lo firman Kanye West, Don Cannon, y uno de los responsables de la inclusión de Polo en el universo del rap, 88-Keys. Eso no quiere decir que el minimalismo sea algo no trabajado, sino que es algo sencillo que cumple una necesidad concreta, en este caso, meterte en la mente turbia que debes tener para sobrevivir siendo un auténtico Gee. Abre el beat una muestra de Bunny Sigler preguntando al más puro estilo Miliki ‘Hey kids! How you feeling? – FINEEE!!-, You feel alright?’ como vacilando, porque si sentías felicidad va a cambiar en cuanto te envuelvas en las bajas frecuencias y la percusión breakneck del ritmo.

¿Arreglos en el patrón? Ninguno, exceptuando las dos barras de brillo del beat de Preemo en el sample de Jay-Z ¿Sería igual Number On The Boards sin esa percusión? Muy probablemente no, y eso también lo saben las personas que lo han remixeado.

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RMX (prod. Tutankhamun Brothers)

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Aunque nosotros nos vamos quedar con el remix de Tutankhamun Brothers, el dúo formado por Mr. Troublesome y UveBrother (si no te suenan puedes pillar aquí su trabajo instrumental “UNIQUE EP¨ o “What’s A Black Beatle”, un proyecto mezclando música de The Beatles y Kanye West), son varios los remixes que he escuchado del tema, y que se construyen sobre, o partiendo del beat original, lo modifiquen más o menos: Bloodsport, The Reef, Crookers

De ahí que antes comentáramos que el minimalismo no consiste en algo poco trabajo, si no en algo sencillo que satisface una necesidad. A pesar de ser un tema reciente, si escuchásemos Number On The Boards con un beat de corte golden era, no sonaría igual. Si lo escucháramos con un beat que sonara a tardes soleadas en Cali, lo mismo. Y pasaría así ya fuera un beat electrónico del sur o una atmósfera retro-espacial de Detroit.

El remix de Tutankhamun Bros parece que busca ampliar esa grandeza minimalista. Construir algo complejo a partir de la grandeza de lo sencillo. Por una parte incluyen más elementos percusivos que se superponen al loop de batería del original, al que esos detalles a contratiempo roban protagonismo.

Por otra, complementan la melodía añadiendo varios elementos. Entre ellos tenemos una nueva muestra corta de voz, además de una capa de coros que añade cierto tono épico al remix. Una muestra de viento metal herencia de las que escupía la SP-1200 de Pete Rock, varias capas de sintes más, un piano que aparece ocasionalmente en el primer párrafo y se hace más presente en el segundo, y para terminar una muestras de guitarra y un sinte agudo que intensifican el tono del remix hasta que explota quedándose en un loop de batería sobre el que dejan algunas de las capas anteriormente citadas. Es como si quisieran dar a un futuro clásico la riqueza compositiva que aquellos que lo crearon no creyeron conveniente aportarle.

Tú, te quedas con el minimalismo, ¿o con las decenas de capas?

Georgia Anne Muldrow & Declaime – Endure #11

Georgia+Anne+Muldrow++Declaime+GD

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OGvsRMX #11
endure

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Ayer salió “The Beauty In All” (Mello Music Group) de Oddisee, y al ponérmelo y flotar una vez más con su música, una vez más volví a pensar –otro gran trabajo de este tío que pasará desapercibido. Por eso, me vi en la obligación moral de desenterrar uno de sus primeros trabajos, en la que su música ya empezaba a demostrar esa personalidad inconfundible que tiene a día de hoy “The Remixture Vol.1” (2006 – Halftooth Records), y seleccionar alguno de sus cortes (prácticamente da igual cual) para difundir la obra de este artista que, por cuestión de exigencias de la industria o motivaciones personales, se mantiene en un segundo nivel a pesar de su gran calidad. Luego pensé que ese trabajo perfectamente merece un especial OGvsRMX para él solito (todo llegará), por lo que finalmente he escogido el remix de ‘Endure’ de Georgia Anne Muldrow & Declaime, porque al igual que “The Beauty In All”, demuestra que los límites que Oddisee se impone sólo entienden de calidad, no de estilos.

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OG (prod. Georgia Anne Muldrow)

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‘Endure’ es un corte de “SomeOthaShip” (2010 – Mello Music Group), el primer álbum acreditado del dúo formado por  Georgia Anne Muldrow y Declaime. Digo acreditado porque anteriormente el dj y productor londinense 2 Tall vio química entre ambos artistas y agrupó algunos cortes suyos en un trabajo titulado “Beautiful Mindz” (2007 – Electic Beats), pero fue “Someothaship” la primera obra que ambos planificaron juntos. En este positivo corte colaboran Medaphoar aka M.E.D., y Big Pooh de Little Brother, y no aparece Declaime. No se si fue primero el concepto y luego el beat o viceversa, pero el concepto del ritmo compuesto por Georgia Anne Muldrow liga a la perfección con el mensaje ‘Endure the storm […] remember that the bad times have only made you stronger.

En la instrumental se mezclan la oscuridad y la luz a partes iguales. El misticismo y la claridad. La oscuridad se refleja más en la parte rítmica, el bajo y la batería, como se puede comprobar cuando se quedan solas bajo los versos de M.E.D. y Big Pooh, dónde a pesar del groove parece que más que mecer tu cuerpo, lo que se busca es que ejercite tu mente.

Sobre esa batería Georgia pone un sinte que se potencia y se apaga progresivamente, como suspendiéndote en ese estado de elevación que se suele asociar a la meditación. A eso le añade un par de capas más, una de ellas un sintetizador agudo cuya melodía tiene ciertas reminiscencias Ohio Playeras, y otra más similar a un piano filtrado para cerrar cada 16 barras. Al final de la canción mantienen el ritmo, como si te invitaran a reflexionar y a atraparte en ese misticismo de la reflexión.

Como apunte para aquellos que hayan escuchado “SomeOthaShip”, y prefieran un formato que se pueda leer con aguja y no con un láser, no salió en vinilo, pero la misma gente de Mello Music Group se encargó de recopilar varios de los temas del disco, y lanzarlos en un EP titulado “Heaven Or Hell” (2010) junto a sus instrumentales.

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REMIX (prod. Oddisee)

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Como comentaba antes, y habréis podido comprobar si ya habéis dado al play, la creatividad de Oddisee a la hora de construir ritmos no entiende de límites ni horizontes. Este remix, apellidado 2Fish y que pertenece a su estreno con Mello Music Group, “101”, tiene ya cinco años (se publicó antes que el original) y por más que lo escucho para mí no caduca. Empieza con esos sintes y esa voz modificada (mi oído no es tan experto para confirmar al 100% que sea vocoder, pero a mí me suena a) que a más de un pureta le habrán dicho a gritos ¡PULSA EL STOP!.  

Al poco entra una batería de inconfundible estilo Oddisee, y es que aunque sus loops de batería suenan tan puros que desprenden esencia de golden era por todos lados, no sé si por la elección de los sonidos, o por esa forma de estructurarlos tan cercana a una batería normal, cuando un loop de batería te suena a Oddisee, rara vez no es él quién está detrás del ritmo.  

A las 16 barras de ambas estrofas introduce un cambio con un piano eléctrico de corte más jazzístico que electrónico, y de nuevo vuelve a la estructura del principio acompañada por otro sinte más melódico y menos smooth que el básico, para introducir una capa más al estribillo de Georgia y que destaque también musicalmente. Para cerrar une las dos capas que no habían sonado juntas, que son el piano eléctrico y el sinte del estribillo, y al contrario que en la versión original, corta el beat en vez de dejarlo correr.

Afortunadamente a día de hoy ya no es una pena que  el mercado no apoye a ciertos artistas (o que estos no quieran ser apoyados), porque gracias a Internet podemos investigar la obra de muchísimos artistas, así que si tú aun no has empezado con Oddisee, estás tardando. De momento puedes ir adelantando con nuestra review de su disco “People Hear What They See” y su 7″ “Hustle Off”  (2012 – Mello Music Group, ambos), y después repasar nuestro reportaje sobre su consolidación en compañía de la Good Compny.

OG vs RMX: Freddie Gibbs – Playa #10

Freddie Playa

Con motivo de la retrospectiva de Freddie Gibbs, hacemos un alto para dedicarle un espacio en una de nuestras secciones fetiche. El tema que nos ocupa perfectamente podría haber ocupado un 7” & 12”, pero ubicarlo en esta sección nos permite hacer una breve presentación de Mexican With Guns para que os deleitéis aquellos que no habéis tenido el placer de escuchar su música. La versión original es chillin’. Un sintetizador con tintes de sol del oeste estadounidense poniéndose entre una densa nube de weed & Phillie con los hielos sonando en la copa de balón. Desde el sofá de cuero, con las hoes al lado (no se malentienda esto como un comentario misógino), todo en orden y tranquilo. El sinte se sustenta sobre una batería de tempo lento y sin apenas fuerza compuesta por  un charles electrónico con repetición que pasa prácticamente desapercibido hasta desaparecer, un bombo muy suave, unas palmas sin pegada, y entre ambos elementos que marcan el ritmo un golpe de una caja sintética a contratiempo. Una estructura perfecta para que el estilo de pedal deportivo de Gibbs pueda fluir de forma natural. Es elegante, de un playa con clase, sensación que se completa con el estilo de California Pudd, tanto en la sensibilidad del puente como en la cadencia suave de su rapeo. El beat sencillo de James Price parece estar hecho para lucimiento de los mc’s, algo sencillo para que ellos le saquen el partido.

Mexican With Guns es el alias de Ernest Gonzales. El productor experimental de San Francisco usa este alias para firmar los remixes, y como excusa para poder calzarse máscaras mexicanas en sus directos bajo ese alias. El estilo de Ernest viaja desde el rap al downtempo, house, glitch, dubstep y todas las etiquetas contemporáneas relacionadas con la electrónica que se te vengan al a cabeza. De disco, de club, de calle, o de rave. No tiene límites, puedes repasar “Natural Traits” (2012 – Friends of Friends) y volar por la cantidad de sonidos y atmósferas dinámicas que te plantea, o irte a sus primeras referencias y explorar lo mismo, atmósferas como la de Navigating o la de Dancing in the Snow, que te absorbe y te teletransportan a pequeñas parcelas del cerebro de Ernest, dónde sólo existe su mundo.

¿Pero qué pasa cuando entras en la parcela mental de Mexican With Guns? Entramos a esa parte de la cabeza de Ernest que seguramente su madre no apreciará tanto. Entramos al desparrame, el caos, la fiesta, la destrucción, el sexo… Una personalidad perfecta para reenfocar el ambiente chill del corte de Freddie & California Pudd. No sé por qué parte ni en qué momento se establece el contacto de Freddie con Ernest (o viceversa) pero en 2011 ya habían hecho alguna cosa juntos como Highway to Hell en “2011 Promo” (2011 – Autoeditado) de Mexican With Guns dónde también aparece Bun B. Allí ya se podía escuchar que la combinación Mexican & Freddie With Guns sonaba bien y conjuntaba a la perfección.

Mexican With Guns

Mexican With Guns

El remix de Playa tiene un enfoque muy distinto al original. Ante la simpleza del original, en el que apenas hay cambios de secuenciación, el remix de Mexican With Guns está construido para engancharte poco a poco. Entra una percusión de bombo rápido, caja metálica rompecaderas rellenando loop, y la caja que marca el ritmo recogiéndose en un reverse. Sobre esa percusión, un sample vocal -I keep it pimpin’ playa, I keep ti pimpin’- repitiéndose continuamente. Redoble de timbales, y párrafo de Gibbs. No es un loop repetido sobre el que rellenar como el beat de James Price, sin que este análisis suene a desmerecimiento, por supuesto. El hecho de trabajarlo como un remix, te permite jugar más con las voces y las estructuras, a la vez que produces, arreglas. Entra una guitarra que parece hacer preguntas a Gibbs, esperando que este las responda sobre la batería. Deja correr las primeras dieciséis barras, y la caja metálica entra a modo de charles para empezar una acumulación progresiva de capas. Deja correr a Gibbs ocho barras, y entra un shaker que te mueve mientras que el fraseo del a guitarra queda completo rellenando el compás entero. MWG ya te tiene dónde quería, con ganas de botar. Sigue añadiendo capas de percusión (más frecuencia en timbales y algunos redobles), te relaja con unos cambios en la secuenciación que ralentizan la velocidad, y un sintetizador sucio entra acompañando la parte de estribillo de Gibbs. Para el puente de California Pudd mantiene la velocidad ralentizada, para volver a acelerarla con su rapeo y esa caja metálica moviéndote de lado a lado continuamente. El cambio para el segundo estribillo y para el cierre es la forma que tiene la parte oscura de Ernest de decirte “levanta la aguja, y vuelve a ponerlo”.

 

Nas – One Mic

Nas fotografiado por Chi Modu antes de Illmatic

Nas fotografiado por Chi Modu antes de Illmatic

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OGvsRMX #04
one mic

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‘Segundas partes nunca fueron buenas’. Un dicho tan cierto como todos los demás: nada. O todo, según tu posición, la posición del otro interlocutor, y cual tengas que defender. Pero aunque me venga al pelo para introducir el tema, no vamos a ponernos a hablar ahora de por qué “Stillmatic” (2001 – Columbia) no es tan bueno como “Illmatic” (1994 – Ídem), ni de por qué seguramente habrá gente que crea que es mejor en una gran cantidad de aspectos técnicos enfocados (o no) al marketing y a lo que es la venta de una superestrella, y no de una promesa con ganas de comerse el mundo.

El Nas del ’94 era puro, como el espíritu de África en la vibración de la mbira que suena en la muestra de One Love, o como la sensación que consigue transmitir Pete Rock con el piano en The World Is Yours. Pero también era duro como la mirada del crío de la portada, la bassline de Genesis, o la batera que golpea directamente desde el MPC de Preemo en NY Stafe of Mind. La secuela, “Stillmatic”, es una especie de “ahí fuera están rajando de Nas, vamos a hacer un nuevo “Illmatic” para volver a ubicarle” con voz de gran y visionario empresario. Conserva resquicios de la pureza y la dureza del clásico, pero con una intensidad apaciguada por los pastelitos de rigor y los intereses económicos (probablemente rentabilizados con Ether) que había detrás del lanzamiento, lo que consiguió un acabado mucho más profesional, según cuestionables estándares del business musical.

Hay varios cortes en “Stillmatic” que paso sin pensar, igual que hay otros que doy al repeat de manera impulsiva. Pero hay uno que para mí destaca sobre los demás, y que ha trascendido en mi reproductor seguido de lejos por 2nd Childhood o Get Yourself a Gun, y es One Mic. Si lo ha hecho es porque conserva la pureza del espíritu de “Illmatic”: ‘Pure, like a cup of virgin blood mixed with 151 (Bacardi) one sip’ ll make a nigga flip; la crudeza de sus barras ‘Mad violence who I’m gon’ body, this hood politics Acknowledge it, leave bodies chopped up in garbages, seeds watch us, grow up and try to follow us’ y tiene ese acabado más profesional que se busca.

Es el corte dónde la idea de “Stillmatic” mejor se refleja. Un Nas que ya no es una promesa, sino un referente  que habla del micrófono como vía para ser una deidad y que los barrios se levanten. Algo así como el espíritu de la Zulu Nation reencarnado en aquel chico de “Illmatic” que se ha hecho con un lugar en el business, lo que le hace creerse algo similar a Dios lanzando mensajes al guetto con referencias culturales afroamericanas ‘Hoodrats, don’t abortion your womb, we need more warrios son sent from the Star, Sun, and the Moon– para que se identifiquen y levanten a las armas -If you really think you ready to die, with nine’s out, this is was Nas is bout, nigga, the times is now!.

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OG (prod. Chucky Thompson)

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Pero esto es un OGvsRMX, por lo que no vamos a centrarnos en las barras de Nas, sino en cómo hacer un confuso tributo a un clásico (porque One Mic lo es). El ritmo original de Chucky Thompson y Nas está en la frontera entre la esencia y cualquier producción con miras a liderar Billboard. Una muestra de Phill Collins que pueda ser reconocible, sirenas de policía, una batería nostálgica de rimshot que se entrecruza con un loop de golpes rápidos, cuerdas graves y cambios de intensidad.

Ese concepto, pasado por las manos de un conocedor del negocio de la música negra como Chucky Thompson por sus producciones para Janet Jackson o Mary J Blidge en el colectivo The Hitmen (Nashiem Myrick, Puff Daddy aka Sean Combs, D-Dot…), y la supervisión directa de Nas, podría encontrar el equilibrio entre ambos mundos. Entre ambas realidades en las cuales Nasir se veía inmerso. En mi opinión lo consiguió, es una instrumental sobre la que, por ejemplo, siempre me hubiese encantado escuchar a Michael Jackson. Tiene ese toque.

Y entonces a alguien se le ocurrió esta mierda para lanzarla un año después de “Stillmatic” y tratar de seguir encumbrando (aka rentabilizando) el nombre de Nas.  No obstante eso no es lo grave, porque todos sabemos que las disqueras tienen que hacer su pasta. Lo perturbador es que Ty Fiffe pensó que para remixear One Mic bastaba con añadir a la versión original el loop de batería de Juicy Fruit de Mtume, archiconocido por ser sampleado por Poke y Diddy en Juciy, unos añadidos en la percusión, y un sample que cierre loop. El remix, es por lo tanto, todo lo contrario a lo que significa One Mic en “Stillmatic”. Podéis juzgar vosotros mismos.

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REMIX (prod. Ty Fiffe)

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OG vs RMX: House of Pain – Jump Around #08

Como en todos los géneros musicales, hay temas que mediaticamente se han repetido hasta la saciedad, y se han quemado y requemado tanto que para cualquier amante del género en cuestión, solo cabe el rechazo. Es lo que pasó en su momento con el Hey pijo de Mc Randy (aunque esa moda caducó pronto), o a larga distancia, lo que pasó con el Jump Around de House of Pain. ¿Quién no ha escuchado alguna vez el saxofón de Junior Walker loopeado compás tras compás en programas de televisión, radio,  bodas, fiestas populares, o lugares casposos donde se precie?.

Pero llegó Pete Rock y nos enseñó a muchos renacuajos lo que era un remix, dándole la vuelta a la tortilla completamente con el groove que le caracteriza, los sampleos de Jeanne & The Darlings y la línea de bajo de The Harvey Averne Dozen (misma línea que samplearía Mark Ronson para publicar en 2007 el You know i’m not good de Amy Winehouse), a parte de las ocho barras (que no se encontraban en todas las versiones del rmx) marca de la casa.

En mi caso, y supongo que en la mayoría, y con todos mis respetos a Dj Muggs, no hay color en cuanto a la versión original de los blancatas, y el groove del remix de Pete Rock. Veinte años después de la creación de este “anthem” pulso el play, y sigo sin dudarlo. ¿Og o rmx?

OG vs RMX: Method Man – Release Ya’ Delf #07

 

Otro sello de identidad de Wu-Tang, y que en aquella les supuso ser tachados de comerciales por algunos sectores de la crítica y el público aunque no era más que una evolución de su uso melódico de las voces, son esas introducciones y estribillos cantados. Daytona 500, Love Jones, Cold World, o Rainy Dayz  dónde canta la afiliada Blue Raspberry, son algunos ejemplos. La misma Rapsberry, es la encargada de  reversionar el clásico de 1978 de Glorya Gaynor, I Will Surive, para Release Ya’ Delf, el octavo corte de “Tical” (1994 – Def Jam). La elección de ese corte es perfecta. A mi entender trata de simbolizar ese espíritu de superación (pasando de la cursilada del original) tan ligado al rap game, y tan logrado en el estilo de Method. Por otra parte, representa su vez la mentalidad del Clan: “Wu-Tang is forever” / “And all you bitch ass niggas in the industry, your careers won’t be lasting long”. Me es innegable pensar en Method Man cuando Raspberry arranca con “Wheeeen I first stepped on the sceeeeeene, niggas was petrified…”. El corte de presentación de MethTical en el “Enter The Wu-Tang…. (36 Chambers)” es una auténtica lección de estilos derivada de la versatilidad de Meth a la hora de rapear, de escribir, y de entenderlo como un todo que exige fluir por el ritmo de todas las formas posibles. Aunque no sólo Method Man, los estribillos de C.R.E.A.M. o Da Mistery Of Chessboxin’, sus bailes por el ritmo en Shame On a Nigga o Protect Ya NeckComo si tuviese un estilo para cada especie de herbalz que prueba. Las barras de Meth están cargadas de típicas referencias del grupo como las artes marciales “To blow a nigga up with my five fingers of death”, las 40 Oz para celebrar la muerte de sus rivales “Then I drink forties to they memories”, y el wu-slang “Niggas think they bigger because they got their finger on the trigger of a biscuit”. Incluso, la influencia de los comics y el cine, y en general las escenas, se refleja también en el final del primer párrafo y el estribillo cerrado con voz de pánico.

“Emotion, coarsing through your town street vecinity, blutn smoke in the aire reveals my identity

As I keep it moving, we keep it moving uh

What’s that rhythm, what’s that sound? Party people getting down

When it hig no dobut about, just release, yo delf!!”

 

Es probable que el ritmo de RZA inspirara en cierta parte esas barras citadas anteriormente. La entrada de Blue Raspberry cerrando con los redobles de batería, seguida de la introducción de la muestra de trompetas con explosiones y sirenas, evocan la entrada de alguien que está creando pánico en la ciudad. Un colchón perfecto para que alguien entre con sus mil estilos, tan asociados por el Clan a formas de matar por la influencia de las artes marciales, y no deje rivales a su paso. No obstante, como opinión personal, y a pesar de que este corte me ha hecho saltar una, dos, tres, y decenas de veces en garos/jams/sesiones, no es mi beat preferido de RZA. Al otro lado del charco, el mismo año que salió “Tical”, un grupo de jóvenes británicos sacaba su segundo álbum  “Music For The Jilted Generation” (1994 – XL Recordings). El disco contenía canciones como Voodoo People, Poison o The Narcotic Suite que ubicaban al grupo como referentes de la música electrónica de principios de los ’90. Ese grupo era The Prodigy, qué en 1995 serían los encargados de remixear Release Ya’ Delf para la edición en single. El remix tiene un handicap, no incluye la voz de Raspberry, el mérito de The Prodigy es conseguir que no se eche de menos. Si no lo has oído y como yo eres un amante de ese primer sonido del trío británico, que luego perfeccionarían en “The Fat of The Land” (1996 – XL Recordings), disfrutarás con la combinación. El beat de The Prodigy no es menos escenográfico que el de RZA, en cierta parte diría que más gracias a la sensación apocalíptica que consiguen. Las primeras capas incluso recuerdan al original con esas trompetas y el sinte rememorando las sirenas y la sensación de pánico. La batería es un loop que te balancea continuamente, aunque a la vez te rompe ese balanceo con un par de golpes a contra ritmo, muy en la línea de los clásicos movimientos de Wu-Tang en los vídeos. Un par de detalles más, un corte de ritmo muy firma de la casa, y cuando ya estás hipnotizado por completo, silencio, un arreglo guapo con un redoble de batería y otra muestra, y “Check it”. Si faltaba algo para acabar de balancearte, añade a lo anterior el estilo de Method. El trío añade un par de muestras más (una de ellas parece ser una muestra de Raspberry puesta a modo de tributo) y para el estribillo añade una nueva capa de batería puesta a pelo para el “baby”, y que mantienen durante el resto del corte. El segundo párrafo de Method es lucimiento de capas por parte de Prodigy, para conseguir el lucimiento mútuo, especial mención de los cortes para el “The pistol cocked, If you don’t want to burn from the Glock, then beware, I buck shots” disparo incluído. Por último, mencionar ese pequeño skit de The Prodigy tributando el beat original del corte. Este remix es una de las primeras muestras de expansión de Wu-Tang Clan hacia otros horizontes, geográficos, musicales, y conceptuales, pues luego se vería más influencia de la electrónica en la música de RZA.

OG vs RMX: Sleestack’z – Crystal Clear #06

 

Este OG vs RMX, con el respeto del gusto de cada uno en caso de que difiera con el mío, va de que no siempre es mejor crear música a raíz de una idea o concepto. De forma rápida, os diré que Sleestack’z es un grupo (inactivo) que cogió el concepto de unos seres verdes para definir el suyo. Los sleestak son unos humanoides reptilianos extraidos de la serie norteamericana “Land of the Lost” que se emitió durante los años ’70. En la serie una familia se pierde en una especie de mundo jurásico dónde tienen que sobrevivir. Estos seres llamados sleestak vivían bajo tierra, solían salir de noche debido a que no les gusta la luz, y se comunicaban con extraños ruidos además de telepáticamente. Como concepto es bastante bueno, el problema viene cuando los productores Straight Roots intentaron (o eso entiendo yo por el beat) hacer una especie de adaptación de la versión original del corte, Crystal Clear (Morning Blunt Mix), que se acercara más al concepto del nombre, alejándose notablemente del sonido general del LP.

 

No creo que haga falta demasiado para ponerte a volar con este beat. La entrada de los timbales acompañando al piano eléctrico dando paso al loop de batería te empieza a meter en la atmósfera hasta que desaparece el piano, entra el sample de guitarra acompañado del mc (no asocio voces con nombres por falta de referencias). Al igual que el resto del disco, es un beat con las capas bien trabajadas, en cierta parte minimalista ya que no tiene grandes arreglos, y con un ritmo y un bajo que suenan a boombap bien enraizado. Al final del beat se empieza a enlazar el enlace con el siguiente corte, X-Filez, y tú sigues escuchando el disco tranquilamente sumergiéndote en los ritmazos de Straight Roots y los estilazos de Nic, J-Nailz, Oxx y Dwella (unos más que otros) y sus barras callejeras. Llegas al interludio de Aqua y después…

Reincido en que respeto los gustos de cada uno, pero mi cara la primera vez que escuché este remix seguro que era para haberla visto. No es porque yo no sea un amante de los violines (aunque todo está en cómo se usen) pero en mi opinión el remix es una cagada desde el beat hasta el cambio de orden de los mc’s (igualita la entrada). El ritmo tiene fuerza, no vamos a negarlo, pero la mezcla de violines con ese sinte, y esos rugidos cada a mitad de compás… Está bien la idea de conceptualizar, pero la ejecución de la conceptualización en mi opinión deja bastante que desear. No obstante, me consuela que en su día leí que la gente de Ichiban International, que es el sello por el que salió el disco “Behind The Iron Curtain” (1996) estaba bastante descontenta con el resultado final del disco porque sonaba muy atmosférico (algo que en aquella época se podría entender como blando) y creían que le hacían falta más cortes duros, por lo que nos calzaron este remix y All You Want con toda su cara. Debe ser que no les valía con Live Harknox o Raw Raps. Para cerrar la entrada, comentar simplemente que si te gusta descubrir joyas underrated de la golden era, estás tardando en pillar este álbum.

Show & AG – Next Level

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OGvsRMX #05
next level

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Unas líneas de bajo, una batería y un punteo de guitarra te introducían a aquello de ‘All I see is blink lights, track boards, and fat mics, 950’s, SP12’s, MPC60’s’. Así arrancaba el single presentación de “Goodfellas”, el LP capital de Show & AG. Toda una declaración de intenciones: control absoluto del estudio de grabación por un AG superdotado para fluir y en los beats un auténtico arsenal de aparatos al servicio de la crew más potente a los ritmos del momento: D.I.T.C.

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OG (prod. Show)

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Producido por Show a partir de una muestra de Wes Mongotmery apenas retocada, el tema original era toda una invitación al cabeceo mientras los graves retumbaban desde tu oído externo hasta el interno. A pesar de ser de 1995, Next Time sin duda miraba (actualizado) a aquellos beats de Runaway Slave con el bajo como elemento conductor y central de la instrumental, apenas acompañado de unos loops de batería dispuestos para acompasar el ritmo.

Tal limpieza formal funciona perfectamente si tu acompañante al micro es AG. Si tienes ritmos crudos, has de estar a la altura. AG siempre lo está. Su personal e inimitable forma de atacar los ritmos te garantiza una fluidez perfecta al mismo tiempo que permite una desmarcación del resto de competidores (las pausas, la división -o pausa entre- de frases, las estructuras rítmicas…). Identidad.

‘And here I go again, ready to flow again’

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REMIX (prod. Dj Premier)

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A todo esto que te pones la cara B del maxi. El hype viene ya servido cuando ves a Premier al ritmo. Estamos hablando del Premier del año ’95. Intocable. Todo arranca con un simple ‘Showbizz…AG’ y de golpe otro bajo impresionante. Se repite la ecuación de nuevo. Sin duda, Premier supo del beat de Show y decidió respetar el camino marcado por su colleague con otro beat del mismo corte. Pero qué corte.

La muestra de Maynard Ferguson se muestra como el elemento ideal para que Premier pueda construir unos de esos beats que se te quedan clavados en la mente mientras tarareas el punteo de bajo mentalmente. Este no es de esos beats de Premier que te quedas completamente loco pensando como ha hecho para encajar las piezas de todos sus breaks. No. Este pertenece al otro Premier, al sencillo: un trabajo excelente de chopeo, pequeños break-detalles de Kool & Gang, y una entrada de percusión perfecta para hipnotizarte al segundo. La combinación perfecta. 

De tono más serio, este remix pierde el carácter soleado del primero a favor de convertirse en el epítome de lo que significaba el underground en NYC allá por 1995. No podemos olvidar que esta versión no sólo ensombreció (injustamente) al mix original, sino que además se convirtió en aquel momento en el tema más popular de Show & AG.

Lo demás se siguió respetando, el scratch de Diamond D a cargo de Roc Raida, el estribillo sin estribillo (esa pausa que permite al oyente respirar y prepararse para el siguiente párrafo) y, por supuesto, las rimas de AG, diss incluido a Lords of The Underground (ya hablaremos de ello en Ternera Fresca) y todo el estilo al micro:

I’m unique, a freak like Malik, In the twilights with more highlights than Dominique

Around my boys is where the jel stops, Up to the streets, the jeeps, my peeps in the cell blocks

I’m not the best but I give you stress, To flatter me your strategy gotta be more complex than chess

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Pharoahe Monch, Big L & Lord Finesse

Big L – MVP

Pharoahe Monch, Big L & Lord Finesse

Pharoahe Monch, Big L & Lord Finesse

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OGvsRMX #04
mvp

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¿Quién no ha flipado con Big L? Con flipar me refiero al sentido literal del término, a ir en un coche bumpeando MVP y gesticular con el estribillo al gafas o la vieja del coche de al lado. Si no has hecho eso: o no te gusta Big L, o estás muerto. Aun no hemos hablado en profundidad de D.I.T.C. (tránquilos, todo tiene su explicación) pero ya era hora de hacerles un hueco en la publicación, por pequeño que sea.

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OG (prod. Lord Finesse)

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Él fue uno más de los que nos dejó. Bueno, realmente fue un más de los que nos quitaron las balas. Eso quizá haya engrandado su leyenda, pero lo que es indiscutible es que si tienes un poco de oído crítico lo que perdimos fue uno de los estilos más versátiles y frescos, y eso que aun estaba en proyección. Coleman lo sabía, probablemente por eso el segundo corte de su ópera prima se llama MVP, probablemente por eso no esperó a ponerlo el último, quería dejar claro que antes del partido el trofeo ya estaba entregado aunque él siquiera lo acabase, que él era (parafraseando a Big Daddy Kane) el Most Valuable Poet en el micrófono.

La versión original de MVP es historia, y no sólo por el tributo a Daddy Kane. También lo es la muestra de piano que Lord Finesse tomó prestado a DeBarge, puesto que ya había sido usada anteriormente con cierto éxito en el género por Rashad (I, Poppa, freaks all the honeys, dummies, Playboy bunnies, those wanting money). Pero lo realmente histórico es el número de remixes que puede haber del corte, podríamos hacer varias podtapes sin parar de escuchar a Big L y escuchando beatmakers de todo el mundo. Esta es una de esas acapelas que ha viajado por el mundo de cacharro en cacharro, de monitor en monitor, dando vueltas una y otra vez hasta que aquella caja cuadraba en el rapeo.

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REMIX (prod. Buckwild)

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El que vamos a escuchar hoy es el más apropiado de citar por derecho, por relación, y tal y cómo demuestra que haya dos remixes, por respeto hacia un amigo y artista. El encargado del remix es Buckwild, integrante también de Diggin In The Crates, quién hizo dos remixes del corte para elegir aquel que más le gustara, aunque uno de ellos no lo escuchamos hasta que Buckwild no liberó una serie de viejos masters que editó hace unos años.

Destacar la peculiar forma en la que   usa las muestras del piano en la segunda versión para crear melodías sobrias pero llenas de luz (clásico en el estilo de Buck) y la utilización del mismo loop de batería en ambos remixes. Ponemos uno de ellos (el que salió más tarde) con el clip. Curiosamente, y seguro que por orden de algún business-visionary del sello, el clip salió originalmente con otra versión del 12” (con portada está fotografiada por Danny Clinch) con ritmo de Salah, cuyo subtítulo era Summer Smooth Mix.

Roc Marciano – Scarface Nigga

Marciano & 33 - Cover

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OGvsRMX #03
scarface nigga

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Esta tercera entrega va para el hombre de la semana. A pesar de su condición de track exclusivo para la edición en vinilo de “Marcberg” que salió en 2011, Scarface Nigga no es un corte que haya pasado desapercibido para los seguidores de Roc Marciano. Ese “It’s all about the hood, and then shoot!” dando vueltas a tu cabeza en las horas siguientes, esa ecualización de la muestra de violín que compagina a la perfección con el diseño apocalíptico de la edición en plástico… No creo que vayamos a descubrir ahora nada nuevo del sonido sucio de Roc.

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OG (prod. Roc Marciano)

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REMIX (prod. 3:33)

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El remix lo descubrí revisando otras referencias publicadas de Roc Marciano. Vi un single de 3:33 editado por Parallel Thought, ni puta idea; vi un diseño que me flipó;  vi remix de Scarface Nigga; vi remix de Vomit de Dumile. Lo mismo interesa. Cuando lo pinché, la escasa proyección de arrepentimiento se disipó por completo. No eran pocas las vueltas que el original había dado en mi Handy, pero aquello me estaba ganando a la primera.

La muestra que abre el remix parecía una versión de la del beat original. ¿Esta pitcheada? ¿Es un tributo? ¿Qué importa? Marciano ya estaba con sus “word up” “you know what it is?” y mierdas varias mientras de la muestra nacía un sinte que te podría rebanar la cabeza en el momento. Roc entra junto al loop de batería y mi cuello ya bailaba al son del ritmo de ambos.

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En cuanto acabó el remix, repeat. Levanta la aguja y colócala mientras gira. Una vez, dos veces, tres veces… ¿Quién es 3:33 que no me suena de nada y tiene su single dando vueltas incansablemente en mi tocadiscos? Investigué algo. Avrigué que son un grupo de productores con una historia muy interesante y atmosférica (incluso esquizofrénica diría yo) en la cabeza. Una mezcla de boom bap clásico con un tratamiento de muestras muy electrónico, y con una programación de sintetizadores que parecen compuestos para películas de terror psicológico.

Si ya vas por la segunda repetición de su remix, no te pierdas sus dos últimas referencias, ambas editadas con Parallel Thought: “7 Sets of 7”, un trabajo de remixes dónde están los dos citados del single; e “In the Middle of Infinity”, un trabajo instrumental que define a la perfección el sonido del grupo, y que incluye un corte de más de 40 minutos titulado White Room que no tiene desperdicio alguno si te gusta el sonido instrumental agobiante.

Dj Shadow – Six Days

Dj Shadow

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OGvsRMX #02
six days

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La balanza del primer OG vs RMX parece que se ha inclinado hacia el lado del remix, ahora lo ponemos más difícil. Para esta edición y aprovechando que Dj Shadow está por Madrid, escogemos uno de los mejores cortes de los trabajos posteriores a “Endtroducing…”.

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OG (prod. Dj Shadow)

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En 2002 Dj Shadow sacaba su tercera referencia, “The Private Press” (MCA). No haremos review del disco, pero si comentar que la acepción fue bastante buena pues tenía ciertas similitudes al LP predecesor además de una evolución en cuanto a sonido y metodología. El tema que nos ocupa es Six Days, sexto corte del disco. Para mi es una delicia, desde la entrada del loop de Dennis Olivieri, pasando por la muestra vocal del primer párrafo de Six Days War de Colonel Bagshot, hasta la muestra final del Moog tocado por Terry Manning y compuesto por nada menos que George Harrison. La estructuración del tema es de diez, parece una banda tocando un corte en vez de un collage de grabaciones underrated. ¿Cómo remixear eso?

· Dirigido por Wong Kar-Wai

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REMIX (prod. Dj Shadow)

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No se si porque Shadow no quedó muy contento con el resultado del disco, por aburrimiento, o por puro egocentrismo de genio, preparó una versión remix, “The Private Repress”. Durante un tiempo fue tirando 12” con remixes y en algunos casos totales restructuraciones, cómo el de Six Days. Walkie Talkie es el cuarto tema de “The Private Press”, un corte de puro scratching tal y como refleja explícitamente el inicio de su clip. Un sintetizador roto sobre un loop de batería, un par de platos, el fader y juegos de muñeca.

Shadow cogió Walkie Talkie, lo uso como base, le añadió detalles de Six Days, y no se le ocurrió mejor forma de cerrar el tema que invitara Mos Def a rapear encima. El resultado, pica al play y compruébalo, pero desde la entrada de Def se huele que lo que vas a escuchar merece un repeat, “I don’t read the newspaper is because they all have is, ugly prints”, seguido scratches, seguida la muestra vocal del Six Days original sobre el loop de batería de Walkie Talkie… Mejor que lo escuchéis. Como curiosidad, sale en la BSO de “The Fast & The Furious: Tokyo Drift” y en el vídeojuego Dj Hero.

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The Pharcyde – She said

dilla pharcyde she said_

OGvsRMX #01
she said

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Remixes. Ese submundo dentro del rap. Ese submundo en un mundo donde las instrumentales son tan importantes como los mc’s. ¿Tan? A veces incluso más.  En ocasiones una instrumental decide ceder, sencilla y elegantemente, el protagonismo a las grandes skills de un buen mc, pero en cambio, otras veces decide brillar, hasta cegarte, para tapar y disimular las carencias de un rapero mediocre, convirtiéndose en la estrella indiscutible del título.

¿Concibes esta escena sin remixes? Yo no. Ellos son parte del juego. Hay mc’s que lo saben e incluyen uno de algún tema en el propio álbum. Los beatmakers también lo saben y nos deleitan de vez en cuando con trabajos enteros de ellos.

En ocasiones es difícil acostumbrarse a un remix después de habértelo flipado con el tema original, otras, sin embargo, sólo con los primeros compases notas como se avecina la locura. Productores con poderes sobrenaturales creando remixes resucitadores, esos que sacan a un tema de la oscuridad del olvido y lo elevan a un lugar privilegiado.

Remixes para diggers enfermos, para coleccionistas obsesos, para nosotros, para que seamos conscientes de que sólo está incluido en ese maxi, para que no nos conformemos sólo con comprar el LP, para que nuestra cara se ilumine por la satisfacción de saber que él también habita en nuestra estantería.

Por todo esto, en Crypta queremos inaugurar esta sección en la que iremos publicando algunas entradas bajo el nombre de Original vs Remix y que cada uno decida. Voy a empezar yo con un ejemplo mítico:

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OG (prod. Slimkid3)

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She said veía la luz en 1995 en el segundo LP de Pharcyde, “Labcabincalifornia”. El tema original estaba producido por uno de los miembros del grupo, Trevant Hardson aka Slimkid3.

She said fue uno de los singles y en el maxi (1996) podemos encontrar el impresionante remix del entonces muy joven y aún no tan mitificado Jay Dee, quién también produjo varios temas del disco. El original ya era una joya pero con esos graves, esa batería jazzera y el magnífico riff de piano, Dilla consiguió elevarlo al nivel de diamante.

En el clip del tema original los miembros de Pharcyde aterrizan en una isla en la que encuentran varias chicas para ellos y mientras, nos cuentan como se lanzan a su conquista.

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REMIX (prod. Jay Dee)

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Al remix de Jay Dee también se le conoce como Amsterdam version, debido a que durante una visita a la ciudad grabaron allí este clip en blanco y negro que tiene ese rollo tan típico de la época, paseando por las calles y canales de la capital, y como no, smokin’ blunts.

Yo no tengo ninguna duda, lo supe a los pocos segundos, me quedo con el remix. ¿Y tú?

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NOTA: También podemos encontrar el remix en la reedición que hicieron este 2012 del Labcabincalifornia que incluye remixes y b-sides.