Author Archives: Marsblack

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Madrileño de nacimiento, granadino de adopción. Adicto al footwear y al buen vestir. Freak del rap de todas las épocas, costas y estilos. Podrás encontrártelo suelto por la jungla de twitter entre dick-ridders y attention whores.

Vendettas y drive-by’s – La muerte de Mac Dre

Mac Dre al volante

De un tiempo a aquí venía reflexionando sobre mis viejos blogs y la oportunidad/necesidad de reciclar viejas entradas que hice para aquellos, dado que los considero de interés general para los lectores de Crypta, los viejos que me leían hace tres años, y sobre todo, los nuevos lectores de nuestra web. Por ello, cada cierto tiempo harán acto de presencia en la web artículos que ya fueron publicados en su tiempo, y que ahora, gracias a vuestro apoyo, pueden disfrutar de una mayor difusión.

Para inaugurar este reciclaje nada mejor que hablar de la muerte de una de las grandes figuras de la Bahía y de toda la escena West Coast en general, Mac Dre. Fue Ochoa quien me recordó hacer esta entrada hace ya dos años, así que de nuevo, va dedicada a él y a todos los que somos seguidores de la Bahía. Sin más, la muerte de Mac Dre:

Como sabeis, Mac Dre es un rapper de la bahía de San Francisco, nacido en Oakland y residente en Vallejo, que allá por el 89 le dio por empezar a sacar discos (creo que tres) hasta que le metieron en la cárcel por robar bancos en 1992 (referencias a esos robos en sus discos mediante, que sirvieron de pruebas para enchironarle, aunque esto también daría para otro historia…).

 

 

Conocida por casi todos los que investigamos la bahía es su aventura musical en la cárcel de Fresno, donde, teléfono público para presos mediante, soltaba sus barras a través de la línea telefónica para seguir sacando referencias (dos en total mientras estuvo preso) y aumentar su fama en la bahía.

 

 

Más tarde, tras salir de prisión en 1996, siguió publicando discos a un ritmo brutal, y entre otras cosas, le dio tiempo para montar un sello (Thizz) y ser precursor del movimiento hiphy (a través del Thizz Movement) que sacudiría la bahía a comienzos-mediados de la pasada década.

 

 

Así llegamos hasta noviembre del 2004, donde Mac Dre circulaba con su furgoneta, y tras una «aparentemente» pelea verbal por temas de dinero, es tiroteado por, como no, unos desconocidos que iban en un Infinity G36. Hicks pierde el control de la furgoneta y tras cruzar toda la autopista acaba estrellado contra una cuneta y con un tiro mortal en la nuca. Tras las investigaciones policiales no se pudo inculpar a nadie y el asesinato queda sin resolver. Nada nuevo bajo el sol, otro rapper más muerto a tiros sin que nadie sepa nada. Si ya lo decía KRS One

Es entonces donde comienza la intrahistoria que rodea al asesinato de Mac Dre:

Los rumores hablan, dicen, comentan y terminan señalando a cierto rapero de Kansas que había colaborado con el propio Dre en alguna ocasión. Este rapero es conocido como Fat Tone, al que no he tenido la oportunidad de escuchar, pero que contaba con el apoyo de grandes como Killa Tay o C-Bo. Tone era conocido en Kansas por su historial de violencia y por andar siempre envuelto, fuera verdad o mentira, en casi todos los tiroteos de la ciudad.

 

 

La relación entre la muerte de Dre y Fat Tone llega entonces a oídos de Mac Minister, amigo íntimo de Mac Dre. Lo demás, os podeis imaginar, es historia.

 

 

En 2005, Mac Minister habla con Fat Tone y le promete una reunión con Snoop Dogg en las Vegas para que fichara por el sello de éste. Sin embargo, Tone nunca tuvo oportunidad de reunirse con Snoop, puesto que el 23 de Mayo recibió 20 tiros mortales junto a un amigo cuando iban en su coche camino de, precisamente, encontrarse con Mac y Snoop (si es que alguna vez existió dicha reunión). No creo que haga falta explicar mucho más.

Tanto Minister como su amigo Jason Mathis aparecen en una cinta del hotel MGM acompañando a Fat Tone momentos antes de que fuera asesinado en su Toyota. Además, testigos presenciales aseguran haber visto un Pontiac Sunfire blanco huyendo de la escena del crimen a alta velocidad. Dos días después del asesinato, dicho Pontiac es encontrado quemado en Vallejo. Su dueña: Lee Danae Laursen, prostituta que ejercía de novia de Minister por aquel entonces y que les acompañó en su viaje a Las Vegas. La cual, además, fue vista comprando la misma munición que se encontró en el cuerpo de Fat Tone unos días antes del tiroteo. Las piezas empiezan a encajar.

 

Pontiac Sunfire

 

En Noviembre del mismo año, Mac Minister (Andre Dow) y Jason Mathis son detenidos por el asesinato de Fat Tone y su amigo Jermaine Akins (el cual era un fugitivo perseguido por tráfico de cocaína) como venganza por la muerte de Andre «Mac Dre» Hicks. Según un testigo amigo de Minister, Dow le relató que fue él quien realizó los disparos que acabaron con la vida de Tone mientras este suplicaba por su salvación.

Mientras tanto, Laursen es vista en distintas zonas de la bahía ejerciendo la prostitución antes de la detención de Dow y Mathis. Curiosamente, dos días después de que ambos fueran detenidos y acusados de homicidio y conspiración para cometer homicidio, el cuerpo sin vida de Laursen aparece tiroteado en Fairfield. Y curiosamente, el Saturn Sedan propiedad de Jason Mathis, y que conducía habitualmente Laursen, aparece quemado, sin ninguna posibilidad de encontrar pruebas que relacionaran su muerte con su más que posible (mediante reducción de condena) testificación en contra de Dow «Minister» y Mathis en el juicio por el asesinato de Fat Tone.

 

Mac Dre circa 2003-2004

 

Pero esto no acaba aquí, sino que en 2007, Johnny Castaneda, protegido de Mac Dre, fue asesinado con tan sólo 25 años. A pesar de que no existe relación aparente entre este asesinato y los anteriores, muchos apuntan a la venganza por la muerte de Tone.

Fin de la historia.  Ya conocemos un poco mejor todo lo que rodeó a la muerte de ese crack que fue Mac Dre y a las consecuencias de su asesinato. Cabe señalar, que la policía nunca ha encontrado indicios que relacionen a Fat Tone con el asesinato de Mac Dre, así que nunca sabremos cuanto hay de verdad y cuanto de rumor.

R.I.P. Mac Dre

Requiescat In Pacem Mac Dre

Only Built 4 Cuban Linx – La confirmación de un nuevo estándar

“We gotta move God, we gotta move God, we gotta migrate, get the fur, get the fuck outta New York, ya know what I’m sayin’? Bounce man, start fucking with bigger and better shit […] ‘Cause I’m not trying just to be, sittin’ on a motherfucking two-hundred thou and actin’ like I’mma just be a… drug drealer all my life, nah, I got bigger and better plans Son, and you know I be fuckin’ with anybody man, Son, as long as the truth and the love is there Son, we gonna grow God.”

«Come across so calm, acts like he has a dream, full of passion»

El tono. Establecido el tono, es posible descifrar lo que esconde el lenguaje. Traiciones, lealtad, fortaleza, inteligencia, y, sobretodo, sueños. Street dreams. Hasta 1995, y salvo Kool G Rap, el mafioso AZ y sus outfits de Dapper Dan, todos querían ser G’s. La ecuación que va del thug, al hustler, al gangster y, por último, al narcotraficante. Antes del 1 de Agosto de 1995, el narcotraficante estaba fuera de la ecuación. Incluso el gangster de ascendencia italiana. La imaginería únicamente llegaba hasta la figura del hombre de las calles, el soldado o el hustler que domina las esquinas y asalta las de sus enemigos. El playa o el baller que hace de la misoginia su escudo y el dinero su arma. Oler y sentir la suciedad de las calles, ser la bestia, el rey de la jungla. Gangsta Rap.

El 1 de Agosto de 1995 salió a la venta “Only Built 4 Cuban Linx”, ópera prima de Raekwon y tercer disco en solitario de los miembros del clan tras ODB y Method Man. Citar únicamente a Raekwon sería caer en el error, puesto que como el mismo Chef se ha encargado de señalar, OB4CL es tan álbum suyo, como de su partenaire Ghosface Killah, presente en 13 de los 18 tracks del disco. Ghostface aka Tony Starks es tan artífice de OB4CL como Raekwon, así como también RZA, encargado de toda la producción del disco. Estos tres nombres juntos son los culpables de un cambio en el juego que comenzaría por el trabajo conceptual del álbum, o si queremos ser justos y adelantar acontecimientos, de la película. RZA como director, Rae como actor principal y Ghostface como guest star conforman el elenco de uno de los relatos más visuales en la historia del rap.

Los caracteres de Shallah Raekwon & Tony Starks siguen perteneciendo al ghetto donde se han críado. Son salvajes, hambrientos, directos y crudos, características tan inherentes a los films del ghetto que justamente estaban llegando a su ocaso a mitad de la década. Lo que hace diferente a OB4CL es la incorporación de elementos externos al ghetto pero pertenecientes a la idiosincracia del crimen: el resultado de unir a John Woo con los Mafioso Films. Esto es, la incorporación al discurso de las emociones interiores que rodean al criminal, más el estilo de vida lujoso del mafioso italiano. Por tanto, OB4CL se encuentra muy alejado de films arquetípicos como Boyz in Da Hood, abrazando conceptos ya presentes en el debut del colectivo, como pueden ser las filosofías orientales y el uso (o control) que hacen éstas de la violencia, el desarraigo y la melancolía del asesino, y la presencia de la Nation of Gods & Earths como background intelectual y como vara de medir el comportamiento de cada uno (each one teach one).

Raekwon y Ghostface asentaron el tono, las pautas del Mafioso Rap. Desde el concepto hasta las pintas, todos los discos de Mafioso rap o Cocaine Rap posteriores a OB4CL beben de la misma fuente. Se pasó del 40 Oz y las esquinas al estilo de vida lujoso asociado al narcotraficante. Camisas de seda y comidas italianas finas (nada de Kool Aid y KFC), alter-egos evocadores de personas poderosas (Black Jesus, Bugsy, Black Stallion, Donald Trump, Rap Kingpin), ostentación de autoridad económica, del hombre rico y sano a través de la presencia de marcas pocas veces mencionadas antes y el uso de un slang inventado como medio de codificación de sus símbolos. El ejemplo más claro de todo esto es la aparición del “Cristal” en el slang del rap. Nunca antes se había pronunciado la palabra Cristal para referirse al champán, en concreto, el creado por Louis Roederer de nombre homónimo, como metáfora del estilo de vida burbujeante y tremendamente caro del mafioso. Cuenta Raekwon que estaban una noche cenando con el presidente de Loud Records, y que cuando se acabó el Moet, pidieron lo siguiente más caro que hubiera en la carta, y ese era el champán de Rouderer. Les gustó y decidieron convertir la anécdota en punto de partida de la creación de un lenguaje nuevo que conjugara con el concepto cinematográfico del disco. De tal manera que Raekwon no se llama, entre otros nicks, Lou Diamond porque sí, sino que es la conjunción del primer nombre de Rouderer y la fascinación que sentía Rae por los diamantes en ese momento.

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Uno de los carteles publicitarios del LP

 

El Slang

Referirse a las cosas de otra manera, el slang, es el elemento central y capitular de OB4CL, está en todas partes e impregna con sus códigos todo el LP. Ya desde el título del disco, el slang hace acto de presencia. Llamado en un principio “Only Built 4 Cuban Linx Niggaz” y cambiado al definitivo “Only Built 4 Cuban Linx” por motivos comerciales, el título hace referencia a la cadena que solía rockear por aquellos tiempos Raekwon, una de las más díficil de romper, y por tanto, más díficil de robar. El LP está dirigido a los que, como el Cuban Linx, son irrompibles e incorruptibles, impasibles e infracturables. OB4CL es únicamente para aquellos que entienden el slang de The Chef & Starks. Está dirigido a las calles en las que han crecido y han hecho el salvaje antes de encontrar una salida con el rap. Pero también, y más importante, hace referencia al colectivo. A la familia. Una cadena de miembros inquebrantables que es pesada y brilla como la que más: Wu-Tang. Wu-Tang representan el Cuban Linx, una unión indestructible que perdura en el tiempo contra viento y marea, la familia que sobrevive a sus problemas internos y cuyos lazos son fuertes, tal y como los 20 años que están a punto de cumplirse desde la salida “Enter The Wu-Tang” se han encargado de corroborar.

Si ya desde el título tenemos meta-referencias y significados ocultos, que decir del resto del LP, no ya sólo de la primera aparición de la palabra Cristal, sino del uso continuo de la palabra ice para referirse a las joyas que llevan (“Tommy Hill ice rocking niggas” ,“snatch ice”); referirse a la coca – en gran cantidad- como “glaciers on ice”; términos como UFO’s para señalar a quien no es de tu barrio; toast para hablar de un arma; la repetición continuada de marcas de lujo de todo tipo (Lo, Victoria Secret, Gucci, Maybelline, Donna Karan, Hillfiger, Moet, el propio Cristal…) y, para finalizar, una de las obsesiones de Raekwon: los coches. L Lexus, Millenium, Acura, Benzettos, y por encima de todo, los todoterrenos, Pathfinders, Monteros, Jeeps, Rovers… y por último, el favorito: Land Cruiser. Cuando Raekwon dice “who’s the kid up in the green Land?”, no hace referencia a ningún chico en una tierra verde o prometida, no, hace referencia a su Land Cruiser de color verde. Rae pasea su petulancia y ostentación en un Land Cruiser, o en su defecto, en cualquier otro todoterreno de gama alta que sea de su gusto. Cuando en todo el disco se repite la expresión/frase “politic-ditto”, Rae & Ghost están hablando de negociar, de hacer política en el mundo de las drogas. To politic para el dúo consiste en negociar precios, treguas, acuerdos económicos, establecer un diálogo antes de ir a la guerra o ser capturados por los Jakes, es decir, los policías, en otro ejemplo de la cantidad de slang que inunda OB4CL. Con la salida de este disco, se establecieron nuevas formas de referirse a cientos de cosas, que han sido añadidas al corpus colectivo del rap, incluidas las excelentes metáforas de Method Man en Ice Cream, comenzando con la analogía entre los conos de helado y los senos, continuando con el juego/referencia hacia la mujer como un helado (“Ice cold bitches melt down when in the clutch”) y terminando con la soberbia jerga sobre las razas en el estribillo. Así, French Vanilla son las mujeres caucásicas, europeas principalmente; Butter-Pecan hace referencia a las mulatas latinas, especialmente las boricuas, que desde entonces, han sido llamadas así en multitud de ocasiones; Chocolate-Deluxe correspondería a las mujeres negras; y, por último, cuando hacia el final de la canción Method habla “de caramel sundaes, with the cherrys on top” está hablando de las mujeres indias, siendo cherrys on top los puntos rojos pintados entre ceja y ceja tan característicos del género femenino en la cultura india.

“Watch these rap niggas get all up in your guts

French-Vanilla, Butter-Pecan, Chocolate-Deluxe

Even Caramel Sundaes is getting touch

and scoop in my ice cream truck, who tears it up”

En este juego de referencias a la calle, de palabras cifradas y códigos ocultos no podía faltar una parte importante del lenguaje y filosofía Wu-Tang: La Nación de los Dioses y las Tierras. El lenguaje cifrado y los juegos de palabras es algo habitual entre los five percenters. Referencias como Old Earth (Madre Tierra y también las mujeres mayores), seeds (semillas o hijos), show and prove (demostrar la verdad), Gods and Earths (hombres y mujeres) o el cambio de los nombres de los barrios a Medina, Mecca, Lebanon, Bethlehem… son constantes a lo largo de los minutos que dura el disco. Incluso también el gusto por los acrónimos o el deletreo de palabras mediante el uso del Alfabeto Supremo. Cuando Cappadona -conocido como Cappacinno en ese momento- dice en Ice Cream “It turns me on like Vine’s Cee Allah Rule” se está refiriendo mediante el Alfabeto Supremo a la excitación que le producen las chicas, equivalente al coche (C-ee-A-llah-R-ule-) de ‘Vine, el hermano de RZA, cuyo verdadero nombre es Mitchel “Divine” Diggs, y que, como señaló BBB aquí, poseía un Land Cruiser y era el represente/manager el grupo en ocasiones y el principal encargado de todos los negocios paralelos a Wu-Tang (su marca de ropa, por ejemplo). Estos juegos no se quedan en la mera superficie o en la referencia para situar a los participantes de OB4CL es un contexto social y filósofico, sino que también sirven, mediante los juegos de palabras cifrados, para dotar de mayor profundidad al ya de por si complicado y excelente wordplay y delivery del álbum. Tomemos el párrafo de Ghostface en Criminology, por ejemplo, cuando dice:

“It’s manifested, the God works like appliances,

dealing in my cypher I revolve around sciences”

O más adelante cuando rapea:

“Swallow this one verse like God Degree”

En la primera, al referirse a sí mismos como Gods, Ghostface está haciendo una demostración de bragadoccio, pero también, y al mismo tiempo está usando el slang y unas de las bases del 5%: la conciencia y la definición de uno mismo como God/Dios y su funcionamiento mecánico perfecto (appliance = aparato, me atrevo a aventurar que aquí hace referencia a un reloj). Así abre camino para el siguiente verso, donde cypher (que significa código) abre la puerta a tres significados: uno, el inherente a la frase y propio del slang del rap donde deja claro que mientras trata con su cypher (círculo o agrupación de mc´s para hacer freestyle, en este caso, habla de Wu-Tang) únicamente hace uso de la ciencia aplicada al rap; dos, el uso del término deal para referirse a las transacciones, al tráfico, concretamente y en este contexto, de drogas, que unido a la homofonía entre cypher y cipher (que significa código, clave o mensaje cifrado) viene a simbolizar que mientras prepara sus drogas (con un código químico, una fórmula secreta) únicamente gira en torno a la ciencia; y tres, el significado five percenter: el cipher, es el círculo donde los miembros de la Nación se sientan a debatir y cuestionar sus lecciones, por tanto, Ghostface nos está hablando de que cuando entra el cipher a debatir, siempre gira en torno a la ciencia, basada en la hipótesis, la observación y el razonamiento, que dan lugar a la verdad –show and prove-. En la segunda, y de nuevo, los significados vienen a ser dos, y de nuevo, interrelacionados entre sí y la jerga five percenter. El oyente corriente podrá disfrutar del egotrip de escuchar a Tony Starks decirte que te tragues este verso en modo Dios (o grado Dios), dejando claro que cuando está al micro nadie está a su altura; mientras que el oyente aplicado o cualquier 5%er disfrutarán del uso del slang God Degree como metáfora de comida (God Degree = Food), elevando el egotrip al cuadrado añadiéndole el nuevo significado de tragarse/engullir el verso como si fuera comida. Te está alimentando (de conocimiento) a través de sus versos.

Esta profundidad en los textos sirve también para deformar o extraer enseñanzas de los five percenters y adaptarlas al entorno y la forma de vida de Raekwon. Es la ciencia del NGE aplicada al street knowledge, que sirve como guiño y como camuflaje de un lenguaje oculto sólo al alcance de quienes conocen los signos, los símbolos y sus significados de esta cultura. Así ocurre con Knowledge God, cuyo estribillo reza así:

“What’s the daily mathematics? Knowledge God”

Los programas diarios de los five percenters incluían clases de matemáticas para educar a los chicos en el lenguaje matemático e introducirlos en las Matemáticas Supremas como llave para entender la relación entre el hombre y el universo. El conocimiento de Dios, Knowledge es también la primera joya de las 12, que sumada a la segunda, Wisdom, da lugar al entendimiento (3. Understanding), volvemos de nuevo al entendimiento o el conocimiento (Knowledge God). Raekwon, como alumno y pupilo de los 5%ers (con Popa Wu a la cabeza), había tenido acceso a estas lecciones, las conocía bien y decidió aplicarlas a su estilo de vida y adaptarlas al contexto en el que transcurre el LP. De tal forma que cuando Rae habla de las matemáticas del día, de sus labores diarias, está deformando -o utilizando como herramienta- las lecciones y el slang five percenter para representar las matemáticas habituales de los chicos del ghetto y los motivos que les llevan a moverse y seguir luchando por la pasta, por tanto, las matemáticas a las que hace referencia son las de la compra y venta de drogas y la suma de dinero que ello conlleva, las inversiones y los beneficios derivados del tráfico de drogas. Knowledge God se transforma entonces en un acrónimo, KG, Kilograms, que traducido al slang son kilos de cocaína. Las matemáticas diarias son la venta de kilos: Mafioso Rap.

Toda esta aglomeración de slang, de lenguajes y códigos ocultos, de las lecturas dobles o triples, tiene su punto álgido en Rainy Dayz, donde se ejemplifica todo lo anteriormente comentado de forma soberbia, mezclándose en los mismos versos slang Wu-Tang, slang callejero, name droppin’, bragadoccio, y sobre todo, filosofía 5% al servicio de los sueños y aspiraciones del dueto:

“How to get rich Son, show and prove, ask my bitch

Stood up late nights, build with my A-alikes

We can pull a heist, snatch ice or rock mics

[…]

But in due time, soon to get mine like Bugsy

heavy on the wrist, Polo mocks socks and rugbies

[…]

I gotta get mine, like my Old Earth, bless the cheese line

Sipping on fine wine, the power of the blacks refined

[…]

What brings hail, snow and earthquakes?

The beat breaks, ‘cause all my niggas to break son

[…]

So many fake half real freedom build

born to science, my alliance analyzes

[…]

The Sun, Moon and Stars…fly cars, word you all”

 

The Originoo’s

El porqué de todo este abuso del slang y de la creación de lenguajes y simbologías propias al margen de las establecidas tenía una razón de ser básica para los miembros del Clan: ser originales. Durante todo el tiempo que estuvieron grabando el LP la originalidad fue uno de los temas centrales y más planteados en las conversaciones entre los tres artífices principales. Establecer una marca, un estilo propio inconfundible que marcara el devenir del juego en años posteriores. Con OB4CL su intención era marcar estilo. Nadie podía, ni soñaba siquiera, acercarse al sonido que perfeccionaron y depuraron en el estudio Raekwon y Ghostface (más adelante hablaremos de RZA). Se pusieron a sí mismos en otro nivel, en otra clase. Su intención era que la gente dijera “Yo, that’s some hip hop bible to the streets” Toda la intención era sonar como ninguno. No querían sonar a nadie, adelantarse a su tiempo. Todo un juego de slang profundo adaptado y dirigido a New Yorkers que invita a descrifar los códigos a los oyentes en cada escucha, convirtiendo el LP en un jeroglífico que has de traducir si lo que deseas es comprender al 100% los textos y los conceptos.

Ya hemos hablado de como establecieron las bases (con el permiso de G Rap) y los criterios del Mafioso Rap, cambiando el escenario del Gangsta Rap por otro igual de grimey, pero con la luminosidad, el bienestar y la inteligencia del “wealthy nigga”. Aquí se produce un cambio en el paradigma en la concepción o dicotomía gangsta/mafioso. El “rich” es sustituido por el “wealthy”, de ganar pasta por estar en el juego a ganar pasta por saber como funciona y jugar mejor que nadie dicho juego. Del rico porque tiene dinero (un camello) al rico porque sabe como hacer más dinero (un narcotraficante), y como mantener el apoyo y el soporte de ese dinero en períodos largos de tiempo. Un millonario. Ropa, comida, analogías, todo está al servicio de ese cambio y de esa idea primordial. Este sello diferencial fue llevado incluso a la propia edición del disco, con las 10.000 primeras copias en casette en color púrpura, las ya famosas Purple Tapes, cuya re-edición hemos podido disfrutar este año. Siguiendo la línea de ser originales, Raekwon y Ghost llegaron a la idea de que, al igual que en las calles cada traficante tiene su marca personal en las drogas que vende para marcar diferencia, ellos también querían diferenciarse de sus competidores, las cintas púrpuras, con claras reminiscencias al mundo de la droga por su color y con un elemento claramente distinto al resto de artistas del momento, la cinta coloreada. En definitivo, su intención era clara: nadie podía hacerlo como ellos, nadie mordía su estilo.

Incluso cuando se trata de los featurings, Raekwon y Ghostface establecieron unas nuevas formas de trabajar las colaboraciones, otorgando nuevos nicknames a todos y cada uno de los colaboradores y creando historias detrás de esos alter-egos para que encajaran en el relato y en la visión general del concepto que tenían. Era la primera vez que aparecían términos como Wu Gambinos para referirse a miembros del colectivo, y era la primera vez que esos alter-egos perduraban más allá de una canción o un LP, evolucionando en el tiempo y apareciendo en diferentes proyectos del Clan, afianzando el concepto de colectivo y de narratividad, de conectividad entre las diferentes referencias y proyectos del grupo. Todo está inter-relacionado en Wu-Tang. Así, además de los alter-egos de Raekwon aka Shallah aka Lou Diamond y Ghostace Killah aka Tony Starks (por ser rico y arrogante), en OB4CL, RZA pasa a ser The Abbott aka Bobby Steels; Masta Killa es Noodles, el personaje de Robert de Niro en Érase una vez en América; GZA pasa a ser entonces el compañero de Noodles, Max (James Woods en la película), debido al carácter reflexivo y cerebral de GZA; Method Man es su ya famoso alter-ego Johnny Blaze (El Motorista Fantasma); Inspectah Deck cambia a Rollie Fingers, por su habilidad para liar porros; y, por último, U-God es ahora Golden Arms en honor a la película de artes marciales Kid with the Golden Arm, un nombre del que hará uso en multitud de ocasiones y que incluso aparecería en el título de su primer LP. Esta continuidad progresiva y repartida de alter-egos permite al oyente introducirse en el universo del colectivo, distinto a los demás, y establecer una cronología y una relación dentro de este universo Wu-Tang. El alter-ego es, entonces, una actuación, un personaje que va más allá del propio alter-ego que lleva inherente la condición de ser mc, configurando nuevas perspectivas y visiones sobre la figura del mc en el rap, permitiendo y promoviendo la creación de personajes ficticios para contribuir al afianzamiento de un concepto y de una imagen (quien eres) ante el público. Asentaron la ficción para acentuar los relatos callejeros y mafiosos del rapper. De tal forma, que poco después seríamos testigos de una avalancha de sobrenombres , con ejemplos tan notorios como “The Black Frank White aka The King of New York” o “Nas Escobar”. “Only Built 4 Cuban Linx” preparó -y allanó- el camino para el resto. Fue el Rap Magellan (Magallanes, descubrir del estrecho del mismo nombre), el originario. Cuando escuches “Doe or Die” de AZ tendrás que acordarte de Raekwon; cuando te pongas “Reasonable Doubt”, “Life After Death” o “It was Written” es OB4CL quien se encuentra detrás de todos ellos; cuando Clipse hablan de frigoríficos llenos de cocaína y marcas tremendamente caras de ropa, son Raekwon y Ghostface quienes hablan; cuando escuches a Chirie Vegas hablar de brillar como Julio Iglesias, está haciendo un guiño a Only Built; cuando te pongas a Chinorro y le escuches decir túnicas con Wallabees o vida de Scarfo, tendrás claro de donde viene; cuando escuches a todos ellos y a muchos más ya sabes a que se están refiriendo exactamente y a quienes tenían como inspiración a la hora de escribir sus rimas. OB4CL fue el primero y el originario de todas las consiguientes y subsiguientes vertientes del Mafioso Rap.

«Yo back in the days, bagging cracks, scraping plates, flipping cakes

Who them heavy head niggas hating Jakes

It be us, wall to wall soldiers, hanging in halls getting over

City niggas shoot for blood money rocking Rovers

Stay dipped, don’t have no money in your pocket in the streets

why these people mobb money in their Jeeps”

Inlay del LP

Inlay del LP

 

The Basement

En Estados Unidos es habitual que las casas tengan un sótano donde poder guardar las cosas o donde poder aprovechar el espacio debajo de la casa para nuevas habitaciones o funciones. El sótano es el lugar donde ocurren muchas cosas, puede ser donde tengas tu gimnasio, donde guardes tu colección de discos, donde escondes o fabricas tus drogas, o donde tengas todo tu equipo de grabación en un entorno insonorizado y preparado. El sótano de los beatmakers. The Basement. Uno de los lugares habituales en el imaginario social del rap. La idea de estar encerrado en un entorno sin apenas luz y sin distracción durante horas haciendo beats forma ya parte de las imágenes del rap. Desde Pete Rock hasta Premier, pasando por Jazzy Jeff o Dj Shadow, el sótano -incluso como lugar de diggin’– es el lugar donde ocurre la magia. El sótano de la primera casa de RZA. De este sótano en Staten Island salieron dos joyas como “Liquid Swords” y el disco que nos atañe, OB4CL.

En ocasiones, o tal vez siempre, la magia ocurre cuando no estás bajo presión de nadie ni nada. Te encuentras simplemente tú -y tu gente- haciendo cosas sin más obligación que el superarte y marcar nuevas metas, completamente concentrados, sin distracciones. Durante dos años, RZA apenas salió del sótano. No A&R’s, no productores ejecutivos, no managers, no coches (hasta 1997 no se compró sus dos primeros coches) no chicas ni hoes, únicamente la pareja estable que tenía por aquellos momentos. Absolutamente nada. Mantenerse concentrado. Exclusivamente The Abbot con sus máquinas y las puertas abiertas al resto de componentes de Wu-Tang. El padrino. RZA y cía querían establecer un nuevo estándar. Durante esos 24 meses, Raekwon, Ghostface y GZA pasaron más tiempo en el sótano de RZA que en cualquier otra parte. Grabando, improvisando, ensayando. El propio Method Man cuenta que bajar las escaleras del hogar de RZA era como volver a ser un niño y entrar a una tienda de golosinas. Sólo tenías que abrir las manos y empezar a coger caramelos. Beats y beats antiguos y nuevos para quien los quisiera coger. Todo estaba ahí al alcance de cualquier miembro de Wu-Tang. No había prioridades o jerarquías. Tenías que estar rápido y ser el más listo, coger el beat y machacarlo con tus versos, elevar el juego. Hambre. En este clima relajado fue donde se construyó “Only Built 4 Cuban Linx”. En un principio, la idea de RZA eran 13-14 temas nada más, pero la improvisación y la fuerza del dueto Rae/Ghost hicieron el resto hasta llegar hasta las 18 finales (algunos beats estaban preparados para “Liquid Swords” incluso). Muchas de las canciones fueron escritas sobre la marcha, escuchando el beat. Era habitual que Ghostface escuchara la parte de Rae y directamente saltara sobre el tema, escribiendo su parte sobre la marcha. La química entre ambos era -y es- muy grande. Pero para esta química hacía falta un cocinero.

Después de “Enter the Wu-Tang” y los discos de ODB y Method Man, RZA todavía buscaba perfeccionar su estilo, hacerlo más pulido. En estas andaba cuando el concepto del disco salió a la luz. Una película. Trabajar el disco como un film. Si Rae y Ghost se encargaron de pintar las imágenes, RZA sería el encargado de la BSO. Habitualmente, las BSO sirven de apoyo a lo visual y para establecer el tono de una escena y acentuar lo que se está queriendo decir o mostrar. Incluso pueden marcar el ritmo de lo que acontece. De ritmo y de tono fue de lo que se encargó RZA. Durante los 74 minutos del disco, los beats de RZA remarcan e implantan el tono y ritmo de las canciones. Las instrumentales perfilan el estado de ánimo de cada canción. Si se necesita un ritmo que complemente el estado nervioso y excitado antes y durante un atraco, RZA deja que un break de pianos agitados marquen el ritmo en Knuckleheadz, y de paso, recalcar el carácter inestable y violento de Rae, Ghost y U-God. Si lo que se necesita es enfatizar las emociones y el estado mental de un mafioso antes de acabar con otro, RZA introduce cuerdas de reminiscencias italianas como prólogo antes de la nocturnidad y el latido nervioso que es Knowledge God, trasladando al oyente a un ambiente asfixiante de asesinatos y ventas de drogas. En el siguiente tema la ecuación se repite y la introducción te sitúa complemente en un hit and run cinematográfico (podría ser la BSO de cualquier film blaixplotation) continuo de crímenes en un break beat hipnotizante que es interrumpido en el estribillo que parece decirte que es imposible salir de la espiral de crímenes. Criminology Raps. Si lo que necesita es crear melancolía, nada mejor que usar la banda sonora de otro film (con skit incluido) para fijar el comienzo y situar al oyente a través de ese triste vibráfono en el entorno opresivo y depresivo de la inner city para más tarde introducir un beat completamente taciturno, e incluso desquiciado y psicótico, con esos sonidos agudos clavándose como agujas como metáfora de la necesidad de dinero para sobrevivir en el sistema capitalista. En Rainy Dayz se descubre el mejor RZA, no ya como beatmaker, sino como productor. Las alusiones a de The Killer y el apropiamiento de su BSO (curiosamente inspirada en el trabajo de Ennio Morricone, especialmente el realizado en Érase una vez en América), así como de parte de sus conversaciones son el punto de partida ideal para el concepto que maneja el tema, cuyo pesar o aflicción tiene su máxima expresión en el canto desgarrado de Blue Rapsberry. La cual, y según comenta el mismo RZA estaba en el estudio improvisando, cantando canciones cuando llegó a No More Tears de Barbara Streisand y Donna Summers, una canción disco de desamor que dice así: “It’s raining, it’s pouring, my lovelife is boring me to tears” que, pasado bajo el filtro de RZA y con Blue completamente inspirada por la instrumental se transformó en el pertubardor “It’s raining, he’s changing, my man is going insane, insane”, metáfora de la incompresión femenina del borough ante el comportamiento errático y violento del hood nigga, que tal y como confirma el personaje femenino de The Killer, “I sing for him, but he isn’t here”. El uso y la transformación de una canción arquetípica de desamor en una canción tan lacerante y torturadora (tanto para el personaje femenino como para los masculinos) se produce gracias al trabajo detrás de la pecera de RZA, capaz de combinar distintos elementos -incluido el acertado uso de sonidos de tiros, truenos, casquillos- musicales, jugar con los ritmos, las interrupciones y con la tremenda -e inspirada- voz de Rapsberry cual orfebre de piezas exclusivas para manufacturar al, en mi opinión personal, el mejor tema del disco. Como nota curiosa, el break de batería que samplea RZA es el de la versión de Ain’t No Sunshine de Michael Jackson que unido a No More Tears hacen dos canciones tristes que sirven de base para crear otra canción desoladora.

Para RZA la inspiración para crear el sonido de OB4CL le vino de Isaac Hayes. Los arreglos de Ike y las introducciones interminables de sus temas principalmente. Isaac Hayes era capaz de convertir una balada cualquiera en un orgasmo musical alargado en el tiempo y en constante cambio, permutando entre diferentes estados de ánimo y ritmos en una misma canción. El estilo cinemático de los arranques de las canciones de Ike (que le sirvieron para ser contratado como compositor de varias bandas sonoras), el construir una historia a partir de la melodía y fijar el tono de la canción aparecen a lo largo de todo el LP, estableciendo un paralelismo entre lo que cuenta Raekwon y lo que cuenta la instrumental. Como una BSO, los beats de RZA están al servicio de la historia, del concepto. Hayes fue en experto trabajando las emociones del oyente a partir de los arreglos y de convertir un tema en una historia. Pensemos en Guillotine (Swordz), RZA quería imitar el comienzo de Do Your Thing de Isaac Hayes, con esos vientos marcando el inicio (da-da-da-daaaaa) y la cuerda marcando una vibración groovy positiva. Para conseguirlo, RZA tuvo que conectar su teclado Yamaha a su MPC. Al tocar las teclas, la combinación de ambos aparatos no terminaba de encajar bien y producía un temblor, un tartamudeo del sonido, que, curiosamente, es calcado a la cuerda de Do Your Thing. De esta y otras formas, RZA dio forma a los beats que serían el sonido, el acompañante perfecto para las imágenes de Rae & Ghost. Por ello ya desde la portada se afirma que RZA es el director. El jefe. Siguiendo con las analogías orquestales, RZA es el director de orquesta, puesto que no sólo sabe tocar los instrumentos (los beats), sino que también conoce a la perfección la partitura -puesto que es el compositor- y como debe dirigir a sus músicos para dar con la tecla adecuada (el productor) que permita al concepto subyacente aparecer en su máxima expresión (el A&R).

El film

“Avon Barksdale: Forgive that for a moment man, just dream with me.

 

Stringer Bell: We ain’t gotta dream no mo’…man, we’ve got real shit.”

 

“Li Jing:You don’t trust me uh?

 

Ah Jong: Well, you know why.

 

Li Jing: I do, we are not supposed to trust anyone in our profession.”

Esforzarse para la perfección. Conversaciones de azotea. Stringer y Avon. Max y Noodles. Ah Jong y Li Jing.  En ocasiones, los momentos de parada, los silencios y las conversaciones dicen más que las acciones y los hechos -sobre todo en los buenos films de acción-. Las miradas, los espacios entre las palabras y su pronunciación, establecen la profundidad y la lectura subyacente de un concepto. Los skits fílmicos y la introducción de grabaciones aleatorias (como cuando hablan de teñir los Wallys, grabado en el coche de Raekwon con un DAT portátil) sirven para establecer el tono, el concepto de LP. El concepto cinematográfico del álbum. Por ello son tan importantes las conversaciones, como los skits prestados de otros filmes, porque se apropian de ellos para introducirlos en el discurso, como si de una conversación entre los propios actores del LP se tratara. The Killer y Érase una vez en América, las grandes inspiradoras de Only Built 4 Cuban Linx, tienen como temática central el honor y la amistad, así como sus fortalezas o debilidades en momentos de crisis. La lealtad y la traición. Un tema sobre el que girará la tercera temporada de The Wire. Tanto Max y Noodles como Stringer Bell y Avon Barskdale no tienen nada, todo se lo ganan desde abajo, juntos. Ah Jong es preso de sus emociones en un callejón sin aparente salida. Este es el punto de partida del film/LP, cuando un Raekwon cansado y devastado habla con Ghostface de cómo dejarlo definitivamente tras un último golpe. No quiere seguir más tiempo en las calles, quiere alejarse de ellas. Raekwon es testigo de un cambio en su estado mental, un avance y una mentalidad con las miras puestas más arriba, que llevan adherida una conciencia de fatalidad cuya única salida es -a través de esa riqueza- alejarse de ese mundo antes de que te devore. La mentalidad de Stringer Bell. Con Striving 4 Perfection, y por consiguiente, con todo “Only Built 4 Cuban Linx” hemos superado el momento Marlo Stanfield y Avon Barksdale. Siempre habrá un Marlo Stanfield, decía Avon. Raekwon está cansado de ser Marlo. Quiere, desea, ir más allá (“we gotta move God”) y abandonar su pasado (“…acting like I’mma just a drug dealer all my life”). Está analogía entre Stringer y Avon se puede trasladar al campo del propio rap. Stringer Bell representa una nueva sangre de traficantes, el mafioso que bordea el crimen con la legalidad para establecerse como ser legítimo dentro del sistema, del dinero negro blanqueado como símbolo del poder adquirido. Ese es el status del Mafioso Rap, un escalón por encima. Avon, por su parte, representa el apego a las calles y una forma de hacer las cosas anclada en tiempos pasados, donde dominar las esquinas, los drive-by’s y el respeto al nombre es más importante que qué hacer con el dinero. Gangsta Rap. Seguir actuando como Avon (o como Marlo) significa quedarse atrás y repetir esquemas oxidados. Si lo que se quería era establecer un nuevo estándar, era necesario (tal y como lo entendía Stringer Bell), dar un paso hacia adelante y situarse a otro nivel en el juego. De nuevo volvemos a la conversación en la azotea entre Stringer y Avon. No tenemos que soñar más, tenemos cosas tangibles, hemos avanzado. Hacia ahí es donde se dirige toda la introducción del disco. Hacia esa escalada en la jerarquía. Es el prólogo a la adopción del estilo mafioso y narcotraficante. La búsqueda de una vida fuera de las calles y el sometimiento formal de gran parte del gangsta rap, que, al igual que Avon cuando pronuncia la profética frase “I suppose I’m just a gangsta”, son conscientes de su derrota.

Aunque “Only Built 4 Cuban Linx” no posee un nexo o una historia cronológica como tal, ni tan siquiera un guión al uso con nudo y desenlace, si que posee una presentación. Striving for Perfection está situada en el presente, justo en el momento en el que todo está a punto de cambiar. Sin saber si el siguiente tema, Knuckleheadz es el último golpe del que hablan o es, como ocurre con la mayor parte del disco, un flashback de back in the days. Hay pistas para pensar que transcurre en el presente, tal como la muerte de U-God al final del tema, como solución a la posterior entrada en la cárcel de éste a cumplir ocho meses de condena y que funcionó como pretexto ideal para presentar a un nuevo chico en la ciudad: Cappadonna, mentor de U-God en la vida real y recién salido de la cárcel. Si seguimos este hilo cronológico tiene sentido que el siguiente tema sea Knowledge God, cuya introducción con un Raekwon completamente skied-up (encocado) evocando viejas épocas si parece dar paso al flashback definitivo que es la mayor parte del LP. Ha sido el propio Raekwon quien ha comentado en varias ocasiones que la acción transcurre/está basada en sus experiencias en los 80, concretamente 86-88, cuando la cocaína estaba en su punto álgido y, tanto Rae como Ghostface eran testigos y partícipes de la orgía de violencia y drogas que vivió NY durante esa década (estamos hablando de la época pre-Giulanni y su “limpieza”). ¿Es entonces Criminology una represalia por la muerte de U-God? ¿O es simplemente una historia más para atestiguar el street cred y la ascendencia en la jerarquía criminal? No lo sabemos, ni tampoco importa. El hilo conductor no es necesario para hacer avanzar el concepto fílmico del disco. Si es un film es por el tratamiento que se le da. Por las imágenes que pinta. Por las emociones de las que nos hace testigos. Raekwon compone tremendas imágenes vívidas a través del slang y el wordplay. La capacidad lírica de Raekwon es tremenda, su capacidad descriptiva inusual -sus lyrics y delivery son auténticos disparos- tiene como consecuencia la activación de la imaginación del oyente, que acudirá a su base de datos fílmica y personal para poner imagen a los versos de Shallah. Uno de los grandes valores de OB4CL es esta capacidad de establecer una conversación visual con el oyente. Mientras Raekwon rapea sus versos, uno no tiene más remedio que imaginar (y ver) lo que, precisamente, está contando. Nunca antes el uso del recurso literario de la descripción había sido tan divertido y efectivo. A través de las palabras y la sabiduría callejera de Raekwon y Ghostface (mucho más rabioso y agresivo, contribuyendo al tono violento del álbum) es como la historia se mueve. Es un cuadro elocuente del atrezzo, las localizaciones y el estilo de vida de un narco salido de las calles de Nueva York. Un cuadro elocuente de la moralidad del ghetto, las barreras de dicha moralidad y el balanceo -dilema-  moral constante que consiste la realización – la elección entre- de unos actos y otros («It’s like waiting on babies/make wanna slay these/but that’s ungodly/so yo, God, pardon me/I need it real quick»). El dilema del asesino (The Killer) en el cine oriental, cuya expresión más conmovedora son las lágrimas de Crying Freeman cada vez que comete un asesinato. La conmoción psicológica de Ah Jong cuando deja ciega por error a Jennie. En cada canción, además de las descripciones vívidas de un entorno violento – el LP es toda una descarga de efectos de sonidos, disparos, explosiones y derrapes-  subyacen conceptos como el desarraigo, la depresión, el stress o la nostalgia (Can It Be All So Simple?) asociados a quien es ya un pez gordo de los bajos fondos.

Ni siquiera somos capaces al final de averiguar que ocurre, si todo salió bien o no, que pasó definitivamente. North Star cierra el disco con Popa Wu tratando precisamente estos temas desde un punto de vista 5%. Conocedor de los crímenes de Raekwon y los dilemas morales que conllevan, Poppa conversa con Shallah Raekwon sin juzgarlo. Al final, uno ha de hacer lo que ha de hacer y seguir mirando hacia adelante (“people don’t know where their blessing comes”), buscando esa salida (“I’m elevating strong, I’m going on the highest degree”) y cargando con el peso uno mismo, sin importar el qué. Sólo uno puede juzgar a uno:

«This is why the universe, has itself balanced the scale

Of divine knowledge, and it was measured by the portion of solid knowledge

No man, can judge for another

But each man must weigh all facts and circumstances

And find truth in his own judgment of righteousness”

No es casual, entonces, que el últimos verso de Raekwon, la despedida, rece así:

What, I’m feeding my babies, Cash Rules for mortal daughters”

Raekwon suena en

Conversaciones con Chris Cocktailz – El Trap en España

Que el Trap es un género que me atrae no es nada nuevo para los habituales en mis disertaciones en twitter sobre música. No tanto para aquellos que únicamente me conozcáis a través de mis intervenciones en la web. Por ello, y porque es un tema que considero de interés, y que incluso puede generar polémica, hablar de Trap y sobretodo, hablar de Trap en España se convierte en una cuestión pertinente y -espero- generadora de debate en torno a su presencia y sus conceptos en el territorio nacional. Que mejor, entonces, que hablar directamente con alguien que afirma -y confirma-  sin tapujos hacer Trap.

Chris Cocktailz hace Trap. De hecho, y a título personal, Chris es el único que de momento ha traído de verdad lo que en USA se considera Trap. Tanto musicalmente, como temáticamente, «Dope Boy Music» funciona como un disco de Trap (además de otras vertientes), y posiblemente, como el primer ejemplo de que es posible hacer Trap en España sin desvirtuarlo ni desviarlo de sus principales características, las cuales -entre muchas otras cosas- comentamos en entrevista, pero mejor, dejemos que sea Chris quien nos lo comente directamente:

 

Mars: En la presentacion del disco hablas de Trap o primer disco de Trap en España. ¿Consideras que es así realmente o crees que existen otros productos de Trap en España?

Chris Cocktailz: Personalmente como puse en la presentación, es lo que algunos consideran como un disco de Trap en España, el primero. Personalmente no me gusta presentarlo así por esta moda que se ha puesto ahora de «Trap» en España y no quiero caer en parecer uno de ellos. Pero si me preguntas mi opinión personal, te diré que «Dope Boy Music» es un disco puramente Trap en temáticas aunque no todos los temas del disco tienen un sonido como lo que conocemos como Trap. Por lo que ha llegado a mis oídos, nadie ha hecho Trap bien en España, nadie que no sea Slash (Major) o yo. Aunque realmente puramente Trap son Gotham y 7 Colores. El resto es en cuanto a temáticas.

Mars: Bueno, la Intro (1,2,3,4) y Van a Delinquir me parecen Trap también. Trap español, por la temática tratada y la cercanía a esa realidad.

Chris: Pero yo personalmente cuando empecé a hacer «Dope Boy Music» no dije «voy a hacer un disco de Trap» como le ha dado a la gente ahora después de ver a Chief Keef. De hecho como te puse en la descripción, hay temas en el disco que tienen bastante tiempo, y si hablamos de mucho antes de «Dope Boy Music» yo ya estaba grabando otros temas con Slash que sí que eran puramente Trap y nunca llegaron a salir.

Mars: ¿Qué tienes planteado para el futuro? ¿cuáles son los siguientes pasos de Chris Cocktailz?

Chris:  Bueno. Lo primero que me planteo es seguir haciendo música y trabajar en mis próximos proyectos, invertir en mi música e intentar hacerlo cada vez más a lo grande. Entre algunos de los siguientes pasos está elaborar un sonido más propio de mí y ser más versátil como artista, que es en lo que estoy trabajando ahora mismo.

En cuanto a mis próximos proyectos ahora mismo estoy trabajando en un trabajo mano a mano con D.Rockz mientras que Slash y yo estamos empezando a planear lo que será mi próximo trabajo en solitario «No Risk No Victory». Sobre lo mío con D.Rockz puedo decir que tenemos algunos tracks y que es un sonido completamente distinto al que ambos hemos estado haciendo, es un trabajo más experimental en el que solo nos estamos preocupando por crecer como artistas y por ofrecer un trabajo conjunto más que «tema a tema».

Aparte de todo esto tengo algunos beats en los que estoy trabajando y puede que alguno de ellos salga de single pronto.

Mars: ¿Cómo definirías el Trap y por qué decides adoptar el Trap como artista?

Chris: Para mí el Trap principalmente, incluso antes que el sonido, tiene que llevar la temática.

Mars: Estoy de acuerdo.

Chris: Eso que quede claro, en mi opinión, este «Trap electrónico» que están haciendo no merece ser llamado Trap ya que no puede haber Trap sin letra. Principalmente el Trap es música de camellos para camellos. Para mí Trap fue petar a Jeezy en Trap or Die y oír ese estribillo en mi cabeza «We trap or die nigga«. Por aquel entonces estaba completamente broke en casa y dije, joder tío, esta es la mierda que me identifica. También estaba «TrapMuzik» de T.I. y a partir de ahí fue evolucionando todo. A principios de 2009 hice mi primer estribillo Trap, en cuanto a sonido y letra, recuerdo que se llamaba Son Ley, para una colaboración de un rapper de aquí que nunca salió, aunque para entonces ya llevaba mucho tiempo petando cosas, aunque por falta de medios no pude empezar desarrollar ese tipo de sonido hasta aquellos tiempos.

Mars: Por tanto, para ti el Trap es principalmente el concepto que tiene y su significado, lo que va mas allá de Brick Squad e incluso antes de T.I., yo considero que la música de camellos ha estado bastante presente en el rap, aunque quizás no tan centrada. No se si estas de acuerdo.

Chris: Por supuesto, desde muchísimo antes de eso ya teníamos a Master P hablando de lo mismo, por ponerte un ejemplo.

Mars: O incluso en el propio East Coast o el Gangsta Rap hay multitud referencias a la venta de drogas.

Chris: Las drogas, el trapicheo, y demás son cosas de la calle, y el rap siempre ha sido calle. Efectivamente, puedes escucharte un disco con un sonido super Nueva York y habla de esas cosas más crudamente que Waka Flocka.  Por eso que a lo que me refiero es que el requisito básico para hacer trap son las letras, pero obviamente no es lo único, también implica un sonido. Simplemente quería dejar claro que no tiene sentido hacer «Trap» instrumental o demás mierdas que veo por ahí.

Mars: En este caso estoy completamente de acuerdo. El Trap sin el concepto que tiene detrás, que como bien has resumido, es música de camellos para camellos no tiene sentido. Sin letras eso desaparece y al final solo quedan los beats  ¿no crees qué al final es la absorción por parte del sistema de lo que les interesa? En este caso, los beats que son la ostia para el club y se olvidan de una realidad que se refleja a través de los lyrics únicamente.

Chris: Te refieres a la gente que hace Trap que ponen en los clubs y que son sólo instrumentales? ¿Trap «electrónico»? Me quema la vista leer esas dos palabras juntas. Cogen lo que les conviene, es como cuando, aunque el ejemplo no tiene nada que ver y aunque no me guste, en la radio te ponen a Katy Perry sin Snoop Dogg.

Mars: La versión censurada.

Chris: Hacen lo mismo, sólo que de manera mucho más triste porque se supone que esos DJ’s que pinchan eso deberían saber que su público es de rap y debería estar preparado también para las letras, pero luego entras a una sala de Madrid y solo ves hipsters y gente que no tiene nada que ver con el rap en sesiones de «rap», así que quizás sea por eso que lo cambien. Desde que rappers en Madrid petan más garitos de homosexuales que salas de rap ¿Qué podemos esperarnos?

Mars: Considerando todo esto ¿ves posible el Trap en España? Es decir ¿es posible trasladarlo a este país?

Chris: Francamente no lo se. Veo que se está banalizando, que va a caer en una moda en la que artistas ni público tendrá ni idea y de la que quizás me beneficie pero debo diferenciarme. Desde antes de sacar mi disco, siempre lo he hablado con gente de mi equipo. El rap en España está mal enfocado, y no me refiero ya a la poca calidad, maneras de hacerlo o mil historias que podríamos debatir, sino a qué público se está enfocando. Es decir conozco a muchos chonis que viven una realidad Trap, no se si me entiendes, y no tienen ni zorra de quien es Shawty Redd, pero la cuestión es que se sienten mucho más identificados que cualquier rapper y lo apoyan más porque lo sienten más.

Mars:  Los canis viven una realidad mas calle y Trap que los raperos.

Chris: Los rappers son gente que le roban 10 euros a sus madres para comprar hierba y luego hablan de shine (risas). Si escuchas mi disco ves ciertos guiños a eso «mis suppliers son chonis no rappers«. Porque tío, yo estoy ahí fuera de verdad, y no trato con ningún rapper, por eso que para mí que me venga un choni y me diga «tio esta mierda me llega» vale más que que un rapper me diga «que fresh«. Lo que quiero es transmitir con mi música y se nos olvida quién es el público que sabe de calle y quien es el público que se gastará la pasta en ir a tus shows y comprar tu cd, porque la mayoria de los rappers no hacen eso.

Mars: Sin embargo ¿qué puede hacer pensar al oyente que tú si vives esa realidad? ¿qué no es pose o mentira? ¿cuál es la diferencia?

Chris: Yo creo que se ve. Si tú vives eso, escuchas a uno y a otro y quizás no puedes decir seguro quien no es fake, pero sí que puedes decir seguro quién es auténtico.

Mars: Y pregunto ¿importa ser auténtico si eres capaz de transmitir esa realidad? Pongo por ejemplo Rick Ross.

Chris: Interesante pregunta. Pues mira, cuando se trata de un negocio millonario como es el rap en USA, quizás vale que sólo transmitas aunque no lo respaldes, aunque yo personalmente, escucho más a gente que se que es de verdad, pero cuando no vas a forrarte por mentir ¿por qué mentir? No se si me explico, es como los beefs, aquí en España la gente se perdona y se hace temas con gente de «bandos» contrarios que se llevan poniendo toda la vida a parir y dicen: «en States se hace lo mismo«, Sí, pero en States es cuestión de un montón de pasta. Aquí no ganas nada así que ¿por qué te estás vendiendo? Volvemos a lo mismo: rappers preocupándose demasiado por rappers.

Mars: ¿Crees qué en la realidad a la que puede apegarse el Trap en España puede hacer Trap? Esa peña suele estar fuera del rap.

Chris: Normalmente sí, y es la verdad.

Mars: Entonces ¿están las calles de España fuera del rap game?

Chris: En la realidad que yo vivo, completamente fuera, y eso es lo que me molaría que pasara, que se uniera, aunque es difícil o imposible.

Mars: ¿Por qué?

Chris Cocktailz: Yo creo que necesitamos años, mucho curro y sobre todo pasta. Aunque en las ciudades grandes tiene que haber gente que viva las calles y el rap game a la vez, no es la mayoría, pero tiene que haberla. Otra vía sería el público latinoamericano residente en España.

Mars: Yo tengo la percepción desde hace años que cuando las segundas y terceras generaciones de inmigrantes en España, sea sudamericanos, árabes, rumanos… el rap game va a cambiar mucho. Tenemos el ejemplo de Francia.

Chris: Y la población magrebí ha tenido una gran influencia en eso, pero también hay gente como Booba, que soltó el fajazo y dijo: voy a hacerlo. Eso falta aquí para mí. La manera de cambiar esto podría ser «Chris Cocktailz – No Risk No Victory» y 30.000 pavos de presupuesto promoción. Os va a entrar por los ojos si o sí, os va a gustar sí o sí joder, no se si me explico. Pero para que una rueda empiece a girar, tienes que meter pasta primero en esa rueda. Los rappers dicen «hago vídeos de 200 euros porque no voy a ganar nada con ellos» y me dan ganas de decir: «vete a casa tío«. No digo que me vaya a gastar 30,000 en el siguiente disco, pero es lo que se necesitaría, aunque con menos puede hacerse poco a poco. Luego están los de «tengo pasta pero mi disco suena como el culo no tengo pasta para la mezcla y el master y eso de copias físicas ni lo hablamos que se me va del presupuesto.»

Mars: En tu caso ¿cómo ha ido lo de las copias físicas? ¿lo has hecho a sabiendas de que lo mismo no recuperabas la inversión? ¿cómo va la venta?

Chris: La he recuperado, pero te diré algo, lo he recuperado aquí, en mi ciudad de 25.000 habitantes. Aquí la única promo era Dope Boys vendiendo «Dope Boy Music.»

Mars: ¿Y cuál ha sido la reacción de quien te ha comprado el disco, de esos dope boys?

Chris: He recibido muchas buenas críticas, otras malas, pero solo una acusando de que no hablaba realidad. Hay otras que decían «no me mola la música«, vale, es respetable, pero por lo general la peña que lo ha comprado ha sido porque le ha gustado.

Mars: ¿Ven una realidad en lo que dices, ven su realidad?

Chris: Dope Boys vendiendo «Dope Boy Music» me refería que muchos colegas que están en la calle han vendido CD’s sacándose un pico. Y eso me ha ayudado mucho. Muchos se han sentido identificados, sí, desde luego.

Mars: ¿No crees que es un poco arriesgado como «Dope Boy Music» con tu cara en portada?

Chris: No Risk No Victory. Ese el título del siguiente trabajo. No se si me explico.

Mars: Sí, claramente. Pero tu hablas en tu LP de familiares, de amigos, es decir, de quien se ha criado en ese ambiente desde crío.

Chris: Sí, movidas familiares básicamente, y unas cuantas que me corté obviamente y no salieron. Como te digo, hay que ir viendo. Aquí personalmente la cosa ha sido más callejera y cuando lo han puesto en medios locales nadie ha preguntado por temáticas solo por «ah y cómo fue hacer el disco» así que todo bien por el momento. Siguiendo por lo que hemos dicho que hay cierta falta de correspondencia entre el público de las calles y el público del rap, creo que hay que arriesgar y presentar los trabajos a público que no sabe de rap, que puede que les guste también, y explotar la inmigración como público, aquí los marroquís escuchan Akon y Lil Wayne y ninguno conoce a Xcese, no se si me explico ¿cuál es el error ahí?

Mars: Decía Ice T que quien le compraba los discos y las camisetas eran blanquitos.

Chris: Eso es. Yo conozco a peña de States, mucha, vivo con una chica de States y sé que allá la gente, thugs y gangstas, la mayoría no compran discos, ni siquiera los bajan de internet algunos, se los copian. Pero claro, están los clubs y las radios, que hacen su labor. Saliendo fuera del rap eso pasa en todas las músicas, muchos se declaran fans de Lady Gaga y sólo escuchan los singles, y así con todo. La calle lo consume también. Por eso yo soy partidario del Street Album. 5 pavos por un CD original ¿para qué mierda me va a fichar BOA y poner mi CD a 15 pavos si la gente que quiero que lo escuche no va a poder comprarlo? Aún así, aquí mismamente muchos gitanos me vienen hablando de mi música y se que no han comprado el CD, lo han copiado, pero al final, no me importa, si yo fuera un artista grande, realmente me daría más pasta la clase media, pero seguiría hablando para la clase baja, paradójijo, pero es la verdad.

Mars: Entonces hablas de exito, pero veo que realmente lo que te interesa es sonar y que te escuche gente como tú.

Chris: Si hablo de éxito es por la pasta. No por otra cosa. Y claro que me fliparía comer de esto, que tengo 2000 pijos que me compran el disco y 10.000 pobres que se lo bajan, pues estaré más que feliz, y hablaré para los segundos.

Mars: Cambiando de tema ¿por qué Slash Major?

Chris: Hay varios motivos, así por orden de importancia. El primero porque es el mejor productor de España, si alguien dice que no es que no ha escuchado lo que he escuchado yo, así lo veo yo, vaya. Lo segundo porque es el que mejor se adaptaba al rollo que quería. Tercero porque ya lo conocía desde años atrás y veníamos haciendo cosas que no salieron desde el pasado. Otro motivo importante es que él realmente me ha apoyado con esta movida.

Mars: Debo decir en su favor que en tu LP hay beats suyos que son de lo mejor que le he oído. Ademas, en mi opinión, la elección de un productor (salvo el primer tema) si que incide favorablemente en el concepto y la cohesión del disco.

Chris: Pero con lo del primer tema quiero decirte algo. D.Rockz ha estado presente en la grabación de todo el disco. Él me grabó todo, aunque sólo produjo la intro y fue un guiño, es un chaval que mejora muchísimo día a día y ahora está completamente a otro nivel de eso. Sin duda en mis trabajos, sólo vas a ver esos dos productores españoles. Además en directo siempre tiene una reacción cojonuda la intro.

Mars: ¿Crees que realmente todo está en venta?

Chris: Sí, digo «si el mundo te debe algo cóbralo«. En Gotham digo «todos venden algo parece el puto cash converters» El éxito está en venta por algo muy sencillo, la frase es más profunda de lo que parece.Tú puedes venir desde abajo, no tuviste pasta para la ortodoncia, tienes tatuajes y trapicheas, no quieren estar cerca de ti… hasta que vas con la pasta por delante. Luego también se refiere a todo esto de la música que hemos hablado ¿quieres triunfar en la música en España? Compra el éxito. Pon pasta por delante y lo conseguirás. Lo de el mundo debe algo lo digo porque mucha gente nacida «pija» actúa como si el mundo les debiera algo, y por otra parte, a los pobres el mundo les debe oportunidades, así que actúa para conseguirlas y luego dale al mundo por el culo, no se si me explico. Muchas cosas están en venta. Para algunas personas todo, para mí muchas lo están, pero obviamente no todas. Es gracioso porque muchos me llaman pesetero porque siempre voy a por la pasta, pero yo hago mi pasta y no me vendo en muchas cosas por las que otros se venderían, es decir, mañana si me dices dale una paliza a un subnormal por 1000 pavos me lo voy a plantear. En mi situación actual no lo haría, porque no estoy necesitado ahora mismo, quién sabe si subes el precio… pero nunca traicionaría a alguien cercano de verdad por la pasta que sea, porque mi objetivo es hacer esa pasta anyway de aquí en un tiempo. Es más fácil de comprar la gente que sabe que nunca va a ser rica y espera una lotería, aunque parezca al revés.

Mars: Cuando naces con nada, lo quieres todo.

Chris: Efectivamente, pero para mí es mucho más vendido alguien que en vez de defender lo suyo pone una denuncia para sacar pasta que alguien que haría algo «inmoral» a gente que no le importa por defender lo suyo. Así lo veo yo.

Mars: Lo que si veo en tu Trap es una cercanía que a veces hecho de menos en muchos que van de calle en España, no hablas de riquezas a saco o el rollo gangsterVan a Delinquir me parece el ejemplo ideal de esto que comento.

Chris: Porque muchos no lo son en verdad. Todos sabemos cuanto es esto, cuanto es aquello y como se hace. Pocos saben historias como en el phone ringin’ por ejemplo. Lo que la gente no pilla es que si un rapper de USA que es auténtico habla de que está forrado es porque ahora está forrado, chequéate su primera mixtape y verás que no hablaba de lo mismo. Esta gente se piensa que se acaba forrado por hablar de estarlo.

Mars:  Quizas por eso tu disco si que me haya entrado bastante mas que otros en España con esta tematica, ya sabes que a mi usar la palabra Trap en España me da cosa.

Chris: A mí en verdad me la daba también eh. A veces me la sigue dando, pero pienso ¿voy a dejar que me vengan a «robar» algo que ellos no saben y yo aquí sabiendo de lo que va de verdad y sin subirme al carro? Pues que le jodan, me subo al carro también, aunque sea el único auténtico en él. Aunque esa idea cambia a días, a días me siento así, otros les quiero matar a todos (risas).

Mars: ¿Crees que esa cercanía de una realidad del trapicheo alejada de la figura del súper narco ayudaría a asentar géneros como el Trap en España?

Chris: Por supuesto, porque la mayoría de la gente que vende no es Pablo Escobar, así de simple. Pero bueno, muchos tan solo interpretan, para ser honesto, ni los escucho porque me pongo malo, sólo de rebote si me obligan. En verdad hablo basándome en lo que leo por twitter.

Mars: Yo ya te digo, en España yo no lo veo, y por eso tuve interés en escucharte y en hablar contigo, por saber cómo se ve esa realidad desde alguien que está dentro de ella y decide hacer Trap.

Chris: Sí, visto que no es lo común… (risas). Yo es que tío, no escucho porque si escuchara eso, empezaría a hablar mierda por twitter y acabaría esto en una guerra masiva. No quiero hacer beefs porque no quiero ser famoso por eso.

Mars: Por tanto, estamos ante un falseamiento del Trap. Peña haciendo egotrip sobre bases Trap.

Chris: Sí, pero pienso que al igual que cuando se habla de lo malo que es el rap, menos quejarse por internet y más hacer. Es decir, algo es malo, no se le da cabida y ya está, no hace falta ni hablar de ello, así lo veo yo. Aquí se empieza a destruir primero y eso está mal. Yo, por ejemplo veo páginas como hiphopactual y me parto el culo, pero me da asco que haya algo así, porque España no está preparada para eso, es solo hate. USA o Francia están construidas y se podría hacer parodias, pero aquí es la parodia por la parodia. Eso solo ridiculiza sin aportar nada. Tiene más visitas el Bertin Osborne que gente que escuchó Future por aquel entonces.

Mars: En el terreno del Dirty South en España ¿cómo ves ese aporte? ¿ves cosas bien hechas?

Chris : En su día creo que sí se hicieron cosas bien, Madrid Pimps y tal. Independientemente de mi opinión personal sobre temáticas, credibilidades o flows, pero el concepto al menos, era de gente que sabía lo que hacía. Ahora, hoy por hoy, llevo mucho tiempo sin escuchar algo de gente que detrás se sepa lo que se hace en cuanto a ese rollo.

Mars: ¿Cómo ves el público español respecto a esto?

Chris: Tengo algo grabado en la memoria cuando A$AP Rocky estaba saliendo, aquí tenía más hype de lo que tenía en USA proporcionalmente, yo discutía con peña sobre 2Chainz y Future y la peña diciendo A$AP Rocky es lo que más se descarga de USA blablabla… mirabas las descargas y «Tru Religion» tenía 2 millones, «Astronaut Status» medio millón y «LiveLoveASAP» 100,00. No digo que no me mole A$AP Rocky o que ahora no tenga muchisimo más hype en USA pero se pillan las cosas de manera equivocada en cuanto a lo que se cuece en USA. Luego al final la gente no ha avanzado como quieren hacer parecer. Se habla de muerte a la «mochila», pero los «del rollo» que más petan son los que más se parecen a la mochila, personalmente no veo diferencia entre algunos de rollo y mochileros, bueno sí, que los mochileros rapean mejor, por desgracia.

Mars: ¿Qué entiendes tu por mochileros en España?

Chris: Personalmente no tengo obsesión con los bandos ni nada porque como te he dicho en muchos casos no distingo,pero si me preguntas a que llamaría así… a toda la gente que a puesto a parir de siempre al rap que intenta parecerse al de States haciendo una movida que no se correspondía para nada con ninguno de los tipos de sonidos o temáticas del rap original. No se puede hacer flamenco en Japón, sin guitarra española, sin hablar de amoríos y navajazos y diciendo «el flamenco español no es flamenco«, es demasiado ridículo y triste también.

Mars: Dime, además de Atlanta ¿qué sueles quemar? ¿qué te influencia ahora mismo?

Chris: Personalmente soy un tio muy de mixtapes, y sobretodo de ATL, pero influenciarme ahora mismo me flipa Pusha TTravis ScottAudio Push, HitBoy, porque se que es peña que realmente hacen lo que hacen. Podría decir Kanye pero le escribe las letras esta gente así que prefiero escucharles directamente a ellos, no se si me explico (risas). También estoy volviendo a escuchar a tope cosas que escuchaba hace unos años como Scarface, 8Ball & MJG, Trick Daddy, PliesLosoStyles P es de mis favoritos también, Jadakiss, esa gente desde siempre. Volviendo a lo de ahora, Audio Push, King LosYG me mola también, me parece sencillote pero me mola lo que transmite, Nipsey Hussle, Dom Kennedy… y una larga lista que seguiría nombrando por hablar de peña actual. Escucho de todo, a mí me dices mi rapero favorito, te voy a decir Jeezy, pero si me dices el que mejor rapea del mundo para mí ahora mismo, te voy a decir Pusha T.

Mars: Jeezy y  Pusha T ¿cuánto te han influenciado ambos en tu forma de hacer Trap?

Chris: Pusha en mi forma de hacer Trap ninguna realmente, quizás en las temáticas, porque sí que es cierto que Pusha habla de droga frecuentemente. Simplemente lo que quería comentar es que aunque soy una persona que pueda estar más centrado en el sur, he escuchado cosas de otras partes, y quería diferenciar entre lo que puede ser mi favorito, por lo que puedo creer que transmite más a mí personalmente y entre lo que puedo pensar que es la polla por cuestiones técnicas. De hecho, vaya, todos vemos como las fronteras entre costas y ciudades en lo que respecta a sonidos se cruza con más facilidad cada vez sobre todo por internet.

Mars: Sin duda alguna, esto también ha contribuido al crecimiento de músicas que eran más minoritarias o géneros en USA antes solo sonaban en su zona.

Chris: Eso es, vete tú a decirle a Hawk que lo íbamos a conocer en España. Nunca lo hubiera imaginado, lástima que no lo pueda ver. Gente que de verdad es underground en States y que gracias a internet pues al final, si tienes interés…

Mars: Sí, porque salvo Madrid Pimps y otra poca peña (por ejemplo, CM Degreez), aqui el Sur se desconocia completamente.

Chris: Eso es.

Mars: Future no termina de entrarme.

Chris: Uff, hay que entenderlo, yo personalmente, Future me parece la polla. Para gustos, colores. No creas que el pive realmente usa tanto autotune en muchos temas, no es un autotune T-Pain además. Para mí el pive tiene un talentazo increíble, sobre todo porque hace falta tener los huevos cuadrados para convertir cosas que si otro las hiciera serían ridículas en cosas que son la polla, cantar con gallos etc., ya sabes, o sea, saca partido de cosas que serían defectos para otros y eso me flipa. Como te digo, Future no utiliza tanto autotune, muchas veces no es autotune, es simple recorte de graves y otros efectos, además fuera de los estribillos, en los rapeos tiene flows muy originales, que pueden parecer guapos o no, pero desde luego innovadores. Pero bueno, yo llevo mucho tiempo escuchando a Future antes de Pluto, así que le tengo el rollo pillado. Lo mismo con Trinidad Jame$, mucha gente dice que es una mierda, el pive no es que me parezca la polla técnicamente pero su concepto musical me parece innovador.

 

A partir de aquí la conversación se fue apagando poco a poco a través de referencias y gustos personales de cada uno, debates sobre algunos artistas e intercambio de ideas. Sin embargo, lo más importante se encuentra en los transcrito aquí, y que espero que haya servido para conocer el punto de vista de alguien que hace Trap en España y sus porqués.

Sólo me queda darle las gracias a Chris por la conversación, el buen trato que me ha dado y lo profesional que ha sido en todo momento. Un placer.

Conversaciones con Erik y Zar1 – El espacio como metáfora

El viernes 5 de Abril pasaron por Granada Erik Urano y Zar1 por la sala JazzClub junto a AGZ. Como ya sabéis, estuve allí para contarlo. Pero lo que no sabíais es que también caminamos, nos sentamos con ellos, tapeamos con ellos… en definitiva, estuvimos con ellos hasta el comienzo del concierto. He aquí una transcripción de las conversaciones que tuvimos durante.

Eran ya tarde cuando Erik y Zar aparecieron. Allí estábamos Vic Gee; Boogie K, al que había invitado a que se uniera a nosotros para conversar; y yo, nervioso ante mi primera entrevista. Los chicos de AGZ llevaban un rato firmando discos en la tienda Hardcore, donde habíamos quedado para charlar informalmente sobre su proyecto, el recibimiento del disco, la familia Urano y sus inquietudes. Tras las presentaciones pertinentes y las miradas de quien se conoce físicamente por primera vez, las palabras empezaron a fluir. Apoyados contra la pared y testigos de lo que acontecía dentro de la tienda con los chicos de AGZ, aprovechamos para arrancar la entrevista sin un comienzo aparente ni una pregunta al uso. Cuando me quise dar cuenta, llevábamos hablando 10 minutos y aún no había puesto la grabadora en marcha. Cosas de ser nuevo en estos campos. En esos primeros minutos se sembró la semilla de lo que sería la primera parte de nuestra conversación…

(Todas las fotos han sido realizadas por Vic Gee).

Mars: Particularmente, lo que me más me gusta de los discos es que puedas escucharlos una vez, dos, tres, y aún así puedas seguir sacándole cosas, y en vuestro disco hay varias capas de lecturas, ya no sólo en los textos, sino en el propio ámbito de las instrumentales.

Boogie K: Yo creo que con «Energía Libre» pasa mucho eso, la primera escucha te mola, la siguiente te mola más, te mola más, te mola más y empiezas a ver cosas que no veías antes.

Erik: Ya, eso nos lo han dicho la gente mucho. Nosotros también como escuchantes, también nos molan los discos que… ya sabes, hay muchos que salen, les pegas un repaso y, guay, me puede haber molado la ostia, pero como que lo que he desgranado ya ¿sabes? Me mola un poco también darle vueltas, pero que luego también eso es algo que no pensamos, simplemente, lo hacemos así, o sea que mérito no tiene ninguno, porque nosotros…

Mars: Hombre…

Erik: bueno, vale, pero como que es lo que hacemos.

Mars: Cuando te sientas a escribir, creo que ahí si que se ve un trabajo detrás.

Zar: Yo creo que si eres un tío que se toma su trabajo en serio, va a salir así, va acabar dando juego, no se… si tú te lo tomas muy en serio y eres una persona que te… yo que se… que te informas y te gusta buscarle los tres pies al gato, eso siempre se va a quedar en tu inconsciente y va a salir de esa forma, y eso es lo que le va a dar… sabes, si eres una persona que siempre busca más, te va a salir así inconscientemente.

Mars: Por ejemplo, en «Energía Libre» no parece que hubiera un concepto detrás, en un principio no parece que se dijera vamos a hacerlo así, como un LP conceptual sino que fue surgiendo ¿no?

Erik: Nada, ni de sonido ni nada.

Mars: Pero realmente al final si que subyace un concepto de la primera canción a la última o al menos yo lo entiendo así, todas se relacionan entre sí y todas tienen una historia detrás.

Erik: Sí, también fue un proceso creativo digamos, yo lo veo como un estado mental. Cuando estás escribiendo tu trabajo es una forma de darle vueltas a las cosas y al concepto entero que igual no es con otras cosas. El proyecto entero tiene muchas vueltas. Son muchos días andando por las calles escuchando ritmos, sin escribir, pensando simplemente. Yo creo que eso ya le da una forma.

Zar: Claro, no es coger… que este coja un ritmo y te lo escribo, así. Hago un tema, mañana te hago otro y venga.

Erik: Que va, muchas vueltas.

Mars: Como funcionais respecto a eso entre vosotros ¿Zar te pone una instrumental o lo creáis a la vez o te dice lo quiero así?

Erik: La forma es súper basica.

Zar: Yo hago un ritmo y pienso, este ritmo es para el Erik (risas). Se lo mando, y digo, esto le va a molar.

Boogie K: Pero eso es porque ya os conocéis, existe una química entre vosotros.

Erik: Si, nosotros antes de Urano Players teníamos un grupo que se llamaba Subversos, y antes también de eso incluso éramos un colectivo de chavales de ahí de nuestro pueblo de Valladolid y…

Zar: Cuando eramos unos críos, vamos, teníamos 15 o 16 años.

Erik: Y aparte nos conocemos del colegio también y de nuestro barrio. Urano Players son de Valladolid excepto nosotros que somos de un pueblo, bueno, y el Porre también. Nosotros nos conocemos de toda la vida. Llevamos juntos haciendo música como 10 años…

Zar: 10 años, nuestras bodas de… (risas)

Erik: Diez años de directo, pero de música algo más.

Zar: Eso, digo, esto al Erik le va a molar, fijo que le mola este ritmo, y yo se lo mando. Y casi siempre es así. Básicamente siempre es así. Por ejemplo en UFO, es la única que no fue así. Con UFO le mandé un ritmo y escribió la letra y a mi no me convencía mucho y sobre la letra hice el ritmo.

Erik: Y le dio la vuelta totalmente.

Zar: Y no era nada así, era un tema súper duro y tal…

Erik: Eso es un principio a mi me jode porque claro e hago una letra sobre un ritmo y luego no me la imagino en otro ritmo. Pero claro, luego la escuchas y te olvidas, joder macho, queda ahí de puta madre.

Mars: Ahí se notan los años de matrimonio ¿no? Los años juntos…

Zar: Claro, claro. Yo se lo que le va a molar.

Erik: Igual para los directos. Todos muy intuitivo.

Mars: Aún estando en los Urano, está claro que entre vosotros dos hay algo especial, no se, ese rollo dupla que tan buen resultado le ha dado al rap entre Dj/Productor y MC tipo Gangstarr, Eric B & Rakim

Zar: Hombre, es el formato del rap, el básico.

Mars: Sí, pero hay gente que no encaja, los ves y no cuadra. No se, a Guru lo tienes que escuchar sobre Premier y sino no es lo mismo. Y, no se, me pasa lo mismo con Erik, escucharlo sobre otra gente se me haría extraño, como que el colchón ideal es Zar (Erik asiente). Los Urano teneis más o menos el mismo rollo, cada uno con su estilo, pero al final, os conocéis de siempre, y eso os da un colectivo bastante coherente.

Erik: Eso es así totalmente. Y aún dentro de eso, pues con él (señala a Zar), todavía más.

Mars: A eso me refería. Esa unión. Yo creo que de ahí pueden salir todavía más… porque es el primero que sacáis y es lógico pensar que el siguiente siempre se haga mejor…

Erik y Zar: Esperemos, porque vamos… (risas).

Erik: Bueno, eso es una rallada ¿eh? Ahora por ejemplo que estamos metidos en ello, más o menos acabando lo que es el proceso creativo de músicas y letras… porque claro… (risas)

Zar: Hombre no es que nos rallemos pero si que tienes ahí el pensamiento, joder, el disco ha molado ¿sabes? a ver si va a pasar ahora como con muchos, que molaban sus primeros discos y el segundo es una mierda.

Erik: Claro, como nos ha pasado con nosotros con cualquier grupo que te ha molado, que han ido a menos.

Mars: Yo lo llamo el complejo Nas. (Risas). Sacas el primero disco y dices ¿ahora qué hago? ¿me retiro?

Zar: El ejemplo de Nas tiene delito.

Mars: Hay ejemplos contrarios, como el primero de Gangstarr, que bueno, no es un mal disco, pero comparado con los siguientes, es como… no está a la altura. Aunque con vuestro disco es el caso contrario, ha gustado bastante y ha recibido buenas criticas.

Boogie K: Igual también es porque tiene una identidad propia. Yo por ejemplo, os conocí a través del recopilatorio de «Ama la Música» para Chema AMA y me flipó bastante, me molaba un montón y luego un colega me enseñó el «Voyagers» y ya… un rollo muy propio que mola un montonazo y luego ves que se mantiene una atmósfera en general en vuestro rollo… coño, sois colegas y es normal, pero lo vuestro… tiene un rollo distinto.

Zar: Sí, sí. Tiene su identidad. Está claro.

Boogie K: Además con el sonido tan homogéneo que hay hoy en día es una cosa muy a destacar, porque si logras diferenciar un poquito, es un punto positivo.

Erik: Ese es el rollo Urano, sacar ahí todavía más piezas que difieran…

Zar: Más ramas todavía.

Mars: Yo me alegro mucho que haya funcionado. Hay gente produciendo cosas muy guapas tipo Niño o Mweslee y se han tenido que buscar las habichuelas fuera o funcionan mejor fuera porque aquí… dentro de la escena no los conoce nadie y son músicos magníficos y me alegra mucho que ese rollo más…

Zar: Claro, también, en el rap, es más fácil que llegue ese rollo.

Erik: Por ejemplo, que me hablas de Mweslee o Niño, que me parecen músicos de la ostia, ¿sabes? pero claro, la mentalidad también en España o del público, eso no lo llega a asimilar del todo y mira que hay una escena sólida y, joder, desde hace unos cuantos años ya.

Mars: Si, además, con el rollo noventas que hay ahora, que cuajen cosas distintas como lo vuestro desde luego es complicado.

Zar: Hay que tener en cuenta que lo que hacen Mweslee o Niño en otros países sigue siendo un género muy minoritario.

Erik: Como para encima triunfar en España.

Zar: Lo que no entiendo es que el dentro del rap no cale más eso, no deja de seguir teniendo la puta raíz.

Erik: Es que es eso.

Mars: Cuando os escuché por primera vez automáticamente pensé en la escena beat angelina: Ras G, Daedalus, Flying Lotus, Dabrye… esta gente seguro que bebe de aquí. Es algo que está dentro, además funcionando, toda la escena beat angelina funciona muy bien, incluso a nivel económico. Es decir, están dentro del sistema, y por eso me extrañan esas reacciones.

Erik: Todos los que has nombrado, El-P, Cannibal OX, toda esa gente nos influencia. Lo que pasa es que parece que lo intentan alejar del rap y claro es como que te quedas…

Zar: De hecho son discos, que, los tengo en el ordenador en la carpeta rap. Discos de Flying Lotus que tengo en mp3 los tengo metidos en la carpeta rap. Para mi es hip hop, no rap, hip hop. Son gente que produce con mentalidad hip hop. Y puede estar haciendo un tema de techno pero es un tío que tiene mentalidad hip hop.

Erik: Totalmente. Yo que se, Dabrye es un concepto súper raro.

Zar: Y luego que el tío es un productor de techno.

Erik: Y nosotros también la mentalidad que tenemos a la hora de hacerlo es rap. La gente dice ahí rollo electrónico, pero la mentalidad es rap.

Boogie K: A mi me suena muy orgánico. Es algo característico vuestro, o a mi me lo parece. Música muy orgánica. El rollo electrónico no lo veo frío. Aunque muchas cosas suenen o vayan con ese idea electrónica, me parece algo que transciende a lo que puedes decir malo de la música electrónica. Normalmente, se usa eso en su contra y yo no lo veo así.

Erik: Además, la música electrónica está super estigmatizada en España. Siempre se ha asociado con los raveros, bakalao. A lo que hemos llamado toda la vida bakalao. Y no es así. Cuando en realidad es un sector súper bonito, mira las ramificaciones que han salido en 30-40 años.

Mars: Continuando con lo de orgánico, a mi me parece que vuestra música es rugosa, no es fría. Tienen ese toque funk, tienen raíces negras. Suena negro. La peña se olvida de que el Detroit Techno lo hicieron negros.

Zar: La música negra, hombre el techno de Berlín no, pero el techno de Detroit es música negra auténtica. Mucha gente venía del rap. No se si Jeff Mills era, que venía del rap, que era Dj de rap. Al final viene todo de lo mismo, las frases que escuchas en muchos discos de techno son de discos de rap en los 80.

Erik: O el electro tío, para bailar break.

Zar: O Afrika Bambataa. Afrika Bambataa qué coño era, puto electro. Y era negro. Era electro ahí… funky.

Boogie K: La influencia Parliament, Funkadelic

Erik: Claro, claro. Es que en el fondo toda la música era negra. Fueron los primeros en muchas cosas.

Zar: Afrika Bambataa además estaba super influenciado por las visiones futuristas de Sun Ra, Parliament y George Clinton. Ese rollo, ahí, futurista, negro.

Mars: Exacto. El afrofuturismo, que parte de Sun Ra básicamente para extenderse entre todas las músicas negras, llegando a enlazar incluso con vuestro trabajo . Aunque el afrofuturismo es más optimista en cierto sentido porque fue una vía de escape de los negros hacia el futuro para crear otra realidad distinta. Pero al final, la ciencia ficción aparece en la música negra. La raíz aparece. Todo Parliament, Bambataa, las pintas de todos ellos, el rollo retrofuturista… todo es raíz de gran cantidad de música negra en los últimos 30 años.

Zar: Claro, o las pintas de Rammelzee con las tres gafas tío (risas).

Mars: Siempre ha estado ese poso de ciencia ficción. La ciencia ficción es una excusa para huir hacia adelante, negativa o positiva. Por tanto, cualquier tipo de clase oprimida o desarraigada puede hacer uso de ella. Y claro, luego ves a la gente que te catalogan como no rap, o ¿es rap lo qué hacen? No se, a mi me extraña. Que pasa, si no hay boom bap o un sampler ya no…

Erik: Y la peña espera también un sonido muy determinado.

Zar: La comodidad. Tiene el oído acomodado. No me des nada diferente. Les sacas de ahí y todo les chirría.

Erik: Educar el oído. La primera vez que escuche a El-P pues claro, ostia, te choca. Dices esto es la polla, pero claro, a la vez decía, joder escucharme el disco entero… Son cosas también de ir educando tu oído a otras cosas. Hay músicas que con los años la he disfrutado mucho más.

Zar: Eso pasa con cualquier música al fin y al cabo. No solo en el rap.

Mars: Tiene un poco que ver lo que hablábamos antes. Quien investiga, al final, siempre quiere saber más, educa el oído, quiere escuchar más. Luego hay cosas que no te entran, la primera que lo escuchas o las siguientes. Pero eso no significa que sea malo, o bueno, sino que tienes que educar tu oído para encontrar la diferencia entre lo que es bueno o malo, y luego ya, haces lo que quieras, te gustará o no. En cierta manera, la gente que investiga, siempre encontrará algo. Incluso en vuestro caso, incluso para servir de raíz u origen de que peña investigue. Ya no quedarte solo en el boom bap. Que, ojo, quien quiera quedarse ahí me parece estupendo.

Erik: Además nuestra mentalidad es boom bap.

Zar: Más boom bap que yo no hay nadie tío. Yo soy el primero que soy el más boom bap.

Mars: Incluso hay quien dice que la evolución del boom bap ha sido un poco esa ¿no? Desde los golden years hasta la escena beat angelina.

Erik: Claro tío. Además se trata de ser original. El hip hop desde el principio es ser original, darle una vuelta de tuerca a las cosas. La peña esta muy acomodada en hacer lo que hace este porque le ha ido muy bien y quiero que me vaya guay.

Zar: O me mola mucho lo que hace y voy a hacerlo igual.

Erik: Que a todo el mundo le pasa al principio. El ser humano es copiar, es imitar. Pero tienes que desarrollar tu capacidad crítica, ese punto de vista crítico contigo mismo y decir, joder…

Zar: O darte cuenta joder, me parezco mucho a este tío. Intenta hacer otra cosa.

Erik: Hay gente que no se como no le da vergüenza. Pero bueno tío…

Zar: Joder, si soy Kase O (risas).

Erik: Antes era Kase O y ahora le toca a Kase O y a otros nuevos.

Mars: CB Click, MDE, incluso AGZ

Erik: O N-Y tío ¿sabes?

Mars: Ahora son todos musulmanes.

Erik: Algunos habrán dejado de comer cerdo porque lo ha dicho N-Y y tienen ni puta idea de por qué.

Zar: Todos con el Corán ahí en su casa.

Mars: Además el culpable no es N-Y.

Zar: No, claro que no. El culpable es el público o el querer ser real. Igual uno quiere ser real porque N-Y habla del Islam y otro quiere ser real porque otro habla de unas zapas y se compra las mismas zapatillas.

Erik: Como antaño te emborrachabas en una cantina o yo que se. Lo peor de eso es que la peña así desgasta las cosas. Sale algo interesante y toda la peña empieza a quemarlo a saco. No de quemarlo de escucharlo, sino de imitarlo, de fundirlo.

Mars: Hablaba antes con Boogie K precisamente de eso. Que él, por ejemplo ,que cuando algo tiene hype no puede escucharlo, estás hasta la polla del hype, que te pones una barrera delante y no puedes, te dices, paso de este tío. Que no.

Zar: A mí me ha pasado.

Boogie K: Luego estaba equivocado, luego resulta que en muchos casos el hype era merecido. Me he quedado sin escuchar a mucha gente buena durante un tiempo.

Zar: A mi por ejemplo… cuando salió el A$AP Rocky. Salió y toda la peña loca. Y bueno, yo lo escuchaba y decía, bueno, el A$AP Rocky, este tema está guay, vale. Pero ya está. ¿Ahora qué ha pasado? Que está haciendo unas ridiculeces dignas de un tío que ha tenido un hype que no se merecía con una puta mixtape.

Mars: A mí me mola. A mí me mola (risas).

Erik: A mí también hay cosas que me molan de él.

Mars: A tí te mola más Aesop Rock que te lo he visto en twitter (más risas).

Mars: Quizás el problema es darle 3 millones de pavos a un tío con una sola mixtape.

Zar: Y ahí le tienes, ya va de… Lo que hay que hacer es, este tío ha sacado una mixtape que está interesante. Vale, me parece muy bien. Espérate a que saque dos discos o tres para decir: el puto A$AP Rocky.

Erik: Eso es lo que te decía, es culpa de la gente. Sale A$AP con un tema o un vídeo. Como pasó con el Tyler con el Yonkers. Un puto vídeo y ya la peña te lo pone como el artista del siglo cuando antaño tenías que sacar un disco entero que mereciera la pena de principio a fin.

Mars: Y que se comiera a los que habían salido anteriormente.

Erik: Completamente.

Zar: ¿Qué paso con el Tyler? Mucho hype y luego sacó un disco que a mí me parece una patata.

Erik: O con A$AP Rocky, que hay temas que me molan y otros temas nada. Y yo valoro mucho que un disco haya una línea, un mínimo de calidad en todos los temas. Como por ejemplo, en el disco, salta el primer tema que me flipa, y luego tres temas más allá un tema horrible. Tío, que me estas contando.

Zar: Yo no se quien le ha contratado. Me imagino que si le pones tanta pasta, lo que quieres es más. Que guay, como va, las pintas, va a la última moda. Su imagen es un producto. Su imagen es puro marketing.

Erik: Y que se le permite hacer el ridículo.

Mars: El tema del hype  con toda esta gente, los de Odd Future o los de A$AP, tenemos al Ferg que se come a Rocky por todos los sitios y al Earl o los Domo por el otro lado, y casi todos los demás no son más que “backseat motherfuckers” que no sirven ni de aguador. Y al final es el Rocky o el Tyler los que están ahí todo el día y te los tienes que comer.

Erik: LeÍste lo del blog de Ghostface ¿eh? (Risas).

Mars: Gente que está contigo y que no valen para nada. Hombre, yo entiendo que quieras sacar a tus colegas, pero tío… hay colectivos súper potentes y otros que madre mía. Al final es todo un hype, una mentira. Puro product placement. Ya sabéis el rumor de que los OFWGKTA son cosa de Supreme directamente y vete tú a saber, porque tal y como funciona el sistema…

Erik: Claro, si es que no es nada raro, no es nada raro con la de millones que manejan.

Mars: Estos chavales me molan, les pongo la ropita y a vender Supreme…

Zar: Claro, y tengo un anuncio en cada vídeo que hagan.

Mars: Exactamente.

Mars: Aquí lo vemos menos, el hype parece más que en los artistas o en los sellos, va entre el propio público que va creando la burbuja, ahora esto, ahora lo otro, ahora el boom bap. Antes ya había gente haciendo boom bap de gran calidad pero hasta que el hype y la modita llegó como que…

Erik: Nadie se fijó en Perros Callejeros.

Mars: O en Chinatown. O toda la peña de Santander que siempre han sido súper estrictos.

Zar: Y era muy feo antes. Ahora mola mucho.

Mars: O Gamberros Pro. En 2007 hablar de esta peña era un estigma y un tabú.

Erik: Además al final el tiempo pone a todo el mundo en su lugar. Miran donde están ellos ahora, y donde están los que criticaban o se reían de ellos. Vistiendo como ellos, o colaborando con peña a la que criticaban hace cuatro días ¿sabes? Al final se les ve el plumero a todos.

Zar: O cantando para niños de 15 años. Esto da una visión de la madurez…

Mars: Del público.

Zar: Y del artista. De la madurez… o de la sinvergonzonería, de ser un jeta, hablando claro.

Llega el momento del fin de la firma de discos. La gente de AGZ sale de la tienda y se acercan Antón y Fabianni. Nos presentamos y decidimos contar la conversación por unos minutos. La gente tiene hambre, nosotros también. La responsabilidad recae sobre nosotros siendo de Granada. Boogie K dice Calle Elvira y nos parece bien. No está lejos de la JazzClub. Por el camino, a Vicky se le ilumina la bombilla y nos comenta que mejor la calle Navas. Cierto, la calle Navas está bastante bien. Los Diamantes dice un hombre que nos acompaña y que también es granadino. Decidido entonces, toca tapear en Los Diamantes.

Una vez allí, y tras dar varias vueltas (todo estaba a rebosar), nos metemos en el callejón trasero del bar. Pedimos y la conversación vuelve a fluir. De nuevo, llego tarde y enciendo la grabadora cuando llevamos unos pocos minutos hablando. La temática, la tendencia a ser real, la discusión en torno a la importancia de ser real en el rap:

Erik: Está de moda ser calle y hablar de calle en los rapeos. Si alguien sale hablando de algo distinto a eso ya le catalogan como no real. Bueno, más que eso, como que… para ser real hay que hablar de calle, y luego a la vez es ridículo, porque… no hay nada más rap que hablar de calle, quiero decir, que en el fondo, el rap es hablar de la calle, por lo menos desde el punto de vista de la calle. La peña tiene como muy conceptuado hablar de eso, de aparentar de que su colega es el que más vende y es que el más se pone.

Mars: Y entonces se produce ese enfrentamiento entre lo que realmente eres, y lo que realmente vendes. Porque claro, si en el fondo, si tú no eres calle, o esa calle -que no es ni de lejos toda la calle- esos chavales se piensan, coño, es que no soy real, tengo que ser calle.

Erik: Claro, eso le pasará a muchos chavales. Que acabarán de salir del instituto y no se han comido ni dos gramos y te están hablando de kilos ¿sabes? Es un poco gracioso. Como antes, yo que se, ha habido otras épocas en las que tenías que hablar de violar viejas o de beber la ostia… A ver Zar, acercate que a ti este rollo te mola.

Se acerca Zar1 para unirse a nosotros cerveza en mano. Fabianni anda cerca con el oído atento. Más adelante se unirá a nosotros unos minutos.

Mars: Le contaba que querer ser real, o lo que te venden por real, al final capa a mucha gente. El tópico del rapero que produce esa distancia o ese enfrentamiento entre lo que eres tú como persona y lo que se supone que debes de ser y al final es algo así como ¿dónde encajas?

Zar: El miedo a no ser real. Hay gente como que tiene miedo a no ser real. Lo ves por ejemplo con el rollo de las pintas. Ahora para ser real hay que llevar un Lacoste, unas Air Max…hace cuatro años había que ir de ancho… A mí me han dicho con 16 años que no era rapero por no llevar pantalones anchos ¿sabes? O cosas así. Eso es una cosa que yo no se por ahí fuera, pero aquí en España es algo sectario. O me acuerdo de escuchar a Daft Punk o los Chemical Brothers y me decían que era un bakala. Siempre ha habido una mentalidad ahí…yo no se… los primeros que… no se quien metió aquí esa mentalidad cerrada que aún hoy se sigue arrastrando. De otra manera y con otras cosas, pero se sigue arrastrando. Lo principal es ser real, pero ser real como persona, una persona real.Al fin y al cabo son bobadas. Real, si tienes coherencia eres real y punto, no por escuchar una cosa o ponerte otra.

Mars: Sobre todo el rollo de cambiar tu personalidad por encajar en el prototipo.

Zar: Eso es tío. De hacer o decir, o de actuar de ciertas maneras para que digan que eres real. Además de que es lo menos real que hay, ese comportamiento.

Erik: Como dice el Manto, “por decir que eres real, no eres más real” y la peña tira mucho de ello, de yo soy real, soy real.

Mars: El problema de ser real también es que cuando tú ves esa imagen que te venden y cuando tú confrontas quien eres con lo que es ser real en el rap produce esa sensación de… no soy real porque soy distinto, y claro, al final o cambias tu personalidad o no encajas. Tampoco puedes estar preocupándote y cambiando el como eres por cumplir un prototipo, que como tal, es construido. Si no eres calle, no eres calle y punto. Es como el género ¿no? Que te venden una forma de ser del macho que has de ser así y así, y si no te comportas como tal ya no eres un hombre. Es todo una mentira, es todo inventado.

Erik: Sí, sí, sí. Totalmente.

Zar: Vamos a ver, si eres universitario y tus padres viven bien y nunca te ha faltado de nada, no digas que eres calle por tratar de ser real. Por poner un ejemplo. Son cosas absurdas. No vas a ser más real por decir que eres calle o por decir que eres universitario.

Fabianni: Al final lo que hay que hacer, es no decir lo que no eres. Ser real es estar agusto contigo mismo.

Zar: Ser la persona que tú eres, eso es ser real.

Mars: El dilema es, si no eres como el prototipo del rap. ¿Puedes hacer rap? Si no tienes street cred, calle…  lo típico.

Fabianni: En España, ¿quién es el prototipo de rap que realmente es por como se empezó la calle en el rap? ¿quién lo es en España? ¿se puede hacer rap en España? A lo mejor esa es la cuestión ¿se puede hacer flamenco en China? Es que es lo de siempre…

Mars: Entonces, ¿se puede juzgar a un artista porque no tenga esa credibilidad?

Erik: Porque no la tenga no. Porque diga que la tenga y luego no sea verdad. Que vayas hablando de gramos cuando es mentira. Yo que se, te voy a poner un ejemplo que hablábamos antes. Elphomega. Un pavo que siempre me ha molado y nunca ha tenido que ir diciendo nada más allá. Habrá dado referencias de cómics, de pelis, pues de su vida. Como otros tantos. Como al igual que aquel que se ha criado en las calles, pues te hablará de ello.

Fabianni: La historia es que, el rap parece ser el único mundo en el que pasa eso. A lo mejor que estoy yo en él y lo veo así… No se, hay que centrarse más en la música y no en la persona.

Mars: Ahí es donde quería llegar yo. Un heavy, por ejemplo, tiene su música, y luego tiene su vida.

Zar: Puede ser un tío con el pelo corto y que va de traje.

Mars: Cada uno de su padre y de su madre además. En el rap parece que a todas horas tienes que continuar o reflejar como un mito, que en el fondo no es mas que una construcción. Esta el caso de Mobb Deep que no eran nada de lo que decían, Nas tampoco, Biggie tampoco… Al final te están contando unas movidas que lo hacen es contar crónicas de otras vidas, de las que han podido ser testigos o no, pero es ficción basada en, pero ficción, no un documental. O el caso extremo de Rick Ross que se le ha metido caña a muerte con todo lo de ser CO… y yo considero que, si eres bueno en lo que haces, mejor que muchos, si eres bueno retratando una realidad, que no tienes porque ser la tuya, pero la conoces ¿por qué te tienen qué criticar? Nas era el pringao del grupo, que pasa ¿convierte eso a «Illmatic» en un disco menos impresionante?

Erik: Volvemos a lo de siempre. El que más gramos esté vendiendo, el que más esté por las calles, lo último de lo que se va a preocupar es de escribir un tema y vender un LP, o de ser real.

Boogie K: Es que ni siquiera hace falta apelar a la realidad. MF Doom es un alter-ego por ejemplo. Madlib tiene un montón de nombres.

Erik: Hay gente que presume de ciertas cosas que luego no son. Otra cosa es que tú me cuentes una crónica de tu vida y de lo que ves.

Zar: Lo que estaba diciendo de MF Doom, o Quasimoto. Quasimoto es una cosa totalmente ficticia. Que no es real eso y es rap.

Boogie K: Es que puedes hacer ficción directamente.

Mars: Ya en 2013 este estigma es ya pesado. Tenemos el ejemplo de Kendrick Lamar que lo ha roto definitivamente. Joder, soy de Compton pero no soy calle, no soy MC Eiht. He nacido en el lugar equivocado con el prototipo equivocado que no encaja conmigo. Peer Pressure lo resume perfectamente. Estoy con los colegas, pero realmente no soy así. Kendrick ha llegado y ha sacado un disco que es 100% rap desde el principio hasta el final y el chaval habla de sus emociones y no habla de sacar las pistolitas. Refleja la realidad de su barrio pero no va de G-Life ni de Thug Life

Erik: Por lo que yo he visto de él, tampoco es una persona que vaya de ello tampoco. El problema sería ese, ir de lo que no eres.

Mars: Pero por ejemplo, Rick Ross, él puede ir de lo que quiera. Lo que si está claro es que transmite muy bien una realidad que existe. Hasta que punto en el rap, porque en otras músicas no pasa, eso se puede respetar o no, ya no Rick Ross, sino cualquiera. No se, si eres capaz de reflejar una realidad, con calidad ¿por qué se te juzga de esa manera? Si al final lo que estás haciendo es contar algo, dar voz a gente o realidades, que de otra manera, no tendrían los medios o la atención para ello.

Zar: Al fin y al cabo no deja de ser como un tema de storytelling, igual que el que se escribe una letra hablando de yo que se, la parafernalia que se ha montado en la cabeza y te lo cuenta, y sabes, eso no es una cosa real, no real… joder (se empieza a reír). Es que es un jaleo esto… (risas) Es una cosa tan ridícula lo de ser real.

Fabianni: Lo más sencillo yo creo que es, no juzgar. No andar escuchando algo y juzgando ya a la persona que lo ha hecho, sino que si te gusta, te gusta, y si no, pues no te gusta. Juzga a la música y punto. No tienes que estar pensando si lo que esta contando es verdad o mentira, porque sino se convierte esto en un marujeo…

Erik: Todo se reduce a eso. Ya aquí en España me ha flipado gente que está hablando de disparar armas, que a lo mejor no las han disparado, y es que me suda la polla si las han disparado o no.

Zar: Me mola como lo dicen y punto.

Mars: A eso voy. En mi caso, aunque con mis dudas ya que es un tema que me interesa mucho,  he llegado a un punto en el que juzgo al artista y no a la persona. En primer lugar porque no me creo nada de los raperos. En segundo lugar porque yo a la persona, no la conozco, como para andar juzgándola. Me da igual si quien cuenta eso no lo ha vivido, mientras refleje esa realidad de forma fehaciente, lo demás me suda la polla. En el fondo, esta persona es un artista y se quiere ganar la vida haciendo música. Juzguemos la música.

Zar: Luego tampoco te intentan vender que esa es su vida.

Mars: O incluso si te la venden, tipo Biggie y luego resulta que es mentira. Si son capaces de transmitir, de narrar, de ser cronistas de un ambiente que conocen y que han convivido con él, o no, sigo sin ver el problema. Y fíjate Biggie, es un tío que para la música rap es lo que es.

Erik: Vamos a lo mismo. Me da igual lo que viviera o no. La movida me flipa y me da igual.

Mars: Hay una frase de Krumbsnatcha en Make Em Pay de Gang Starr que dice “Somethin ain’t right, to be an MC, you gotta thug or to thug you gotta be an MC, this shit is bugged” . Lo mismo el thug no tiene el nivel, o no ha puesto la investigación o los estudios suficientes para hacer buen rap, que los hay; o el rapero tiene porque cumplir al 100% el cred, que los hay también. Krumbsnatcha se ríe de esto con tristeza, es un poco como, bueno, si al final lo que venimos a traer aquí es más knowledge que otra cosa.

Zar: es lo que dijo Chuck D, la CNN del ghetto. Verlo y contarlo.

Mars: O el propio Ice T con «Home Invasion». ¿Por qué? ¿por qué lo llamó así? Home Invasion es cuando te cuelas en la casa de alguien a robar, pero Ice T no se cuela físicamente en una casa, no vacila de colarse en ninguna casa a robar. Se cuela a través de la música en las cabezas de los adolescentes blancos. Que mejor forma de reflejar una realidad que es veraz, y que se ignora, al enemigo, que colándote en todos los equipos de sus hijos. Hay esa contradicción de música del ghetto, no del ghetto, que si la consumen blancos de clase media… al final, es como dice Zar, es todo tan ridículo y ya no se donde colocar la vara de medir.

Zar: Es que están todo el día preocupados por eso, en vez de preocuparse de otras cosas. No tienen que estar preocupados. Se tú mismo y ya está, así vas a a ser real.

Erik: La peña pierde el tiempo definiéndose y hablando de ser real o no se real en vez de hacer música. Que es lo que mola.

Mars: Además, tambien pienso yo, ahora aquí en España todo el mundo quiere ser o parecer calle, y cuando miras a Estados Unidos te das cuenta de que hay un tanto por ciento de peña que es calle, que lleva ese rollo, pero luego hay también otro tanto por ciento de rap indie, de rap mainstream no calle, underground no calle, hay rap no se que… y todo el dilema que hay aquí al final como que es completamente ficticio ¿no? Aquello que hablabas antes del público burbuja, todo muy local.

Zar: Claro, claro. Ahora parece que todo el mundo aquí en España tiene que hablar de calle y sonar a determinada cosa…

Erik: Todos tienen colegas que venden la ostia…

Boogie K: todo el mundo tiene el Cuban Linx.

Mars: Y seguramente ni el mismo Raekwon haya vivido todas esas cosas que cuenta en el disco. El disco está planteado como un film, es ficción.

Zar: Es el rollo de reflejarlo ¿sabes? Verlo y contarlo.

Boogie K: Es que no es necesario vivirlo, está claro. Sino cómo contarlo.

Zar: Al menos conocerlo. Yo por ejemplo, no puedo hablarte en un tema de Harlem, o no me puedo hacer un tema hablando de… de las Barranquillas porque no he estado nunca.

Boogie K: O hablarás de tu Harlem, el que conoces tú si acaso.

Mars: Está la cosa irrisoria de que te quieren vender la calle como algo excluyente cuando cualquiera que se haya criado en un barrio o en un pueblo de toda la vida, con su clase media y su clase baja ha visto de todo y no se extraña. Y esta gente te lo vende como algo especial el mercadear o el ser testigo de ello.

Fabianni: Ya, no te hace falta irte a ningún lado para ver esas cosas.

Erik: En realidad, cualquiera que esté en un nivel de vida alto, ahí…ahí verás más niveles de droga que en otros sitios. Mira el Afflelou, 700 kilos en un avión. ¿Cuántos camellos en la calle van a meter 700 kilos en un avión?

Zar: El más real de todo es Alain Afflelou (risas).

Erik: Se asocia todo lo de la droga a las clases bajas ¿sabes? Y está en todas las capas.

Zar: Es un problema de que la gente no sabe interpretarlo. La gente, pues eso, escucha el «Cuban Linx» o cualquier disco que hable de esas temáticas y se cree, volviendo a lo de ser real, que para ser real tiene que hablar de eso, y que has tenido que vivirlo y no se que… No, es un disco que te está hablando de eso, o un tema que te está hablando de eso, y ya está, porque es una realidad que hay ¿sabes? También podemos hablar de cualquier otra realidad.

Erik: Por lo menos desde el punto de vista de las calles, de lo cotidiano, la gente de a pie, sus vidas.

Mars: Conforme maduras y cumples años te apetece escuchar gente que hable precisamente de esa cotidianeidad, de pagar facturas, que no tengan ese mundo ficticio de narcos, sino que te cuenten simplemente “mira, no llego a fin de mes y me tengo que buscar la vida” y, más calle que eso, saber que todos los días tienes que salir a la calle a buscarte la vida, con un trabajo de mierda, en un sistema de mierda, oye, pues son cojones también los que hay que tener.

Boogie K: «Energía Libre» tiene muchas cosas así. Muchas cosas que representan eso, rollo “el bozal de la escuela”, que me parece una pasada de frase, muy certera. Y cosas así hay un montón. Lo cotidiano, si aparte de que te guste, te representa, ya… ya está más arriba el disco en tu escala.

Mars: Si, el rollo de la ciencia ficción o el espacio, usarlo como metáforas futuristas.

Erik: Distopías.

Mars: Como metáfora del día a día que vives como persona corriente.

Boogie K: Una cosa que me parece muy curiosa del «Voyager’s Rock» es que ninguno de vosotros dice nunca vuestro nombre, en ningún momento. Te choca mucho, es como ¿quién es quién? Se diluye.

Erik: Ya te digo, no había caído yo en eso.

Boogie K: El yo, yo, yo, yo no está.

Erik: Con Urano nos pasó mucho que la gente nos confundía. A pesar de que yo creo que no nos parecemos. Es verdad que cuando entras a ello no hay quien se identifique bien.

Zar: Con Urano ni siquiera hicimos ningún vídeo siquiera.

Erik: Sí, sí. Nada de nada.

Mars: El egotrip en vuestro caso está muy muy ausente. Funciona más como una representación, una representación de pensamientos que tenéis en vuestra cabeza. Me hago un tema de lo que veo y utilizo la referencia, el name droppin’, como analogía de lo que ves, y que funciona muy bien. Por ahí si que hay una cotidianeidad del que vive el día a día del sistema capitalista y desde la calle sin necesidad de egos subidos o mentiras.

Zar: Yo lo veo… las letras las veo como un reflejo de la vida que puede tener cualquiera, cualquier persona.

Erik: Luego al final todos somos lo mismo. Nos parecemos entre todos. Hay cosas cotidianas que son universales.

Boogie K: El Gadget del Milenio es un tema que representa a un montonazo de gente y creo que es por eso que comenta Erik. Luego hay temas como Burbujas o Glucosa en los que se nota la versatilidad de peña que lleva tiempo haciendo estas cosas. Partir de una idea y estirarla para sacarle mucho jugo, no es tan fácil.

Erik: Eso me gusta mucho. Porque también es una movida que cuando yo he escuchado discos me ha molado mucho. La típica palabra, o concepto y desarrollar todo un tema a través de eso. En Burbujas, el tema no habla de burbujas, pero se juega con todo el trasfondo del tema con eso. Asociar ideas. También es una movida un poco difusa. No me gusta ser muy claro, masticado, o llamar o titular a un tema X y que vaya de X. No me gusta tampoco.

Boogie K: Así se da juego a la interpretación. Enriquece mucho. Pensar que hiciste las cosas de una manera o con una intención y que luega te venga otra persona y te diga “eh, me encanta tu idea de tal y cual” y te quedas pensando si no lo hice así, pero guay.

Erik: Me gusta eso que me has dicho, porque nos ha pasado.

Zar: La gente saca su lectura, según su vida o lo que le haya podido parecer en ese momento.

Erik: Y más con frases ahí… tan abstractas. Nos ha venido peña preguntando, «oye ¿con esta frase querías decir esto?» Pues… no ¿sabes? Pero joder, me parece muy interesante. Me mola en ese sentido la percepción que has tenido de ello.

Boogie K: El tema de las referencias funciona muy bien porque van más allá de mencionar algo que te gusta para darle un sentido más profundo.

Erik: Últimamente se abusa mucho del name droppin’.

Zar: Gratuito. De decir nombres como…venga, ahora digo tal y quedo súper rapper.

Erik: Soy negro como Pac, soy gordo como Biggie. Pues no. Dale un poco la vuelta a la metáfora.

Zar: Al final lo que estás haciendo es una cosa súper vacía, súper facilona. De otra manera, pero estás haciendo lo mismo que criticabas de otros rollos de rap.

Erik: Name droppin’ de Wikipedia.

Mars: Sí, cuentame algo que no sepa. Es como decir fútbol como Messi ¡No me jodas! (risas).

Mars: En «Energía Libre» hay muchos como, como tal, como X. Sin embargo, se usa como punto de partida, como trampolín. Si encima conoces a quien nombras, como me pasa con Elphomega, pues despiertas además una sonrisa cómplice.

Erik: Eso es la hostia.

Boogie K: Aprendes un montón. Con Elphomega por ejemplo, yo no tenía ni idea de quien era Nick Drake y cuando lo escuché dije, joder, voy a investigar. Y también me pasa con vosotros.

Erik: Descubrir. A mi me parece muy mágico lo de las referencias. El toparte con un día…no se quien decirte, pero me ha pasado de alguien que nombra algo y luego te ves la peli en la que sale ese algo y dices, que bueno ¿sabes?

Boogie K: Como aquello de “vivo al lado del aeropuerto como Ray Liotta”. No tenía ni idea. Yo repetía la frase pero cuando vi la película fue, joder, que guapo.

Mars: Eso es un buen ejemplo de name droppin’. Puedes decir coca como Ray Liotta. Vamos a ver, que todo el mundo ha visto «Goodfellas», no has descubierto América. En el caso de Elphomega o el vuestro es más una herramienta, para enriquecer todavía más el texto. Me acuerdo ahora del “Shadows” de Chirie Vegas también, cuando menciona a Tartovsky, o a Andréi Rubliov y sus trípticos, o Joy Division… Ese name droppin’, o esas cosas… dejar caer muchas veces algo… es lo interesante porque te está diciendo oye, que aquí hay un discurso que tienes que descubrir por tu cuenta.

Zar: Desarrollar un concepto. No es simplemente decir fulanito de tal. No. El concepto es lo importante.

Erik: Al final es que es para eso, para darle riqueza. Para enfatizar. Con Elphomega me pasa que vuelvo lo mismo a su primer disco y aún hay cosas que no pillo. Y han pasado muchos años. A ese pavo, por ejemplo, se le ve con cultura. Se ve que las cosas que dice, no las dice por decir. Hay gente que lo entiende como ostentación, para vacilar de algo, mira lo que se, mira cuantos grupos escucho…

Zar: Mira que rapper soy. Que culto.

Boogie K: Es el egotrip cultureta.

Zar: Cuando ves a un tío que hace un name droppin’ vacío, canta. Canta. Cuando un tío nombra una movida y es porque lo conoce de verdad se ve. Cuando es vacía se nota, nombrar por nombrar se nota. Cuando es nombrar por dar el concepto y demás, se nota, también.

Mars: Encima es que siempre nombran a los mismos. Se quedan en lo que es legítimo ahora, Nas, Queens, Air Max…

Zar: Bukowsky, Polansky

Mars: Sí, sí, has descubierto el realismo sucio. Que quieres que haga, ¿que te aplauda? Joder, si es puto mainstream el realismo sucio. No está escondido. Todo el rollo burgués deprimido, que está deprimido porque se aburre o eso me parece a mí. No me digas que vas de Chinasky por la vida. ¡Qué sorpresa!

Erik: Hay gente que comienza ese rollo, como ha pasado aquí. Hay gente que ha salido con ese rollo, te puede molar más o menos, pero bueno, era su rollo y está guay. Lo importante es que fueron o son auténticos con su movida.

Zar: Claro, claro. Ese rollo de “soy un amargado de la vida” y luego es un tío que está sonriendo todo el día y es un happy. Es lo mismo. La moda, la moda.

Erik: Es lo mismo, y más ahora, que mires donde mires, un barrio más allá o un barrio más acá, hay drama.

Mars: Y de ese drama apenas se habla curiosamente.

Erik: O que no lo haga desde el panfletismo barato.

Mars: Es todo un poco moda.

Erik: Sí, ahora te haces un tema de los deshaucios.

Mars: O el que hizo el de la Marta del Castillo esta.

Boogie K: Eso es demagogia pura y querer vivir de lo que está teniendo tirón.

Mars: A mi me pasaba con los discos de rap español, que antes de oírlos ya sabía que iba a haber un tema de fumar porros, otro sobre los inmigrantes o en su defecto el maltrato femenino…

Erik: Otro del de la novia o del colega…

Mars: Y el de egotrip. Al final siempre era como ¿es qué no eres capaz de dar más de ti? ¿no eres capaz de ir más allá?

Zar: Encima te decían, si bueno, hay temas de egotrip, hay otros temas que hablan de nosequé, para darle variedad al disco (risas), y eran así todos los discos ¿sabes?

Erik: Parece que como que una vez estás dentro del circuito, como que tienes que dar una imagen de buena persona.

Boogie K: A mi esas mierdas moralistas no me molan. Volviendo a lo del bozal, es algo que no es demagógico, que no es moralista.

Zar: Yo recuerdo en una entrevista que nos dijeron que nuestro disco tenía poco mensaje. Poco mensaje, poco mensaje en lo que en España siempre se ha llamado mensaje.

Erik: Del «Voyager’s Rock».

Mars: Tanto en «Voyager’s Rock» como en «Energía Libre» hay un mensaje subyacente muy potente.

Erik: Claro, y como que, yo que se, también he escuchado temas de peña hablando de fiesta y que tenían mazo de mensaje. Aquí se llama mensaje a hacer panfletismo social. Cuando el mensaje es simplemente que te diga algo la canción.

Zar: Exactamente.

Mars: Yo creo que se convierte en moralina o en discurso vacío porque siempre hablan de lo mismo. Ahora que toca, los deshaucios, pues deshaucios. O la inmigración o el maltrato. Son mono-temas.

Erik: Que la peña habla del maltrato a la mujer como te hablan en el Telediario. O de la movida social como te hablan en el Telediario, y precisamente yo no quiero eso, es el lado de la información del que escapo. Quiero que me aportes otra movida un poco por encima de eso.

Zar: Al final no es más que banalizar sobre un tema que es serio. Es banalizar sobre un problema grave.

Mars: Siempre puedes hablar desde un punto más cercano. Puedes hablar del machismo. Como hombre que eres, lo ves, y lo vives. Eres capaz de reconocer los códigos machistas y de traducirlos. Puedes hablar de eso, y al final estás hablando de como es tratada la mujer en esta sociedad.

Erik: Y la movida de la violencia… yo hablo de violencia, de toda la violencia ¿sabes?

Zar: El problema es este de hacer diferencias con la violencia. Está mal cualquier tipo de violencia. Está mal que un hombre pegue una mujer, está mal que un tío suelte un puñetazo a este que pase por aquí, o lo que sea. Cualquier tipo de violencia es mala, ninguna es peor que otra.

Mars: Erik habla mucho de otra violencia, o así lo considero yo, que es la violencia diaria del capitalismo. Todos los días estar sometido a un sistema que te esclaviza y es una violencia de la que casi no se habla en los medios, y es la que tienes más presente.

Zar: El sistema en el que vivimos es lo más violento que hay. Violencia pura. Sin necesidad de que recibas ninguna ostia. Es la mayor violencia que hay.

Erik: Es una puta mierda, tío.

Mars: Es, oye, a mí, todos los días se me subyuga así. Y es tan potente como cualquier otra porque encima la vivimos todos. Eso genera en el oyente una empatía. Este tío está hablando de lo que yo también sufro, y siento.

Erik: Claro, la alienación.

Mars: En «Energía Libre» se habla del desarraigo yo creo. Del que se encuentra en un sistema en el que ya es consciente de como funciona este sistema, pero que se encuentra sin saber que hacer.

Erik: Claro, el estar atrapado. La alienación de la gente. Por lo menos el mirar un poco más allá. Por lo menos visto desde un punto de vista distinto.

Momento de marcharnos. Parte de AGZ pillan un taxi y se dirigen al hotel. Otros decidimos ir caminando. Pasamos por la catedral y aprovechan para tirarse fotos y echarle un vistazo desde fuera. Vicky aprovecha también y tira unas cuantas fotos. Seguimos. Subiendo Gran Vía nos cae el chaparrón del siglo. Vic y Boogie K se refugian en un paraguas y se despiden durante un rato, tienen que ir a coger las entradas. Los tres restantes nos subimos a un taxi y nos dirigimos al hotel, donde amablemente me invitan a su habitación para proseguir con la conversación. Hablamos de discos, de comprar discos…

Zar: Al que le mole el disco, se lo va a comprar. Es un problema del público que tiene esa gente. Es gente que no consume música. Le da igual tener un disco o no tenerlo. Si tiene un disco seguramente sea porque se lo han regalado en su cumpleaños o algo así. El público que tiene esa gente, no es melómano. No consume música. Dentro de que estamos en un país en el que no se consume música.

Mars: Sin entrar siquiera en el rollo del coleccionismo, sino una persona normal es que no compra ni 10 discos al año, o que te gusta el grupo y te compras sus discos, porque eres súper fan de tal grupo. Ni eso. El público de esa gente que decía, o dice, descargarse discos va en contra de nosotros es porque su público no compra discos. Y cuando tenga edad o dinero para comprar esos discos no lo va a hacer, porque ya no les escucha.

Erik: Contaba el otro día… Pues hablaba el otro día el Dano que estuvo en Japón recientemente, que la gente allí, que hay mucha cultura de comprar música y que igual les gusta un artista y compran 10, 20, 50 ó 100 discos de ese artista. Para tirarle para arriba. Les mola y compran tacos de discos. Me recordó a lo de las huelgas, de trabajar más. Muy curioso.

Zar: Todo al revés que aquí.

Mars: En Japón hay una cultura de discos tremenda. Muchas de las mejores colecciones de música negra están allí.

Zar: Hay ediciones especiales para Japón, con temas raros. Buscas la edición japonesa de un disco y vale 10 veces más de lo normal. Y hay mucho mercado pirata.

Mars: Si, como lo de Emelvi.

Zar: Pusieron una foto de un mercado de discos en Facebook de la ostia. Estanterías y estanterías de discos. Compartí la foto en Facebook en plan que envidia, y entonces Dj2D2 me comentó que había estado en ferias así y que prácticamente todo era pirata.

Mars: ¿Y tenían calidad?

Zar: Pues no se. Pero conciertos piratas de no se quien, que alguien grabó el directo y lo plancha en vinilo. Plancha 1000 copias y las vende. Como lo de Emelvi. Encuentro un remix raro, y lo plancho como una rareza y el propio productor ni se entera. O se entera de rebote.

Mars: Como aquí… con la cultura del pillaje.

Zar: Del todo gratis. Aunque sea una mierda de perro, si es gratis, la quiero. Y si no es gratis me quejo. Está en la cultura de este país.

Mars: Pero si hay gente que colecciona. Hay gente que compra discos. Si te gusta un disco, lo compras. Te lo puedes descargar, pero también hace ilusión. Por ejemplo, el vuestro, o el vinilo de N-Y, no me los escuché hasta que me llegaron por correo. La ilusión de cuando tu abres algo… y es tuyo…

Zar: Antes salía un disco y te lo comprabas sin haberlo escuchado. Comprabas música para escucharla y descubrirla. Ahora las cosas se escuchan y se queman al primer día, y ala, para la basura y… eso devalúa lo que es un disco.

Mars: Es el método Itunes. Vender singles. El disco era antes un concepto, un todo de X temas. Se ha acabado la idea de un disco. Ni siquiera te merece la pena comprarte un disco, por ejemplo, de Nicky Minaj, porque tiene 4-5 temas buenos, que son los singles, y los demás son relleno que no llegan al nivel de calidad de los otros. Realmente a lo que van es al hit, al single. Ya no fabrican discos enteros de hits. Como pasaba con Michael Jackson por ejemplo, que todas las canciones eran hits.

Zar: Ahora se compran las canciones. A nivel mainstream, no se hacen discos, se hacen canciones.

Erik: Se ha perdido todo.

Zar: Se hacen canciones y se juntan en un disco. Tres o cuatro hits más otras ocho canciones y, ala, un disco.

Mars: Así no obligas al artista a crear un algo, un concepto, un disco completo. No lo sientas con su productor, su A&R, a reflexionar sobre que quieren hacer, adonde quieren ir. Les da igual.

Zar: Es música hecha para vender. Es producto puro.

Erik: Es un poco también como va la sociedad. La sobreinformación.

Mars: Sí, sin videoclip no eres nadie. Y además tienes que estar en Twitter, y en Facebook. Se ha perdido la magia de antes. Aquella de estar durante dos años sin saber nada de un grupo, y de repente te cogías la Tipo y ostia, que se ha sacado un disco, me cago en mi padre y yo ni me acordaba, me voy a bajar a la tienda a comprármelo. Eran dos años de silencio, y ahora cada mes tienes que sacar algo.

Zar: Eso es quemar, saturar. A mí, muchas veces, hay cosas que ni las ves porque no te apetece. Es algo tan continuo, tan venga, otro tema nuevo, y otro vídeo. Prefiero irme y coger un disco de la estantería y ponérmelo y oírlo.

Mars: Y devalúa al artista. Vas a sacar un disco y te pegas un año preparando el disco.

Zar: Claro tío, no lo quemes antes de sacarlo. O coge y di he sacado un disco, ahí lo tienes.

Mars: No sólo eso. Para sacar un disco tienes 30-40 canciones. En un disco de rap ¿no? que puede tener entre 15 y 20 canciones. Haces criba, te quedas con los mejores temas. Ahora bien, si estás todos los meses sacando temas, el artista nunca hace criba. Todo el mundo tiene temas mejores y peores. Cuando antes sacabas un LP, no te cabían, por el propio formato, 30-40 canciones. Tenías que elegir las mejores para grabar. Y las otras a un EP, o a la basura.

Zar: O a una cara B de un 12’…

Mars: Tengo un buen producto, pero lo voy a mejorar porque no me cabe todo. Voy a depurar el proceso.

Zar: Si, ahora si no te cabe lo sueltas en Youtube, lo pones a descargar en Soundcloud…

Mars: Te encuentras una cantidad de mierda de buenos artistas impresionante. Si no eres capaz de elegir uno de entre cuatro temas y decidir cual es el mejor de ellos y sacar ese, o 10 de 30… al final es un reto, te estás retando a mejorar y a desechar lo que no está a la altura. Así, ahora, como bien dices, le das al play y piensas, mira no tengo tiempo para andarlo perdiendo con esto.

Zar: Lo coges y lo escuchas 10 segundos. O lo escuchas pasándolo. O lo escuchas entero y lo ves entero y ya está, nunca más. No lo vuelves a ver, ni oír. También es una forma de intentar estar en la cresta, o de mantenerte.

Mars: Con internet además, como funciona, es que oyes un tema y lo tiras. Lees algo y no vuelves. Al final el artista se ve obligado a estar llamando tu atención constantemente.

Zar: A nosotros nos ha pasado que cinco meses después de sacar el disco gente preguntando que cuando íbamos a sacar una cosa nueva. Tío, que acaba de salir el disco. Joder, escúchate el disco. Es un disco que nos costado hacerlo. No podemos sacar un disco cada cinco meses. Lo primero porque no es nuestra forma de verlo; y lo segundo, porque es imposible, no podemos hacer un disco cada cinco meses. O sea, la gente lo pide, incluso. Es un reflejo de la sociedad. De consumir. La gente está tan metida ahí, está enganchada a consumir. Consumir y tirar, consumir y tirar. Escucho un disco y estoy deseando que saques otro para consumirlo.

Erik: No lo absorbes, no te da tiempo a interiorizarlo.

Zar: Al fin y al cabo son gente que no… no ama la música. Le gusta una música, la escucha, pero realmente no es gente que le interese la música, ni la ama. El que ama la música, si le mola un disco, no va a pedir otro, va a querer otro, sí, pero sigue absorbiendo el anterior y escuchándolo. No lo vas a abandonar. El «Dark Side of the Moon» es un disco que por muchas veces que lo pongas, no se quema. Un buen disco no se quema. Un buen disco es para siempre. La buena música es para siempre. No es ni para una época, ni para la otra.

Mars: Los buenos discos requieren digestión. Digerirlo, sacar cosas, sacar conclusiones. Un poco lo que comentabais antes, no es lo que yo pensaba, pero me mola esa idea. Eso lleva tiempo.

Zar: No es sólo cosa del público. Los Dj’s. Hay muchos Dj’s que están siempre pinchando lo último que ha salido esta semana. Me pones un buen tema de hace 10 años, y lo prefiero ¿sabes? Al final, sí, vale, estás poniendo lo más último de lo más último, pero dentro de un mes ya no lo vas a poner. Eso para mi genera lo mismo. Hay buenos Dj’s que te pinchan temas que no has oído en tu puta vida, no son populares y son la polla. La cuestión está en que la gente no quiere más que quemar las cosas. Consumir y tirar. Y de como nos hacen adictos al sistema. Querer, querer y querer, querer y querer.

Mars: Incluidos los artistas. El mainstream los coge, los quema y los escupe. Los traga y los vomita. A veces ni el propio artista se da cuenta. Se dice, estoy en la ola. Pero mañana ya nadie se acuerda de ti. Ya nadie se acuerda de Ja Rule. ¿Ni siquieran se plantean el que no se van a acordar de ellos, aunque estén forrados en billetes? Ese planteamiento de que, como músico, quieres hacer algo. Pienso en Madonna, que lleva 30 años en la cresta, por algo será. Tonta no es, imagino.

Zar: Se renueva. No intenta seguir las modas, sino que se renueva. El ejemplo este también te da el reflejo de que se puede ser underground o mainstream. La cosa es que hagas cosas buenas, te lo curres.

Mars: El propio Timbaland, que si que va a ser recordado.

Zar: Hacía mucho que no se le oía.

Mars: Tampoco parece que lo necesite.

Zar: Es eso. No es un tío que esté ahí…al carro, subirse a crestas. Tiene sus errores y sus cosas. Es que… es que Timbaland es mejor cuando saca cosas para otros, que cuando saca cosas suyas. Lo de Timbaland y Mr. Magoo es una mierda.

Erik: o los Neptunes.

Zar: El disco de los Neptunes es una puta mierda. Luego escuchas el disco de Clipse tío y vamos… esos ritmos son la polla.

Erik: Somos súper fans de Clipse. Del «Hell Hath No Fury».

Mars: Pharrell es otro tío que está siempre a la última, pero no se le ve forzado. Es un generador de tendencias, de hecho.

Erik: Sobre todo no es un pesado, no te acaba dando asco. No le veo pretencioso.

Zar: Yo creo que es gente es lista y que sabría del problema. Son gente que se habrán planteado lo de quemarse y ser fagocitados. Gente que sabe que no puede hacer eso porque va a acabar en la basura. Aparte de que tienen talento.

Mars: Los Neptunes se adelantaron a todo dios con esas producciones. Era como ahora vais a hacer esto.

Erik: Sí, porque tampoco era el rollo que se esperaba de Neptunes y a la vez era como una movida súper Neptunes (en relación al «Hell Hath No Fury»). O sea, era como Neptunes pero sonando muy crudo. Son gente que sabe reciclarse, saber a quien y cuando.

Mars: Hay gente como que no se quema. Timbaland, Neptunes, Kanye. O The Dream. Que es un tío que tampoco está ahí a todas horas y todos los días. Y luego saca disco que te quedas a cuadros y no queda más que aplaudirle. O el propio Prince.

Zar: Al parecer el último tema es un temarraco. Me lo dijo Víctor (Verrier).

Erik: A mi el Garbanzo.

Mars: Diploide molan.

Erik: Son la polla. Y la gente se queda sólo con partes de su movida.

Zar: Son gente súper hip hop. Garbanzo es un fan total de la old school. El otro día me reía mucho hablando con él, porque se ha dejado bigote y tiene unas Cazal y todo el rollo, y entonces la peña le dice, que moderno eres con las gafas grandes y él «¡Me cago en Dios! Que yo lo único que quiero ser es un puto negro, un puto new yorker de los 70. Por eso me dejo el bigote y por eso llevo estas putas gafas» (risas).

Erik: Y han ido a sitios a tocar y el público rap que no ha entendido esa movida, y les han criticado y luego son más rap que tú y todos tus amigos. Y sobretodo, hace lo que le sale de la polla y eso es lo más…valorable tío.

Mars: ¿Qué es la old school al fin y a cabo? Fiesteo, macarreo, pasarlo bien…

Zar: Luego hay mucha gente que habla sin saber. “Porque el hip hop antes era mensaje y social”, pero que dices tío. Pero vamos a ver ¿tú te has oído los discos de SugarHill Gang? ¿qué mensaje hay en esos discos? ¿qué conciencia social hay en esos discos? ¿qué son? Party over here, hands in the air… (risas) ¿sabes? Es que eres tonto. Lo que me estás diciendo es que no tienes ni puta idea. El único tema que había así era The Message y ya está.

Mars: Y el resto de temas de ese disco, eran temas bailables.

Zar: Si, si. También es que la gente… la gente, yo que se tío. Te metes en un vídeo de Youtube de Gang Starr y lees comentarios de gente diciendo «joder como era la old school» (risas). Joder, si los de la old school hablaban de que eso era una mierda. Los old school cerrados.

Mars: Rakim en el 86, eso no es old school. El corte algunos los suelen poner ahí, yo me voy más atrás.

Zar: Ni De la Soul, ni Public Enemy. Es que si nos ponemos tiquismiquis ni SugarHill Gang es old school ¿sabes?

Mars: Hay mucha ignorancia sobre ese tema. Por ejemplo Chinatown decían que sacaron «Carta Bomba» con todo el rollo electro porque contaban que la gente pasaba de Run DMC a los Golden Years, y entre medias no ha pasado nada. Ellos era como, joder, que entre medias ha pasado todo esto, el electro…

Zar: Mantronix.

Mars y Zar: Mantronix, Whodini, Newcleus

Zar: Es como el rollo 90’s que hay ahora. Yo no veo a nadie haciendo costa oeste, y también eran 90’s, o movidas rollo a lo Ice T, que también eran 90’s.

Mars: O 2 Live Crew.

Zar: El Miami Bass es también 90’s.

Mars: Si, no se ve a peña haciendo nada de eso. Dobles tiempos, sintes tipo los discos de Mc Eiht en solitario, el bass… salvo contadas excepciones, apenas hay nadie trayendo rollos 90. Y encima te dicen 90’s y Air Max. Coño, en los 90`s llevaban Timberlands, Jordans y zapas de baloncesto en su mayoría. Y claro, a ese tipo de gente le puedes vender lo que tu quieras, porque no se van a poner a ver si es verdad o no.

Erik: Sobre todo la pretenciosidad de esa gente tratando esa movida.

Zar: Cuando ni lo han vivido. Yo que se, me estás hablando de los 90, ¿por qué dices 90? ¿por qué has nacido en el 92?

Mars: Pero también aunque hayan nacido en el 92 pueden escuchar y entender los 90 ¿no?

Zar: Sí, pero se nota. Quien no lo ha vivido, pero lo ha mamado luego después y ha quemado mucho y… y es lo que le flipa, eso luego sale reflejado en lo que hace. Sin necesidad de decir ni una puta vez 90’s ni Nas, ni drama…

Erik: Es esa movida, no es nombrar a Nas, o decir 90’s. Es la pretenciosidad, decirlo porque la persona que te mola lo dice. Pero esa persona lo dice por su movida, tú te tienes que buscar la tuya, y claro, se ha ido formando una bola ahí…

Mars: Al final, esta escena nueva no es más que lo mismo. El público, y el artista. La fotocopia de la fotocopia de la fotocopia. No hay ningún cambio. Van a estar otros pero de la misma forma, otra ropa,otra cosa, pero la misma mierda.

Zar: Parece que estas buscando salir en lo medios. Y no.

Mars: La escena es una mierda hasta que salen mis colegas, entonces si mola. Traemos el cambio suena entonces ridículo porque no existe el verdadero cambio, que es el cambio de mentalidad.

Zar: Es que no hay ningún cambio. Yo no veo ningún cambio la verdad. Es otra burbuja que hay. Pueden estar empezando a surgir otras… otra escena que está teniendo su público, sí. Se está dando un cambio respecto a que las cosas funcionan de otra manera con internet y los nuevos medios. Ya no prima lo que saca Zona Bruta, o BOA

Erik: Y ha sido un filtro. Ahora con internet como que la peña ha cambiado y no les vale a los que llevan 10 años o a los amigos de los que llevan 10 años. La gente está haciendo cosas realmente serias, hay gente de abajo que gracias a internet están obteniendo el reconocimiento que se merecen, que salgan a la luz. Hay más oportunidades de que la gente indague y eso ha hecho subir a grupos un poco más arriba. Antes era lo que salia en las revistas, el Rimadero, y poco más.

Zar: Una democratización. Pero lo que se supone que es el cambio, o el cambio que tiene que haber, no lo hay. De mentalidad.

Mars: Si a lo único que aspiro es a ocupar el sitio del otro, porque no salgo o formo parte del pastel, o quiero ser famosete, no se produce cambio. Esto es una industria también y hay que profesionalizar.

Zar: Soy underground, pero pierdo el culo por estar arriba. Es que si el cambio va a ser fulanito de tal, o este otro nuevo, que luego encima al cabo de cinco años va a ser lo mismo que hay ahora pues… eso no es ningún cambio. El cambio está en otras cosas, en como funciona la música con el tema de internet, o se están haciendo cosas muy trabajadas en el underground, y eso hace que otros se tengan que poner las pilas o que quieran ahora subirse a carros, yo que se, eso son cosas que si que están cambiando. Pero…el cambio… el ¡Ah, el cambio! El rap español, el cambio en el rap español. Yo veo lo mismo, lo mismo que antes.

Mars: Underground, underground ha habido siempre. La gente se piensa que es algo nuevo cuando ha existido desde siempre, tenemos el ejemplo de Santander, esa peña lleva toda la vida haciendo rap. En Andalucía, Punto Final, La Super K, la Rhajha… Joder me acuerdo ahora de Supakanja, o Abel Galleta editando vinilos… Gamberros Pro con Soply, Perros Callejeros… toda esa escena de la capital que ahora está tan de moda pero que lleva años y años.

Erik: Y nunca han estado mendigando nada, ni llorando por salir en las revistas.

Zar: Simplemente han estado centrados currando en lo suyo y cuando les ha llegado su momento (a los que les ha llegado) les ha llegado porque han estado trabajando y se lo han ganado y nunca han llorado de nada.

Mars: El underground no es un fenómeno nuevo, que hayan llegado estos y hayan creado el underground. Existía ya antes.

Erik: Encima esta el concepto de que España todo el rap es underground. Salvo 10-12 grupos que se ganen la vida con esto…

Zar: O cinco, yo creo que no llega ni a cinco.

Mars: Que se ganen la vida con ello.

Zar: No sólo eso, sino que tengan un conocimiento entre el público general.

Erik: Luego hay gente que pone verde al Porta o cosas así, que esta gente son underground, o más abajo del underground, y, que hacen cosas peores. Si estuvieran en la situación de los que critican serían mucho peores. Les pones ahí, y vete tú a saber la que lían.

Mars: El underground, desde mi punto de vista, es más una mentalidad. Un state of mind. No tiene nada que ver con el dinero o los medios. No se, Ziontifik están bajo Warner y tienen una movida muy suya y una mentalidad nada comercial.

Zar: No es nada mainstream lo que hacen.

Mars: Y están bajo el brazo de una multinacional.

Zar: Te surge una oportunidad y hay que aprovecharla. Si les surgió esa oportunidad y les pareció bien aprovecharla, pues…estar bajo el paraguas de Warner…

Erik: Pa’lante tío, pa’lante.

Mars: Es un ejemplo de que puede funcionar estar bajo una multi y mantener una independencia.

Zar: No creo que quisieron buscarlo, tampoco. Surge y ya está.

Mars: Mentalidad. Siguen siendo igual de profesionales. Te guste o no Ziontifik, no se puede negar que son la ostia de dedicados con sus trabajos.

Erik: Por lo menos es peña que intenta hacer las cosas bien y mantenerse.

Zar: Es que… son tonterías, la gente confunde. Public Enemy no eran mainstream.

Mars: O los Wu Tang. Y vendían millones de discos. Entonces el problema es más de mentalidad que económico.

Erik: Totalmente. Se asocia underground a pobre, a pasar hambre.

Mars: Estar limitado. Cuando de hecho, si vienes del under, esas propias limitaciones van a ser una herramienta muy potente. Si sabes manejarte con limitaciones, en el momento en el que dispongas de más medios, vas a aprovecharlos y sacar un trabajo mejor, pienso.

Zar: Tienes lo mismo una herramienta para poder hacer cosas que no podías hacer.

Mars: Si sabes manejarte con lo mínimo, cuando te den más posibilidades, vas a expandirte y va a enriquecerse tu lenguaje. Tu talento.

Erik: Mira la gente de Agorazein por ejemplo, hace años conseguir una portada de la Hip Hop Life sin un sello detrás, era algo mucho más que impensable, era imposible. Esta gente a base de trabajárselo ellos, a su ritmo, a la sombra… y fijate, portada de revista. Es lo guay de los tiempos que corren ahora mismo.

Mars: Mantenerte fiel a ti mismo, a tu evolución, y no tener que perder el culo por salir en los medios. Desde el punto de vista de la prensa, es algo que yo tampoco quiero, no quiero gente que pierda el culo por ocupar el sitio de Duo Kie, para comportarse de la misma manera o repetir esquemas fabricados. Cambias el actor, pero no cambias la obra. Yo lo que busco es que cambie la obra.

Zar: Al final lo que estás haciendo, es lo mismo.

Mars: En el panorama de aquí además, es muy díficil abandonar el underground, porque el público mayoritario, y no me refiero al de BOA, sino también al mayoritario de que va de underground, no investiga nada.

Zar: Lo quiero todo puesto, todo hecho tío…

Hasta aquí las casi dos horas de conversaciones que tuvimos con ellos. En el momento en que el Zar decía sus últimas palabras, AGZ al completo invadió la habitación. Era el momento de empezar el concierto. Me hubiera gustado seguir más, y más. Tal vez sea mi impresión, pero en ningún momento nos atascamos o nos quedamos en blanco sin saber que decirnos. Si no tenía preguntas o no sabía por donde tirar, simplemente hablábamos y ya todo volvía a fluir. Tal y como leéis, es tal y como fue. Es más, estoy seguro de que podríamos haber estado hablando horas y horas hasta que echaran de la habitación.

Mi agradecimiento a Erik y Zar, por la paciencia, por la simpatía, la fluidez y el dejarse llevar.

También para Boogie K por estar con nosotros gran parte del tiempo y a Vic Gee por las fotos, el acompañarme, la paciencia y la simpatía.

Crónica Erik Urano, Zar 1 y AGZ – Zar 1 for President

Poster de la gira por Andalucía

 

En Granada no es habitual tener la oportunidad de ver conjuntamente a dos de los colectivos que más ruido y buzz están generando en la escena en los últimos años. Sin desmerecer al resto de artistas que han pasado por esta ciudad, es todo un lujo poder tener en una misma noche a Erik Urano, Zar1 y los chicos de AGZ. La expectación era alta, gente en la puerta de la sala, gente entrando en la sala, y esa sensación en el ambiente de que algo grande se cocía. Conforme llegaba la hora, la sala continuaba llenándose, y cuando aparecieron Fabi, Gabi, Zar y el técnico de sonido de la sala -un tipo muy «simpático»-, la gente se fue agolpando sobre el mini escenario de la JazzClub esperando el comienzo del concierto. Las cosas buenas se hacen esperar, dicen, y diversos problemas técnicos retrasaron el inicio del concierto unos minutos hasta que todo pudo estar en su sitio para que Zar1 pudiera ponerse al mando de los platos y comenzar el despegue de la nave espacial.

La sala estaba llena en sus tres cuartas partes cuando la pantalla que cubría el escenario empezó a subir mostrándonos a Zar1 mientras disparaba sin cuenta atrás los primeros segundos aéreos de «Génesis». Erik le preguntaba al público si estaba preparado para el concierto, si estaba preparado para lo que se avecinaba. Esta fue la primera chispa que disparó el frenesí colectivo, la gente empezó a gritar y a agolparse cuando Erik comenzó con aquello de «Somos Energía Libre, nacidos para fluir…» desde el backstage, esperando al primer loop de batería para saltar al escenario con una energía completamente imprevista para el que escribe. Durante toda la hora del concierto, Erik no paró en ningún momento, y bajo el apoyo de Zar, brindó uno de los mejores directos nacionales que he podido ver en mi larga trayectoria visitando salas.

 

Galaxias de papel en el micro

 

Los temas se suceden, suena «Burbujas» mientras Erik no para de moverse por el pequeño escenario metiéndose al público en el bolsillo. Siguen con «Dibujo Atmósferas» y «Vibración». Erik pide ruido para un chaval con una camiseta de Pink Floyd. Aprovechando la baja altura de la sala JazzClub (antiguo Opera 4 para quien no lo sepa en Granada), Erik pide que la gente suba las manos y toque con ellas el techo. Toda la sala alza sus manos completamente entregada. Continúa la actuación con comentarios del tipo «cosas de la hora, creo que no he dado un concierto tan tarde» para tomarse un mini descanso. Para seguir con el ritmo, Zar1 suelta una instrumental diferente y Erik vuelve a arrancar con toda su energía. Energía que se para unos segundo cuando Zar1 corta el sonido, la gente espera, en primera fila hay miradas de alegría mezcladas con la duda de que va a pasar… y del micro sale aquel «Super Nintendo, Sega Genesis, Super Nintendo, Sega Genesis» del gordo más mítico para arrancar unos de los temas más queridos por el público. Con «Arcade» la cosa se calienta más, la calidad del sonido es bastante buena, y la peña realmente se lo está pasando en grande.

Merece la pena señalar el valor de presentar un concierto tan potente sin coristas. Ni siquiera Zar1, habitual en los coros en sus directos, pudo aportar puesto que se pasó medio concierto con el micro fuera de juego. Sin coros, sin nadie más que su presencia, Erik se mantuvo al 100%, rara vez le faltó la voz, su fluidez era sorprendente y en mi cabeza se agolpaba los pensamientos de que era todavía mejor en directo que en el estudio y aquello de Elphomega o Frank Castle:  One Man Army. Porque este tío tenía metido dentro de si la energía y la fuerza de un puto ejército. Me cansaba nada más de mirarlo. Vibraciones positivas, movimiento continuo, ruido, S/O a Zar1 continuos…su presencia estaba en todas partes e impregnaba la sala y, sobre todo y más importante para un directo, contagió al público completamente, que no tuvo más remedio que seguir el ritmo marcado por Erik y disfrutar al máximo de la experiencia.

 

Erik y Zar1 conjuntados

 

Tras el mencionado «Arcade», Zar1 suelta una instrumental de RZA para felicidad personal y decide alegrarnos la noche con el primer inédito. Brutal. No sólo indaga en lo mostrado en sus anteriores trabajos, sino que se palpan mejorías en las letras y en el uso de las metáforas como punto de partida de su discurso. El público lo agradece y sigue coreando y gritando a ambos. Acabado el inédito, Erik y Zar1 se acuerdan de su peña de Urano y arranca «84R4K» de su compadre Miguel Grimaldo (el cual, al mismo tiempo, estaba en Madrid dando otro concierto). Distorsión, mierda nuclear. En el backstage la cosa se anima, los chicos de AGZ saltan, graban con el móvil el concierto, se asoman y gritan al público, calientan el ambiente. Se sumergen completamente en la atmósfera y tararean las canciones. Se lo pasan de puta madre. Nada de seriedad ni pollas. Hay que disfrutar al máximo. Y entonces llega «Magia Negra» con esa magnífica instrumental golpeando los altavoces. Magia negra con la tribu de la JazzClub. Erik sigue sin parar, toca techo, está en su salsa, gestualiza sus propias frases, vive lo escrito. Llega el estribillo, Erik y Zar1 animan al público que corea conjuntamente «Es nuclear, si, por supuesto, es nuclear, si, por supuesto» repetidas veces como un mantra religioso pre-éxtasis.

«Duro, duro, el concierto bien duro» comenta Erik. «Aquí se tapea bien duro» vuelve a comentar. Duro como el siguiente tema, Zar1 a los platos maneja los ritmos y empieza a oírse «everybody in the house make noise and say chaaaoooos«. Todos pensamos en «Rock Duro» al instante y esperamos el primer boom de los bajos y las guitarras distorsionadas. Pero no. Zar1 decide arrancar con una instrumental completamente distinta. En un principio pienso en Solliloquity of Chaos de Gangstar. Pero no, no logro averiguar cual es, lo que no evita que salte como uno más. Llega el estribillo y entonces si, Zar1 lo suelta, ahí está, la instrumental original golpeando subwoofers. Erik fluye y fluye. Se oye por primera vez la frase de la noche: «¡Zar1 Presidente!» «¡Zar1 Presidente!» «¡Zar1 Presidente!» No logró ubicar de quien sale el grito, pero me da que es el chico de la camiseta de Pink Floyd. En el backstage risas y buen ambiente. Erik sonríe en el escenario y dice «la verdad es que sí, se merece ser el puto presidente» para luego corregir y decir que no quiere presidentes. ¿Y Zar1? Completamente sorprendido y pienso en mis adentros que quizás sin saber donde meterse. Se oyen más «¡Zar1 presidente!» y Zar1 decide responder con uno de los mejores temas del disco. Cuando arranca, la gente grita, hace ruido sin que se lo pidan, esa maldita instrumental funkarra espacial me contagia y también les coreo, buenas vibratas como dice Erik, en el backstage Jerv.agz, Tangana y sus colegas corean «iluminado como pocos«, saltan flashes de las cámaras, Gabi graba el momento y todo parecer fluir conjuntamente en un equilibrio improvisado. Magia. La magia del directo. Erik grita «¿Es Zar1 presidente o no tíos?» El SÍ viene camuflado en un grito guerrero del público, que ya espera impaciente el siguiente tema.

 

El público hipnotizado

 

Frío. El viernes hizo frío. Nos llovió. A Erik y Zar1 incluidos, nos pilló una lluvia en mitad de la Gran Vía que aquello parecía el apocalipsis. Erik me comenta que por donde van, llueve. Varias horas después, el frío sirve de excusa para presentar lo que la gente intuía. Cuando Erik comenta lo del frío, el público comienza a gritar «Estado Mental Invierno«. Si. Invierno. La gente conoce el tema. Erik calienta el ambiente mandando un S/O a su peña en Miranda de Ebro. Parece que va a arrancar, se corta, juegan unos segundos con el público, arranca y ahora si, toda la primera fila corea al unísono la canción, se saben hasta las comas. En sus caras hay sudor mezclado con sonrisas mientras le hacen los coros continuos a Erik, el cual, deja que la gente termine las frases, acerca el micro al público y deja que ellos sean los protagonistas. Sin ellos (lectores y oyentes) no somos nada, pienso justo en ese momento. Zar1 decide terminar el tema marcándose unos buenos scratches mientras Erik aprovecha para descansar, aunque sea mínimamente.

No se si fueron 30 segundos o un minuto, o nada de eso. Sólo recuerdo escuchar un loop de batería, una tecla de piano, y entonces, el que se vuelve loco soy yo. Empiezo a tararear «No longer on the low, I gotta flow is what I mean, let the critics know…«¡Never less than Ill tío!» «¡Never less than Ill tío!» me grita mi cerebro. Mira que mi hombre Dasar me lo avisó, mira que lo vi en su crónica. Eso no importa. En directo ese ritmazo te vuelve loco. Erik arranca «Robótica Emoción». Pienso en lo díficil que es cabalgar un ritmo de los de D.I.T.C., me entran las dudas ¿podrá Erik…? Puede. Os lo aseguro. El tema termina con Erik coreando «Erik & Zar got the flava» (otro guiño a Show & AG) repetidas veces mientras Zar1 lo corrobora moviendo los discos en el 1-2. No se cuanto tiempo llevamos de concierto, pero eso no importa. Ni yo tengo ganas de que acabe, ni el público tampoco. El calor es ya total, Erik está completamente asado, se quita la sudadera y nos muestra su camiseta de Yuri Gagarin completamente empapada por el esfuerzo.

 

Erik y Zar1 got the flava

 

Es momento de repasar temas con otra peña. Justo cuando se cumplen diez años de Paz. Y justo cuando hace un año de Slam Funk, Erik decide decodificar su colaboración con el gran Strand. Sorprendentemente peña del público se sabe la canción. Ojalá hayan escuchado el disco entero también. Hacia el final del tema Erik nos cuenta que vinieron «a dibujar atmósferas, que iba a hacer si no?» Acabado el tema, la cosa parece que va a finalizar. La gente no lo quiere. Erik aprovecha para pedirles más. Hacen ruido a muerte. Entonces Zar1 suelta un ritmo que es preludio del final de un disco. Esa atmósfera, ese comienzo…piel de gallina. El público estalla, se oyen gritos de «¡UFO!», la primera fila parece una estampida. Nadie quiere perderse este momento. En el backstage oigo a Tangana, a Manto, a Fabianni, a todo AGZ, decir «el tema, este es el tema«. Joder, no puedo estar más de acuerdo. Todo el mundo corea el tema, cuando llega a la parte de Aphex Twin me acuerdo de mi entrada ese mismo día y pienso que no podía haber elegido mejor tema. Dentro y fuera todos estamos con Erik mientras se rapea el tema. Justo al final, miro a mi alrededor detrás del escenario, cruzo miradas con caras que me devuelven las frases y terminamos al unísono: “Yo que vagué por el espacio y hoy me encuentro en este barrio, atrapado en este cuerpo, ocultado y perseguido como un UFO

Parece el fin. Erik se va del escenario y deja a Zar1 al mando. El público, consciente de que se acaba el concierto grita Keep Walking en numerosas ocasiones. Erik sonríe en el backstage junto a la peña de AGZ, pide ruido, más ruido. Zar desaparece también. Aguantan el furor del público. Erik vuelve a pedir más ruido todavía. No está contento todavía y le comento que diga que en Sevilla hicieron más ruido. Tiro al blanco, aquello pareció una horda salvaje haciendo ruido. Ahora si. Zar vuelve y ya empieza a sonar la instrumental. «¡Zar1 presidente!» se vuelve a escuchar. En los altavoces se oye algo así «como un amor para mis chicos de 1-2-8 Films«. Aguantan. Zar fuera y Erik dentro. Se aprecia el cansancio en Erik, completamente sudado, pero completamente entregado. Está a la espera. Sale directo a rapear y se pega a la primera fila. Es «rock duro, es rock duro» corea la gente. «Ellos hablando marcas, no conceptos» coreo yo. Erik termina el tema diciendo «¿es rock duro o no es rock duro?«. Ahora si, todo indica que es la despedida… Es imposible que terminen el concierto sin ese tema. Imposible pienso yo. Coño, no soy artista me digo, pero me atrevo a pensar que es el tema ideal. Viendo como está el ambiente lo único que puedo hacer es esperar una respuesta brutal. ¿Suena?, si, suena. Un ¡oooooooooh! recorre toda la sala. ¿Tiemblan las paredes o soy yo? Erik ya está preparado, cualquiera diría que lleva una hora dándolo todo. Comienza. La primera fila, loca, rota, se cae gente sobre el mini-escenario. Empujones. Locura. Pogos a saco. Erik se pega a ellos, se deja tocar y empapar por la locura colectiva. Izquierda-derecha. Izquierda-derecha. Toda la peña botando. Justo detrás de Zar1, todo el backstage botamos también. Los AGZ se lo pasan de puta madre, buenísimo feeling ahí dentro. Todo el mundo saltando. Y entonces llega el momento, Zar lo alarga como un hijo puta para rabia del público, Erik grita y grita pidiendo ruido… y sucede, salta el ritmo en solitario y ahora si que si, se agolpan a muerte sobre Erik, saltan, brincan, parecen poseídos, abrazan a Erik, le corean. Empujones, saltos, más empujones, manos, caras, sudor, temblores… caos. En un momento, Erik es derribado abrazado por la locura de la primera fila. Dentro no sabemos si reírnos o pensar que puede haberle pasado algo. La locura es total. Total. Erik se levanta y sigue. Bien. Todo bien. El público se lo vuelve a tragar pero esta vez sin peligro aparente. Allí botaban hasta las sillas. A los segundos el público lo fagocita sano y salvo en el escenario y todo llega a su fin. Increíble. Sencillamente increíble.

El último minuto es para Erik en solitario. Decide despedirse con nueva mierda. Accapella. Para que no haya distracción. Escucho entre otras frases «estoy midiendo mis palabras como Carl Sagan…«, sonrío y disfruto del inédito. A pesar de seguir degustando y descubriendo cosas nuevas en Energía Libre, en ese momento sólo quería un nuevo LP de ambos. Creo que no fui el único esa noche.

 

Inédito para gozo del público

 

Erik y Zar dan las gracias en repetidas veces, se les ve contentos y flipados por el momentazo. Entran en el backstage y les doy la enhorabuena. Erik se sienta completamente reventado. La gente de AGZ les abraza y les da la enhorabuena también. Agua. Piden agua mientras la sala se dispersa un poco y Fabianni toma el mando de la situación. Es el momento de AGZ.

 

La parte vocal de AGZ

 

Pasan los minutos y la gente se impacienta un poco. Las cosas no salen. Fabianni no para de tener problemas ajenos a él. Si no es una cosa es otra, pero todo no funciona bien a la vez. Tangana, Jerv y Manto cogen los micros, los prueban. Al menos parecen funcionar. Fabi con la ayuda de Gabi y el técnico parece dar con la clave. Todo está en su sitio al final. Detrás de Fabianni están los otros tres esperando y mentalizándose para salir ahí fuera. Observo sus movimientos y espero también para verlos salir. Con Erik y Zar1 ya me habían contado cosas. Con AGZ no sabía nada, así que tenía la mente completamente abierta sin saber que esperar respecto a su directo. Vicky Gee (nuestra fotógrafa para este evento) se movía, tiraba fotos y buscaba un hueco en alguna parte del escenario para no ocupar un espacio que ya iba a estar bastante lleno con los tres mc’s del colectivo, unido al lío de cables de los micros. Pienso en que pasaría si yo tuviera que coger un micro de estos. Habida cuenta de mi experiencia como persona dada a la torpeza lo único que se me ocurría era que enredaría a los otros dos y, por supuesto, me caería irremediablemente para escarnio y burlas por parte del público. Son las cosas con las que divaga la mente en la espera. A quien no le ha pasado en la parada del bus, o antes de ver un concierto, una peli…

Corta mis pensamientos espontáneos Fabianni, que al grito de «¡Puxo!» se asoma al backstage y pone en alerta a sus compañeros de que la cosa va a empezar. Tangana pregunta «¿ya?» y Fabi asiente. En el escenario hay un sintetizador y un micro esperando a la derecha del público. Si no es Fabi, que está a los platos, significa que o cambia de sitio, o me espera la primera sorpresa de la noche. Tangana saluda al público, sale al escenario y se pone delante del piano. Genial, pienso. No sabía que también tocaba (aunque fuera un mínimo) un instrumento. Joder, no hay mejor forma de empezar un concierto presentando parte de LoVes, donde están tan presentes los sintes y el rollo chill wave. Tangana se prepara el micro. Hay silencio en el ambiente. Expectación, como el silencio que precede al gol en un estadio. Noto en la primera fila del público cambios. Hay caras conocidas del concierto anterior, pero también muchas nuevas. Me quedo con la cara de un chico con barba y gorro de forma insconciente. Fabi prueba el sonido. Todo OK. Comienza el concierto de los agorazeiners.

Tangana toca el sinte un poco. Da las buenas noches y se dirige al público muy serio y dice sus primeras palabras: «Antes que nada, Zar1 Presidente» Risas y muchos gritos de ruido. En el backstage nos reímos, Zar incluido, que ya está preparado también para disfrutar. Vuelve al sinte el antes conocido como Crema. Lo toca y el ambiente cambia completamente. Es curioso como puede cambiar en unos minutos la atmósfera de un lugar. De la energía absoluta de Erik y Zar1, del bailoteo y la rabia de un directo, a una sensación completamente distinta, se palpa relajación. El poder de la música, pienso mientras lo apunto rápidamente en mi moleskine falso. El poder de la música, Tangana sigue con el sinte y empieza I’ll be Movin’ Music». Synth wave vuelvo a pensar. Veo las caras de la gente, veo como todo ha cambiado, como la energía no ha se desaparecido, sino que se ha transformado. Puro relax. Llega el momento del estribillo y entonces salen del backstage Jerv y Manto coreando «el futuro negro, el futuro negro, más que Obama y Malcolm X«. Entre los tres terminan el tema, con una cohesión sorprendente. «Esto pinta muy bien» pienso mientras continuo garabateando la futura crónica. El público ya está disfrutando. AGZ también. Se les ve en sus caras. Hay placer en lo que hacen. No será la última vez que me doy cuenta de esto. Pasará a lo largo de todo el concierto.

 

Los cuatro al completo

 

Sin tiempo a parar suena «Balas Perdidas» y la peña empieza a saltar cantando el estribillo esperando que Manto lo suelte. A pesar de los problemas de sonido no puedo parar de pensar que en directo suenan muy bien. No caigo en si es el beat original, el de Emelvi u otro, sólo se, como pasará con el resto de instrumentales, que en directo suenan tremendamente potentes. El trabajo de Fabianni y cía es recompensado. Gran sonido de sus ritmos en directo. Llega el turno de Tangana y veo a toda la primera fila cantándose la letra. Veo también gente asomada en los bancos y sillones de la sala. Cosas de tener el techo tan bajo. Si eres un bajito como yo era imposible ver algo. Jerv.agz se prepara, el más joven de todos. El que más tengo ganas de ver que tal se trabaja su directo. No tardo ni dos temas en saberlo, después de «Balas Perdidas», Jerv se sitúa en el centro, a los laterales casi hombro con hombro Tangana y Manto. Le toca al chico y suena «San Quentin Mental». Tangana pide manos para Jerv.agz. El público está entregado así que no hay problema. Les darían lo que les pidieran esta noche. Jerv.agz es pura energía. «Juventud» pienso, yo que no llego ni a los treinta.

Jerv en solitario

Manto y Tangana se mueven alrededor de su compañero mientras le hacen coros. Quien pensara que el protagonismo iba a ser para Tangana se equivocó de raíz. No parece haber jerarquías. Es un concierto de AGZ al completo (salvo la ausencia de Blanco). Para corroborar lo dicho el siguiente tema lo arranca Manto con su magnetismo y su poder de atracción. Son los primeros compases de «Pagar» de Kind of Red y el público corea a muerte. La cosa se va calentando más y más. Transformación de la energía vuelvo a pensar. Porque enérgicos son, no hay tiempo para el aburrimiento, los chicos de AGZ se mueven de un lado a otro, intercambian posiciones, hacen guiños al público, chocan manos con ellos. Movimiento. Ríos de movimiento desde Fabianni hasta el último del público. A pesar de la edad del colectivo, se observan tablas. Se observa trabajo sobre el escenario. El público lo agradece, no veo caras decepcionadas. Claro está que en primera fila siempre están los que más lo viven. Veo a Boogie K asomado desde un banco de una columna con sus colegas. Le sonrío pero no me ve. No se si es cosa de estar detrás o que, pero oigo peor los micros que el concierto anterior. Me cuesta entender a veces lo que dicen. No puedo asegurar aún si es cosa de la distorsión del sonido o que. Da igual porque la respuesta me llega enseguida, suena «Sundays» y Fabianni empieza a tener problemas técnicos que intenta resolver. Pide ayuda a Gabi y a Zar1. No entiendo lo que dicen entre ellos, asi que le pregunto a Zar que pasa. Me comenta que algo de los platos y el Serato. La cara de Fabianni es un poema mientras no para de enredar con los cables. Llega el técnico de sonido mientras los mc’s piden ruido para Fabi. La cosa parece arreglarse o algo, o al menos no hay tiempo para parar. Manto comienza igual que en el Corro y la rueda tira hacia adelante. En el backstage veo a Zar preocupado por lo de Fabi y a la gente preguntando que pasa. Ni idea. Interrumpen el momento los zeiners pidiendo a alguien vestido completamente de negro. Ignoro si lo encontraron, justo me pillaron escribiendo lo que ocurría para que la memoria no me traicionara. Lo encontraran o no, Jerv vuelve con «Todo Está Ahí Fuera». De nuevo situado entre los otros dos, los tres rapean en línea perfecta. Ocurre entonces uno de esos momentos visuales perfectos de los directos, los tres perfectamente iluminados. No paro de pensar lo bien que se compaginan entre ellos. Cosas de trabajarlo imagino, también seguramente de la amistad que les une más allá del show bussiness se suma otra voz en mi cerebro.

 

Micros al público

 

Empieza «If She Don’t», la gente aplaude y hace ruido. Gritan al unísono «perro, you feel me«. Se saben las letras mejor que los propios artistas. El chico que me fijé al principio del concierto, con su barba y su gorro está sudando a mares. Su energía se transmite a los de su alrededor, que no paran junto a él. Le veo quitarse la sudadera y el gorro mientras sigue cantando las letras. Realmente lo vive. Mira a los chicos de AGZ mientras les canta, les hace gestos y les sonríe. No es el único, tomo nota mientras observo al público en primera fila. Veo el lateral izquierdo también petado de gente. Pienso en la pasividad típica del rapper «guay» y me alegro de que al menos, con Erik y AGZ la cosa no pinta así. Cada uno lleva su disfrute de distintas maneras, pero a un concierto no se va a fumar porros atrás en la sala mientras miras perdonando la vida a público y artistas. Has pagado pasta por algo. Si el artista responde, devuélvele el feedback. Sea saltando o con una sonrisa y una cara de estar disfrutando. Lo siguiente es «co-co-co-co cookin souuul«. Tangana pide amor para la gente de Cookin’ Soul y manos el aire para ellos. Veo el techo copado de manos al ritmo del break de «Fakin’ Jacks» de INI y repito junto a los demás «if you cant walk the walk, don’t talk to talk» cual Pete Rock trasladado a la humilde Granada. El tema continúa y aprovecho para sentarme un segundo sobre un bafle o un ampli. Mi ignorancia con el cacharreo. Miro a Zar1 y a Fabianni y les envidio por lo que hacen. Quien pudiera tocar tantos aparatejos… De cualquier manera, la cosa sigue. Piden calor para el siguiente tema, mucho calor para «Espalda con Espalda» del anterior trabajo de Tangana. De nuevon en el estribillo suena más el público que los propios artistas. Gospel de blancos. Aprovechando la tesitura asoman el micro al público y dejan que terminen el estribillo y las líneas. Se alzan cabezas y se doblan cuellos para poder compartir sus voces junto a quienes han venido a ver. En el backstage se tararea el estribillo. Veo a Erik más recuperado y concentrado escuchando a sus compañeros de gira. Suena Jerv.agz, el tercero en el tema. Mientras termina el tema se oyen voces masculinas pidiendo temas, oigo «Ruidos» y me parece escuchar a otro gritar «Fuera del Barrio». No parece que los vayan a tocar, pienso.

 

Tangana soltando lo suyo

 

Para gozo del público el siguiente tema es de Kind Of Red. Salta Manto, -ya copa en mano- con «Livin’ las Vegas». Todo continúa en la misma línea. No observo momentos de bajón, ni entre el público ni entre los chicos de AGZ. Si que puedo ser testigo de los problemas continuos de Fabi con los cacharros. Zar sigue asomándose de vez en cuando para ver como va la cosa. En esas estamos cuando termina «Livin’ las Vegas» y suena «Represent» a todo volumen. «Esto me ha pillado por sorpresa» gritan mis pensamientos mientras mis piernas parecen responderle directamente saltando. Back to ’94 que diría nuestra Lady R. Empiezo a cantar la letra, pero Fabi corta rápidamente y mete «Wings». Cuando un tema gusta entre el público, se nota. «Wings» es de ellos. Noto como la primera fila está todavía más pegada, más al límite empujada por los de atrás y por la propia sinergia del directo. C. Tangana aprovecha para volver a sacar el micro al público que corea «¡Es C. Tangana!¡Es C. Tangana!«. Manto pide más bebida y no puedo evitar fijarme otra vez en que Fabi y Zar siguen hablando de problemas técnicos y de algo más. No logro escuchar del todo lo que dicen, así que vuelvo a concentrarme en el directo. Para terminar el tema volvemos otra vez al pasado y suena «Things Done Change». Ya sabeis, «remember back in the days, when niggas..» Sonrío y se me escapa un «hijo puta el Fabianni«. El tema tenía sentido, puesto que el siguiente en sonar es «Go Back» de Jerv.agz. Momento en solitario más brillante del chaval. Los coros son menos por parte de Manto y C. Tangana. Zar1 le pasa unos discos a Fabianni (¿sería esto de lo que estaban hablando antes?). Jerv sigue a lo suyo disparando sus líricas con muchísima energía. Lo siguiente no lo esperaba. El chaval se baja del escenario y empieza a rapear entre el público, el cual le abre el hueco suficiente y le deja en paz mientras cabecean al ritmo de la instrumental. Actitud, pienso. Allí se pasa un tiempo mientras observo a Manto y Tangana también algo sorprendidos, pero disfrutando como el que más con lo que estaba haciendo el pequeño. Yo también lo disfruto. Esas cosas siempre se agradecen. El público, más todavía. Primera fila es un mar de manos comandadas por el chavea de la barba. Piden que se suba el micro. Que no se oye lo suficiente. Lo corroboro y alguien en el backstage me lo confirma también. No se oye como debería. Empiezan a probar y con un «ahora si ¿no?» continúan el concierto.

 

Manto al micro

Arranca la colaboración con la gente de Baboon Estudios. Manto toma el mando y comienza «The Party is Over». ¿Preludio de qué se acaba? El final de la canción parece decirme que si. Me siento con Erik y le preguntó que tal está, me dice que bien, más descansado y me comenta una cosa. Le digo «¿en serio?«. Me responde con un corto «Sí, tío«. Sonrío y digo «lo van a flipar entonces«. Él también sonríe y se sumerge en su mundo. Termina el tema. La gente pide más y más y más. Dan las gracias y abandonan el escenario. Pasan unos segundos. Tal vez minutos para el público. La gente ya sabe que toca un bis. Hay un tema que aún no ha sonado. Primero Fabi. Luego Tangana. Dos personas sobre el escenario. Y entonces suena. Al igual que con UFO la locura es total. Todo el mundo grita y espera. Suena el break de batería (boom boom bap, boom bap, boom boom bap, boom bap). «I’m back» oigo decir en bajo a C. Tangana. Sus compañeros están con nosotros, semi-agachados, Manto y Jerv.agz le hacen los coros desde el backstage. Tangana está en el centro del escenario dándolo todo. Oigo las típicas onomatopeyas del rap en sus bocas. Están sonríendo. Salen hacia el final del tema para terminarlo juntos. Devuelven el ruido y piden devolver el ruido. ¿Se van o no? piensa el público. Yo sonrío por dentro. «No, aún no, les digo en silencio«. Después suena otro tema del Kind of Red. Mierda. No escribí cual en la libreta. No importa. La gente si lo sabe, sigue a su rollo disfrutando. Todo se acaba, dicen. Vuelven a abandonar el escenario. Esta vez la gente cree que es la definitiva. Alguien tiene un micro en la mano. Aún no, aún no.

 

Despedida del público

 

 Parte del público sigue pidiendo más. Miro a mi lado justo a tiempo para ver a Erik Urano volver a salir al escenario. Trae el frío otra vez. La confusión de los presentes le añade genialidad al momento. Un par de segundos de titubeos y volvemos a oír ruido, mucho ruido. Fabi está a los mandos. Pero no está solo, Zar le acompaña. Y entonces… suena otra vez. Último tema de Energía Libre. La locura se repite, o incluso va a más. Nadie esperaba esto y la peña lo flipa. Erik vuelve a rapear con toda su energía y en el backstage tres micros más le hacen coros. No tardan en unirse a él y sobre el escenario se juntan AGZ y Erik y Zar1. Una fusión total. Se ríen, se sonríen y le hacen los coros a Erik mirándole directamente. Le rodean y se divierten. Zar y Fabi están saltando también compartiendo platos. Volvemos a repetir el izquierda-derecha, izquierda-derecha, I keep walkin’. Me siento como Franka Potente, me dan ganas de correr una hora y media y que me filmen. Se oyen «Eh! Eh! Eh! Eh!» por parte del público. El humo del porro de Erik le da un toque especial al ambiente. Se lo pasa a Manto y entre el humo se atisban sus caras y las palabras fluyen. Fluyen sin parar. Se acerca el final y el público ya está loco esperando el momento. Un bis de un subidón. Todo parece pararse o ir a cámara más lenta. Erik pide ruido. No lo suficiente. Entonces Erik dice «si no haceis ruido de verdad no lo suelta«. No se si era Zar o Fabi, pero se empieza a ralentizar el tema. La gente grita más y más. «Que no lo suelta, que no lo suelta» vuelve a decir Erik. La instrumental suena todavía más lenta. Hasta yo me impaciento. «¡Que no, que no!», gritamos también desde atrás. Todos estamos agolpados esperando el momento. Insane. Lo siguiente es Insane. Saltos, más y más saltos. Ya no se si saltan más alto los zeiners y Erik o el público. Simbiosis. La definición de un subidón de adrenalina ante mí. Descanso, ¿dónde estás?. Cuando me quiero dar cuenta ya suena el remix de «Gente Corriente». Manos arriba de toda la sala. A algún técnico despistado se le ocurre poner música pensando que había acabado la cosa. Se oye «que aún no hemos acabado coño, apaga la música«. Ahora si, todo va bien. Los cuatro se corean, se mueven y rapean sus últimas líneas. Fabi y Zar se mueven también al ritmo. Todo se acaba, dicen. Si. Esta vez si. Se calla la música. Los cuatro micros dan las gracias, señalan lo bien que ha estado el concierto, vuelven a agradecer al público su presencia y energía, acierto a oír un «me cago en la puta Granada, que guapo» y los seis abandonan el escenario conjuntamente completamente ovacionados por el público. Aprovecho para darle la enhorabuena a los chicos de AGZ y veo a C. Tangana negando con la cabeza. No es el único, Fabi tampoco parece estar contento del todo. La gente va abandonando el lugar y el propio Fabi coge el micro y les recuerda que ahora va a haber sesiones de ellos después. Que no se vayan a sus casas todavía. Pasados unos minutos me siento junto a Tangana a descansar yo tambien. Me comenta que ya me invitarán a un concierto de verdad. Le pregunto que por qué. Me dice que no puede ser tantos fallos técnicos. Que están contentos por el público pero que no puede ser que fallen los micros, el serato, los platos… muchos fallos. No lo entiende cuando en el ensayo salió todo bien. Estoy de acuerdo con él. Si ellos son conscientes de que pueden dar más es porque se exigen a sí mismos. Aunque no esté en sus manos el cambiarlo. Le digo que bueno, yo he disfrutado y el público bastante más. No imagino quejas por su parte le vuelvo a comentar. No importa, no está contento y me pregunta que si voy a hacer crónica. Le digo que sí. Que pensaba hacerla de ambos. Asiente y se sienta en el sofá.

 

Momento bis en Sevilla. En Granada la cosa estuvo mucho más petada

 

Busco a Vicky Gee y a Boogie K. Le comento a Vicky que ya no necesito más fotos y que ya la dejo en paz. Sonríe. Hablo un rato con Boogie K y empieza Fabianni a pinchar. Aprovechamos para tirarles unas últimas fotos a Erik y Zar1. Después tanto ella como Boogie se marchan. Yo no tardo mucho más en irme ya cansado y encima teniendo que sacar a mi -pobre- perro, no sin antes despedirme de todos y darles las gracias por todo.

 

Nota: Las fotos que acompañan al texto pertenecen a dos conciertos, el de Granada y el de Sevilla. Las de Granada han sido realizadas por Vicky Gee y las de Sevilla por Diego DP.

 

PD: muchas gracias a Vicky Gee y Boogie K por la paciencia y por pasar la tarde conmigo y aguantarme. Con gente así da gusto trabajar. También a Erik y Zar1 por todo. Sólo puedo decir de ellos cosas buenas. Así como de los chicos de AGZ. Humildad.

Mucho amor para todos los que estuvieron en el concierto.

Name Droppin’ #2

¿Qué mirada puede ser la de Aphex Twin? ¿Tiene mirada la música electrónica experimental? La tiene, y no es agradable.

Aphex Twin puede ser con facilidad el compositor de música electrónica más importante de los últimos 20 años. Inclasificable y experimental (¿tal vez lo podamos encajar en la IDM?), el trabajo de Aphex Twin supone un avance y un reto para el oyente habitual de música electrónica. Desde sus comienzos con el acid trash y con aquel maravilloso «Selected Ambient Works 85-92» hasta sus últimas experimentaciones con sintetizadores y jeroglíficos matemáticos, Aphex Twin se ha convertido en la vanguardia de la música electrónica, defendiendo su posición y su labor transgesora (a lo Underground Resistance) como música representativa de la posmodernidad. Ha coqueteado con el mainstream, ha roto con Warp, ha creado su propio sello, sigue grabando en cintas magnéticas en el estudio, aparece y desaparece… en definitiva, Richard David James ha hecho y hace lo que le da gana, manteniéndose fiel a si mismo y a sus convicciones. Sin embargo, no hemos venido aquí a hablar de Aphex Twin, sino de su cara. Richard será un genio de la electrónica, pero feo/rarete/particular es un rato.

 

Aphex en directo

 

Aprovechando la ventaja de esta tesitura (o no), Aphex Twin decidió explotar su imagen a partir de mediados de los noventa para ilustrar portadas de discos («I Care Because You Do», «Richard D. James Album») y EP’s («Come to Daddy», «Windowlicker»…). A partir de esta idea, de la ilustración de sus propias creaciones con su cara en primer plano con miradas (seguramente retocadas) retadoras, maléficas y que parecen burlar al oyente, Aphex Twin decidió ampliar el concepto a través de la creación de videoclips. Y es aquí donde realmente funciona al 100%, como veremos más adelante. Para la realización de estos videoclips, Aphex decidió contar con un amigo suyo, Chris Cunningham. Reconocido director de videoclips (para el que suscribe, el mejor), con un universo particular y obsesionado con el cuerpo, Cunningham era, sin duda, la mejor elección para trasladar al formato audiovisual el agobio y la extrañeza de las composiciones musical de Aphex Twin.

¿Y porqué la mirada? ¿Qué tiene la mirada de Aphex? ¿Porqué niños?

Si, niños y mirada. Ambas referencias forman una sola. Cuando Erik habla de mirada de Aphex Twin a través de los niños se refiere, sin duda, a esto:

 

 

Atmósferas jungle y hardcore, viejitas asustadas, barrios grises y desolados ingleses, y sobre todo, niños. Niños con cara de adultos (la de Aphex) dispuestos a destrozarlo todo (antes de Gavras y su Stress) y a sembrar el terror allá por donde vayan. Uno de los grandes aciertos de Cunningham fue aprovechar la inquietud, la ansiedad que se produce en nuestro cerebro cuando vemos algo que no termina de encajar con nuestras concepciones, en este caso, cuerpos de niños con caras de adultos. Ese continuo malestar y el pensamiento de que algo no cuadra redunda en el acongojo del espectador, que no sabe si está ante un clip de terror ( referencias a Poltergeist mientras se repite «I want your soul, I will eat your soul» incluidas), de gamberreo puro y duro, de destrucción per se, de nacimiento de una bestia con referencias a apocalipsis bíblicos («Come to Daddy» como la vuelta al Padre, pero invertido) o de nada de lo anterior. Independientemente del significado (si es que lo hay), Come to Daddy supuso un hito en la creación de videoclips de música IDM (Cunningham ya había trabajado anteriormente con Autreche), convirtiendo al propio formato visual en apoyo y reafirmación de lo sonoro (¿existe mejor forma de expresar visualmente las atmósferas violentas de «Come To Daddy» que esta?) y no como mero acompañamiento y/o atrezzo de explosiones de color epilépticas como reflejo del éxtasis colectivo de la pista de baile.

La cosa no quedó ahí, y en 1999 ambos volvieron a unir sus fuerzas para «Windowlicker», una suerte de creación ambient pre-modas Chill Out rugosa y bailable. 10 minutos de extensión con mini-historia incluida para dar lugar a una de las mejores sátiras sobre el pimp game, la construcción ficticia del rapero pimp y el culto al cuerpo neumático de strip club de mala muerte. Los primeros tres minutos constituyen un sketch soberbio sobre los tópicos del playa que ni el mejor Chris Tucker pudiera haber firmando nunca. Tres minutos que sirven para situarnos antes del choque. Choque, que de nuevo, tiene como epicentro la cara de Aphex Twin. En esta ocasión, transmutado en un pimp blancata salido de Miami Vice cuyos gestos obscenos transformados en coreografías de baile (clara referencia a Gene Kelly y a los musicales de los 50) conquistan y embelesan a las hoes, descuidadas observadoras del baile de apareamiento, ignorando completamente el cambio que subyace y que en breve transmutará sus caras. Cuando este cambio ocurre, el humor o la sonrisa desaparece del espectador, convirtiéndose en una mueca de horror y disgusto que no cesará hasta el final del videoclip. El cuerpo femenino como sujeto erótico de contemplación pasivo es roto mediante la dualidad cara/cuerpo, entre lo que ves y lo que tu cerebro preconcibe (el cuerpo femenino despierta el deseo masculino, el cuerpo bello asociado a una cara bella, etc.). Estamos entonces, otra vez ante esa antagonía, ese punto intermedio entre el asco y el desconcierto, entre lo que tu cuerpo te dice, y lo que realmente es. En ese punto donde saltan las alarmas sensoriales ante algo desconcertante. Muy en la línea de la Teoría del Valle Inexplicable (o esos momentos inexplicables cuando contemplas un muñeco de cera bien hecho), tanto «Come to Daddy» como «Windowlicker» juegan todo el rato con esta confusión, sometiendo al espectador a un trastorno continuo que convierte su contemplación en una especie de lucha entre el placer, el asco y el rechazo. En definitiva, la sensación de que algo no está en su sitio, de que no pertenece.

 

 

En 2005 publicaron su última colaboración juntos. «Rubber Johnny». Rodada entre 2001 y 2004 «Rubber Johnny» parte de la idea de Cunningham de un ravero cambiando de forma mientras baila. La idea cambió bastante con los años y al final el resultado fue una pieza de terror corporal post-ravero al ritmo de afx237 v7. En «Rubber Johnny», la mirada de Aphex Twin se diluye por completo. Sin embargo, si que continua la aproximación al desconcierto, apuntada aquí mediante la figura deforme de un niño abandonado/encerrado en un sótano y el uso de la cámara de visión nocturna durante todo el metraje. Influencia casi segura en el Rec de Paco Plaza y Jaume Balagueró (el primer minuto es terror puro), «Rubber Johnny» es una excelente pieza experimental que vuelve a confirmar el feedback existente entre ambos artistas.

 

 

Por tanto, y para resumir, la «mirada de Aphex Twin» tiene unos significados muy evidentes: desconcierto, inquietud y rechazo; todos ellos asociados a la posmodernidad, o si no queremos ponernos intelectuales, a los tiempos que nos ha tocado vivir en los que siempre tenemos la sensación de que algo no encaja, de que existe algo subyacente que no podemos controlar y que nos agobia. En UFO Erik parece ponernos en la piel de un extraño en un lugar extraño, sea un extraterrestre, un desarraigado, o un alienado de este sistema. Un personaje de Aphex Twin. Un astronauta en territorio ajeno. Un observador (el Observer de Fringe o Los Eternos de «El Fin de la Eternidad») del entorno en que se mueve -y que parece habitar desde la distancia-. Por tanto, la «mirada de Aphex Twin» redunda en esta confirmación de la extrañeza, de la inquietud y el desasosiego de los habitantes las urbes modernas transmutados en extraterrestres, en extraños en su propio hogar. Ciencia ficción y cyberpunk, UFO.

 

«Yo que vagué por el espacio y hoy me encuentro en este barrio, atrapado en este cuerpo, ocultado y perseguido como un UFO»

 

Beyoncé – Bow Down (Putilla)

Da igual si Beyoncé es de tu agrado o no. Si eres fan a muerte, o como es mi caso, ni te va ni te viene su figura ni su carrera. Da igual si piensas que está donde está porque es la mujer de, o por su propia valía. Da igual, Bow Down/I Been On es un temazo.

Publicado el pasado 17 de Marzo vía twitter y el Soundcloud de la Knowles, Bow Down/I Been On es un temazo de proporciones épicas que tiene más de booty club que de diva del R&B. Producido por Hit-Boy y atención, Planet VI, Polow Da Don, Sonny Digital y Timbaland (esto qué es ¿la liga de la justicia de los hitmakers?), el single es un revienta clubs con una Beyoncé desatada llamando putillas a todas sus competidoras y/o haters. Por si fuera poco ya esto, y ya puestos, ¿por qué no hacemos un homenaje a mi ciudad a saco? y ya puestos… ¿por qué no rapeo y me lo ponéis en S&C para joder a todas esas putillas? Me imagino en el estudio a Hit Boy y a Timbaland disfrutando como perras trasteando con los cacharros mientras se Beyoncé dedica a la (auto)iconoclastia. Porque admitámoslo, la señora del dueño de los Brooklyn Nets ha puesto hasta en contra suya a sus propios fans. Todos esas y esos Flanders se han vuelto locos e irascibles al ver a la suave y tierna Beyoncé cagándose en los muertos de las Beyoncé wannabees y poniéndolas en su sitio. Aquí la reina soy yo.

No vamos a entrar en el terreno de los beefs en demasía, pero digamos que la letra de Bow Down tiene al menos, una destinataria: Keri Hilson. Aunque, como siempre en los beefs, no está clara la cosa, digamos que Keri Hilson le dedicó a Beyoncé estas líneas en el remix de Turning Me On:

She can sing, but need to move it ‘to the (left)’

 She need to go have some babies

She needs to sit down, she fadin’…

Go ‘head and tell them folks how long I been writing your songs

I been puttin you on, just check the credits

Keri Hilson es conocida por escribir unos cuantos hits de otras estrellas, entre ellas, Beyoncé. Como consecuencia, todos apuntaron hacia ella cuando salió el tema. La cosa es, si ha escrito para varias, no está claro que fuera dirigida a Be. Es más, hay quien dice que iba dirigida a la cantante de Pussycats Dolls, como quiera que se llame. Por otra parte, la pobre Keri no da para más (hay hasta quien dice que desde que empezó el beef su carrera se ha acabado) y la tienen frita en Twitter.

I heard you boo was talking lip

I told my crew to smack that trip

smack that trick, smack that trick

Guess what they did, smack that trick

Vaya dirigida o no a Keri Hilson (Rihanna dicen algunos), lo que está claro es que Beyoncé se ha desatado. Si la primera parte de la canción ya es una declaración de guerra, la segunda es directamente Beyoncé a lo Marlo Stanfield pasada por las manos de DJ Screw y UGK. Timbaland se pone al mando de la nave, nos regala más chopeos de voces de los suyas, más estribillos en screw de los suyos y no cabe más que disfrutar.

Debo confesar que al principio pensé que era un verso de algún guest star o del propio Hova. Beyoncé rapeando no entraba en las quinielas de nadie. La cosa es que cuando escuchabas detenidamente te dabas cuenta de dos cosas, uno, el acento bien marcado de Texas, y dos, que por ende, Jay-Z no podría ser. Ya uno empieza a pensar en Slim Thug, Bun B o vete tú a saber quien chequera mediante. Empiezas a babear, pero… un poco de google y ¡sorpresa! coño, que es la propia Beyoncé rapeando. Hombre digo yo que algo se le habrá pegado de estar tantos años con Hova. ¿Y qué es lo qué rapea? Pues que quereis que os diga, puro Houston:

Rolling high, leather and wood,

Keep it trill, thas was good

Kiss my momma, show that luv

Poppin bottles in that club

 

Hola UGK al completo, hola Cadillacs, hola basics de Houston. Sin embargo, lo más interesante es sin duda, el final:

I remember my baby hair with my dookie braids

Frenchy’s, Boudin in the parking lot

Shout-out to Willie D

I was in that Willie D video when I was about 14

Lookin’ crazy

Shout out to Pimp C

You know, we used to sneak and listen to that UGK

“Didn’t do your girl, but your sister was alright, damn

In your homeboy’s Caddy last night, damn”

Hold up, Texas trill

H-town, going down man

 

Dookie Braid? Beyoncé so hood ma nigga.

Frenchies y Boudin? Beyoncé comiendo en los mejores sitios de H-Town y dándole a la comida cajun (por si alguien no se había cuenta de la herencia bounce del beat).

Willie-D? Willie-D? el mismo Willie-D de I Wanna Fuck Your Mama? Beyoncé, chica, sabes como enamorarme.

Y aquí ya llegamos al acabose, al sumun y donde mucha gente se perdió ¿de qué video está hablando la tipa esta? ¿catorce años? Pues si, Beyonce salió no en un video de Willie D, sino de los Geto Boys, concretamente este:

Ahí la tenemos hecha una cría y mirando a Willie D con miradas lascivas (ey yo Hova, en tu vida has tenido esos músculos). Pues sí, Beyoncé, como oriunda de Houston y como futura estrella (la obsesión de su padre), hizo sus pinitos en su ciudad natal antes de dar el gran salto. Pay homage que dirían. Por ello Bow Down/I Been On se mantiene firme y no suena a intento de subirse a ningún carro. Porque la propia Beyoncé es de Houston y sabe de lo que habla, puesto que lo ha vivido, tal y como se encarga de dejarnos claro ya en sus últimos versos cuando nos cuenta como tenían que escuchar a UGK a escondidas y decide parafrasear al grande (R.I.P.) Pimp C en este tema:

Ficha el minuto 3:05 para comprobarlo.

Para terminar, ya hay videoclip oficial del tema. No hay versos, no hay screw, no hay Houston. Vaya cagada:

El$$o Rodríguez – Estatus del antihéroe, interpretaciones sobre su figura.

Estatus del pícaro también. El personaje de El$$o se engloba en un terreno bien conocido en el género español, el del buscavidas, el superviviente astuto que sale vivo de todas las situaciones límite. No en vano, la RAE define pícaro como «Persona de baja condición, astuta, ingeniosa y de mal vivir.» 

Baja condición inherente a los bajos fondos donde se sitúan los lyrics de El$$o. Los bajos fondos del cine negro norteamericano de los años 30, los bajos fondos de los poetas europeos o los bajos fondos portuarios en blanco y negro. Nos sitúa por tanto en un imaginario, real o no, tangible y coherente a su actitud por cuanto lo habita y no lo fantasea. El personaje de El$$o transita por su entorno como un elemento más de él, sin glorificación ni glamour, y, ni muchos menos, la luminosidad y  limpieza que en muchas ocasiones ha venido asociada a la vida de los «fuera de la ley». En primer lugar, porque como antihéroe, ni siquiera es protagonista -como héroe henchido- de nada, sino mero testigo de los éxitos ajenos y de los fracasos propios. Su posición no es central, sino lateral. En el mundo que habita su personaje es mero atrezzo de las grandes historias. Si tuviéramos que asociar una imagen visual al lugar donde nos traslada El$$o sería al fondo de un bar mal iluminado, donde una sombra posa su vaso medio lleno sobre una mesa destartatalada mientras observa el juego que se desarrolla ante sus ojos, del cual es partícipe en ocasiones, aunque siempre con el mismo resultado: la derrota.

Aunque astuto e ingenioso, al pícaro la vida no le sonríe. La suerte -por azarosa que sea- siempre cae del lado de otros, y sólo su propio inteligencia le permite seguir tirando hacia adelante. Las historias de El$$o son las historias del derrotado y de las consecuencias que ello deriva. Historias de la pérdida y del perdedor, ya consciente de su condición de loser alimentada por un fatalismo incorruptible. Conoce y acepta el juego, así como las cartas que le han tocado. Historias de su estatus. Su posición. Así, construye su existencia sobre estos cimientos, los solidifica y los mantiene firmes, al mismo tiempo que lo mantienen firme. Una vez has aceptado la derrota («buscando pasión en cada todo a 100», «escribo la autobiografía de un primo», «en mi epitafio, aquí yace un cretino»), los golpes ya son aceptados incluso antes de ser recibidos. La caída no es ni inminente ni cercana, sino continua. La vida es vivir jodido. La sensación de estar de paso, de nada que ocupa un espacio («porque a nadie le importa si estás de paso o no») destinada a fracasar continuamente hasta su muerte es constante en el discurso de El$$o. Estás aquí por azares de la vida y el triunfo no forma parte de dicho azar. Es simplemente un superviviente más en este absurdo que es la existencia. Autárquico por definición (o como consecuencia), El$$o, como aquel personaje de La Náusea, simplemente se «sobrevive». Bajo las reglas de uno, y el gobierno de uno, incapaz ya, de confiar en un entorno que le condena al hundimiento (Autarcía/Autocracia).

 

 

El antihéroe, en su definición clásica, es un personaje que no posee virtudes heroicas ni valores morales positivos asociados a esta actitud (valiente, idealista, fuerte, luchador…). En el género el protagonismo le llega de rebote y sin que él (rara vez es femenino) lo busque ni lo desee. Y aunque en las últimas décadas su aparición (sobre todo en el cine de acción -desde Bruce Willis hasta Jason Statham-) ha venido acompañada del triunfo definitivo en la vida (o ante el mal) como redención y exculpación de pecados pretéritos, al verdadero antihéroe esta resolución positiva de su existencia les es vetada e impedida. En general, el antihéroe, el pillo, funciona como eje o engranaje que permite que la maquinaria termine de engrasarse y funcionar (o de triunfar); funciona como mecanismo funcional (siempre temporal y nunca definitivo) para llegar a un objetivo. Llegando a recalcar en continuas ocasiones a la muerte como única salida posible, como última liberación del paria ante una vida de desastres. Por tanto, sus acciones se revelan siempre como objeto, y nunca como sujeto («problema en la subasta, nadie puja un duro», «olvidaos de la historia», «señor Don Nadie»). El éxito es un tren que no para en su estación. Siempre pasa de largo por más que se intente pararlo (o dinamitarlo). Como consecuencia, el hastío y el cinismo -el descreímiento- son las paredes en las que habitan los textos de El$$o. Existe, entonces, una total conciencia de derrota afianzada por el conocimiento de los mecanismos interiores que mueven el mundo y a los seres humanos (estamos ante un análisis claramente posmoderno), que tal y como se encarga de relatarnos a través de su música, no son nada bonitos. Aunque sea una contradicción, el vacío completa -llena- su estatus.

 

 

Dicen que al final sólo nos queda el amor. Pero ni con esas. Al arquetipo del perdedor, el amor se le antoja como la única vía posible, el último cartucho. Pero «¡Ay bendito!», el amor es el más traicionero de todos. A El$$o, como a todos los perdedores literarios, llegamos después de. Ya sólo quedan los posos de la amargura y del rencor («viniste a mi vida preguntando por droga, te fuiste escuchando puta», «fuiste mi hula hop») de algo pasado. El status de El$$o se sitúa entre la ruptura y el olvido, en ese punto intermedio de ni quiero ni te perdono, pero tampoco consigo olvidar. Las líricas de El$$o se convierten en narraciones de la post-ruptura, narradas desde la madurez, pero también desde el dolor, sin el drama ni el manierismo asociado a las letras de desamor características del pop. Narra a pie de suelo, desde las calles que habita, y, sobretodo, desde la normalidad del ser humano y su comportamiento ante el fin abrupto de las relaciones humanas. Ese punto intermedio de soledad y vuelta a la independencia (Autarcía), forzada por el desastre. A través de sus canciones El$$o nos sitúa siempre en ese punto intermedio, en esa nada dubitativa entre el horror del fin, el dolor punzante de la herida reciente («sólo guardo amor para mi madre») y el período de recuperación, en su caso, seguramente para volver a repetir la secuencia (el pesimismo del perdedor). Basada en experiencias reales o no (¿acaso importa eso?), la literatura de El$$o se centra en las relaciones rotas de mala manera y sobre ellas pivotan la mayoría de sus creaciones («Aunque tu cueva ya no sea mi cueva» «en el after haciendo como si no nos conociéramos», «antes era cuando me miras se me empalma y ahora es nena, como me mires se arma»), confirmando la derrota en las relaciones humanas como la peor de todas y sobre la que se construyen/destruyen y confirman las personalidades (con sus esqueletos en el armario) de todos nosotros. El determinismo o el fatalismo vuelve a aparecer escondido bajo la aceptación de esta derrota. Nada se puede hacer («soy experto en, bueno, respiras por lo menos»), salvo exponer las miserias de esta existencia. Exposición que, en el caso de El$$o, y paradójicamente, es de todo menos mísera y sucia, sino brillante a nivel formal y de contenido.

 

«Aún recuerdo tu cama y el ufff, que puto frío, nos moríamos de culto de amor, de costo y vómito

Por el momento nos creímos perfectos, y el futuro llegó como un desastre natural

¿recuerdas? y Mario Picazo nos miraba»

 

Esta situación de entre períodos también es trasladada a la propia figura del narrador. La propia construcción del personaje responde, como consecuencia, a acciones pasadas que configuran (como hemos señalado ya) su comportamiento. Haya amor o no, el personaje de El$$o responde al arquetipo del seductor del cine negro («por el ingenuo romanticismo de ser Humprey Bogart en un mundo deshecho»), crápula, cautivador empedernido de mujeres en busca de emociones fuertes, descreído y orgulloso («canallas trasnochados», «putas de prepago»). También destila chulería española, la del casanova de tasca de mala muerte, habitante de las madrugadas. Sin saber realmente que ocurrió en el pasado, el El$$o del presente no se deja manejar ni manipular; si no me tocas, no me hieres, si no me hieres no sufro. El escudo como forma de vida. Empirismo naturalista en estado puro (el determinismo empapa todo su trabajo). De ahí que si en el pasado nada funcionó, tampoco es posible que en el presente -o en el futuro- funcione. Está impedido por la propia resolución empírica que ha adoptado. De todo ello deriva su condición de tirita, del tipo que pasa para no quedarse en tu vida. De explosión (pasión, hedonismo) temporal con su onda expansiva (ruptura traumática). De intermedio.

Sin espacio para la duración y con la ruptura como fin de antemano, sólo es posible atraer a otros como tú. El$$o vuelve a recuperar otro arquetipo, el del análogo femenino. Por lo que cuenta, y por como lo cuenta, la elección de con quien comparte cama siempre es errónea (por el resultado final catastrófico), y aunque la culpabilidad en estos casos es compartida -uno atrae lo que es-, no está de más señalar que normalmente en este género, el personaje femenino es tan destructivo o más que el masculino. La espiral de autodestrucción de estos seres heridos transmuta en una espiral de destrucción mutua cuya máxima consecuencia es un erial emocional donde es imposible que vuelva a crecer nada. Lo grande de El$$o es situarnos, precisamente, en ese momento post-apocalíptico en el que importa menos la causa, que la reacción. El$$o prefiere ubicarnos en el espacio intermedio del ¿y ahora qué?

 

«Mátame, mátame, cúbreme de perfidia, ahógame en tu vanidad de pobre niña rica,
ponme en la línea, con la bandera blanca y una orquídea amarilla esperando en la puerta,
elígeme y gástame soy la oferta del día,
las flores están muertas, la cena ya esta fría,
y la alerta es cada vez mas obvia, porque hace un cuarto de hora que Aretha canto la última,
en el hilo musical una furtiva lagrima, en la siguiente pagina pone
¿Qué coño esperabas? ¿Milagros como Fátima?
Chico, te has tirado toda una vida pateando el Karma
y ahora es normal que todo vuelva,
cuando el mundo se deforma,
mi fármaco es tu vulva,
aunque tu cueva ya no sea mi cueva te esfumaste sin mas como la chica de la curva.»

Estatus del pillo, del perdedor, del pícaro, del antihéroe. Estatus de la tradición literaria española de la tragicomedia y el esperpento. Estatus del absurdo, desde el Quijote hasta Gila. El estatus de El$$o Rodríguez.

 

El$$o Rodríguez suena en

OGC VS Biggie

BIGGIE VS

«I can be as good as the rest of them, but as bad as the worst of them, so don’t test me»

La frase de la discordia.

Pero antes situémonos un poco para poner en contexto los orígenes de este beef no tan conocido. Nueva York, mediados los 90. Ya sabéis, ocaso de los Golden Years con una clara figura dominando la escena mainstream y cambiando conceptos en el juego del East Coast: Biggie. Mafioso, auto indulgencia, rollo pimp, materialismo, vida en mansiones… en definitiva, la glorificación de un estilo de vida heredado de la mitificación de los narcotraficantes/gangsters a través de los filmes y la cultura pulp (Biggie solía referirse a sí mismo como The Black Frank White).

En este entorno de luminosidad, de perpetuación de tópicos de un estilo de vida concebido en, pero ya alejado de las calles, el público underground norteamericano abrazó el estilo y la filosofía de Boot Camp Clik como la contraposición, el opuesto a lo que Biggie representaba. En un mundo donde triunfaban las «radio friendly» canciones de JUNIOR M.A.F.I.A. y Biggie se metía los billetes de 100 doblados por toneladas, Boot Camp surgió para los fans como el contraste ideal a tanto «commercial rap«. No es nueva esta actitud, ya sabéis, la de si ganas dinero eres un vendido y si perteneces a la tribu underground has de ir en contra de aquellos que ganan -mucho- dinero con su trabajo. Aunque este artículo no es el lugar para hablar o discutir sobre este tópico absurdo, es bueno señalar el porqué determinados sectores abrazaron el trabajo de Boot Camp como un medio de (auto) reafirmación.

Boot Camp Clik y Junior M.A.F.I.A.

En estas estamos, con Boot Camp haciendo su sonido gritty, underground, oscuro y muy alejado del mainstream, y con Biggie dominando el juego cuando aparecen unos jóvenes con muchas ganas de comerse el mundo y, que al igual que sus fans, están en contra de los planteamientos estéticos de Biggie. Estamos hablando, claro está, de OGC. Formado por Starang Wondah, Top Dog y Louville Sluggah (todos ellos con múltiples sobrenombres), OGC eran los miembros más jóvenes de la clicka cuando sacaron su LP debut en 1996. «Da Storm».

Portada de Da Storm

OGC con todo el apoyo de Duck Down estaban haciéndose un nombre en el circuito underground, dando conciertos y allanando el terreno para su primer LP. Una noche, cuenta General Steele, dieron un concierto en el mítico Palladium, donde presentaron por primera vez algunos temas, entre ellos, Da Storm. Tema que empieza con Top Dog diciendo aquello de «I can be as good as the rest of them…» de Shabba Ranks y Deborah Glasgow. Pues bien, Biggie y Junior Mafia estaban entre el público aquel día. ¿Y que pasó? pues que unos días más tarde la gente de Boot Camp se encontró en la radio con un single cuyo estribillo «casualmente» decía exactamente lo mismo. El tema en cuestión era «Gettin’ Money» de Junior Mafia featuring Biggie. Escuchar atentamente el estribillo para ver que hasta la entonación es exactamente la misma, no cambiaron nada, ni de Shabba ni de OGC. Que fue antes, entonces, ¿el huevo o la gallina? ¿Se apropió Biggie de la frase de Top Dog? ¿fue al revés? ¿fue Shabba el origen?

Portada de Gettin’ Money Remix

Tanto uno como otro tienen razones para defender su posición. El remix de Gettin’ Money salió el 1 de Enero de 1996. 10 meses antes de que saliera «Da Storm». OGC claman que estuvieran grabando el disco desde Noviembre de 1995 hasta Julio-Agosto de 1996, lo que daría veracidad a su argumento. De cualquier manera, la reacción fue la misma: los chicos de OGC se lo tomaron personalmente y decidieron ir a por Biggie por «robarles» el uso de sus lyrics. Evidentemente, la cosa ya estaba caliente desde antes. Aunque Boot Camp nunca fueron a por Biggie frontalmente, ni lanzaron nunca un diss o iniciaron un beef, está bastante claro que ellos mismos (sobre todo Smif-N-Wessun y OGC) se definían como antagonistas de lo que representaba Biggie. Antes hemos hablado de los fans, pero cosas como este videoclip ayudan a entender que no fue únicamente cosas de los fans, sino que los propios miembros de Boot Camp compartían, de cierta manera, su visión:

Fichad estos momentos: 0:59-1:09, 1:41-1:42 y 2:32-2:33. Vaya, un tipo gordo con gafas, camisa llamativa, rodeados de hoes y con un colega que no para de gestualizar con las manos. No hace falta ser tan explícito como Suge Knight para comprender a quien disparaban. Con la duda de cuando salió exactamente el videoclip, no podemos estar seguros de si fue la primera reacción ante la copia de Biggie, o venía de antes. Tampoco ayuda que el videoclip transcurra en un concierto y que el diss (visual) sea tan directo. «Da Shinin'» salió un año antes que»Gettin’ Money», por lo que es argüible que el videoclip que acompaño al single fuera grabado y emitido antes del suceso del Palladium. Añadamos también quienes colaboraban en ese tema, OGC al completo. Blanco y en botella. Ocurriera antes o después, podemos estar seguros que Biggie no era plato de buen gusto para parte de los Boot Camp.

Si no eres del gusto de alguien, y encima le copias, tenemos beef asegurado. Jóvenes, completamente alejados de lo que vendes y con mucha hambre. Van a ir a por ti sin importarle las consecuencias. Máxime con la prensa que derivaría de ello (los managers como siempre sólo pensando en cheese). Y así fue.

Si no fuera suficiente con Sound Bwoy Burreill, OGC al completo decidieron ser más explícitos con No Fear:

I scare, petty Mc’s who claim they got gats

frontin wit hoes in videos with pimp hats

but the fact,

still remains that your just a stain on the bottom of my boots

while i’m still Starang

Minuto 1:10-1:20. La cosa ya es explícita total. Los lyrics de Starang Wondah no son una demostración de ego-trip y una forma de marcar territorio. No. Van directos a la mandíbula del señor Christopher Wallace y toda su troupe (minuto 1:42, analogía de Top Dog entre Montell Jordan y Diddy). Todo el videoclip funciona como una parodia hacia Junior Mafia: helicópteros, jeeps, la costa y, sobretodo, OGC vestidos ridículamente como pescadores para contrastar la estética classy y flashy del colectivo y del propio Biggie Smalls. Todo estaba apuntando hacia la misma dirección, y para dejarlo más claro aún, desde el minuto 1:58 hasta el 2:12, Rock (el más allegado a OGC y a Starang particularmente) aparece para despachar a Biggie del escenario con una patada y ocupar su espacio con OGC al completo mientras el público enloquece. Hasta el más tonto o el más despistado lo pillaría. Cabe añadir aquí que tras el beef tan aparente subyace una declaración de intenciones de gran parte del underground del East New York. No es sólo el name droppin’ hacia el final de la canción (Mic G y Royal Flush desde Queens), sino la aparición al completo de toda la BCC, así como de más representantes del sonido underground de aquel momento. El videoclip es una escenificación, una muestra de fuerza y de unión. Un vosotros versus nosotros.

No es mal momento para recordar el contexto. Estamos en 1996 y nadie, salvo el beef con 2Pac y el rollo west-east que se traía el CointelPro, repito, nadie le tosía a Biggie. Al menos de forma tan directa. Siempre ha habido rumores, odios y ataques camuflados (Ghost & Rae por poner un ejemplo), pero salvo lo anteriormente mencionado, el ambiente en general era de respeto hacia todo Bad Boy. Biggie era realmente en ese momento el King of New York. Por tanto, no es extrañar la reacción de Biggie como rey que era. Tibia y discreta. No hubo diss en canciones, no hubo temas dedicados ni nada parecido. No. Esto fue lo que ocurrió:

Aunque los hechos no están del todo claros y corren distintas versiones de lo ocurrido, la mayoría coinciden en un punto en común: Starang Wondah fue el que recibió todo el beef, físicamente hablando. Cuentan que un día estaba Starang y otros young cats en D&D (se dice que Dru Ha estaba, otros que no, que si Top Dog si…) grabando y pasando el rato cuando alguien allegado a Bad Boy los vio allí y decidió llamar a Biggie. Éste, ni corto ni perezoso, decidió cortar por lo sano y mandar unos cuantos gorilas al estudio para que le dejaran las cosas claras a los chicos de OGC. Aquí la cosa es ya más confusa, pero parece ser que cuando llegaron entraron a tropel en el estudio y le dijeron a Starang que se disculpara por todo. Starang se negó y le dieron la paliza de su vida. Unos dicen que fue dentro del estudio, otros que fue fuera, otros comentan que le sacaron una pipa, llamaron a Biggie por si disparaban y este dijo que no, que sólo pidiera perdón, que si también recibió alguno más de Boot Camp, que si fue EZ Elpee el que dio el chivatazo…rumores, rumores y rumores. Lo único claro y en lo que coinciden todos es que a Starang lo pusieron fino. Puntos y visita al hospital incluida.

Viendo como se ponía la cosa lo lógico sería tener a todo Boot Camp Clik saltando como locos encima de todo Bad Boy con todas sus fuerzas. Pues siento defraudaros, pero no. Para nada. Como muchos fans de BCC sabréis, no hay beef a Biggie ni nada que se le parezca. La reacción fue ninguna. Las razones son varias y tuvieron sus consecuencias dentro del propio colectivo.

Para empezar, Rock estaba tan caliente al enterarse que quería llevarlo directamente a las calles con todos sus chicos de Brooklyn. Empezar un feud a lo bruto. No era así la forma de pensar del resto -aparte de OGC que estaban con Rock-, empezando por Buckshot y Dru Ha, este último, manager de Duck Down y quien planeaba los movimientos del colectivo. Para Dru Ha ir en contra de Biggie significaría mala prensa y continuar un beef, que tal y como estaban las cosas de violentas en ese momento, no se sabría hasta donde podía llegar. Dru Ha les pidió al colectivo que se relajaran y lo dejaran pasar. Malentendidos que ocurrían y que no tenían importancia.

En términos generales, la mayor parte del colectivo estuvo de acuerdo (incluso Tek & Steele claman ahora que eran amigos de Biggie en aquel momento) menos Starang, que continuó disseando a Bad Boy, como en este tema de Dj Clue, y sobretodo, Rock. Para Rock la forma de actuar de Dru Ha no era la correcta (bitching) y se la tuvo guardada durante bastante tiempo. Tanto, que parece ser unos de los motivos principales por los que Rock decidió dejar Duck Down e iniciar su carrera al solitario, incapaz de estar trabajando con una persona tan cobarde (desde su punto de vista) como Dru Ha.

Lo último que se supo de este beef fue esta frase de Starang en I Ain’t Havin’ That de Heltah Skeltah:

(While y’all up in D&D)

I caught two and three stitches

I was still gettin’ bitches in the tunnel takin’ pictures

En cuanto a OGC, después de «The M-Pire Shrikez Back» el grupo se disolvió y salvo apariciones puntuales poco se sabe de ellos como miembros de Boot Camp Click. No se puede, y yo no me aventuro a asegurar que las causas fueran la falta de reacción por parte de sus colegas (más aún teniendo en cuenta que Top Dog es hermano de Steele), pero puede ser una hipótesis aceptable. Por lo que se de ellos, Top Dog sigue rapeando al parecer en Atlanta, Starang salió recientemente de la cárcel y Louisville Sluggah es ahora un cantante de Soul.

What’s beef?

PD: siempre corrieron rumores de que al propio Biggie nunca le gustaron los chicos de Boot Camp Click tampoco. Especialmente cuando 2Pac decidió contar con ellos para un álbum conjunto titulado «One Nation» (con colaboraciones de Big Daddy Kane y Greg Nice) como forma de acabar con el feud east-west. Álbum que nunca salió a la luz, pero del que quedan grabaciones que atestiguan el trabajo del colectivo y el propio Pac. Como este:

Esto da para artículo separado.

Show & AG – Next Level

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OGvsRMX #05
next level

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Unas líneas de bajo, una batería y un punteo de guitarra te introducían a aquello de ‘All I see is blink lights, track boards, and fat mics, 950’s, SP12’s, MPC60’s’. Así arrancaba el single presentación de «Goodfellas», el LP capital de Show & AG. Toda una declaración de intenciones: control absoluto del estudio de grabación por un AG superdotado para fluir y en los beats un auténtico arsenal de aparatos al servicio de la crew más potente a los ritmos del momento: D.I.T.C.

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OG (prod. Show)

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Producido por Show a partir de una muestra de Wes Mongotmery apenas retocada, el tema original era toda una invitación al cabeceo mientras los graves retumbaban desde tu oído externo hasta el interno. A pesar de ser de 1995, Next Time sin duda miraba (actualizado) a aquellos beats de «Runaway Slave« con el bajo como elemento conductor y central de la instrumental, apenas acompañado de unos loops de batería dispuestos para acompasar el ritmo.

Tal limpieza formal funciona perfectamente si tu acompañante al micro es AG. Si tienes ritmos crudos, has de estar a la altura. AG siempre lo está. Su personal e inimitable forma de atacar los ritmos te garantiza una fluidez perfecta al mismo tiempo que permite una desmarcación del resto de competidores (las pausas, la división -o pausa entre- de frases, las estructuras rítmicas…). Identidad.

‘And here I go again, ready to flow again’

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REMIX (prod. Dj Premier)

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A todo esto que te pones la cara B del maxi. El hype viene ya servido cuando ves a Premier al ritmo. Estamos hablando del Premier del año ’95. Intocable. Todo arranca con un simple ‘Showbizz…AG’ y de golpe otro bajo impresionante. Se repite la ecuación de nuevo. Sin duda, Premier supo del beat de Show y decidió respetar el camino marcado por su colleague con otro beat del mismo corte. Pero qué corte.

La muestra de Maynard Ferguson se muestra como el elemento ideal para que Premier pueda construir unos de esos beats que se te quedan clavados en la mente mientras tarareas el punteo de bajo mentalmente. Este no es de esos beats de Premier que te quedas completamente loco pensando como ha hecho para encajar las piezas de todos sus breaks. No. Este pertenece al otro Premier, al sencillo: un trabajo excelente de chopeo, pequeños break-detalles de Kool & Gang, y una entrada de percusión perfecta para hipnotizarte al segundo. La combinación perfecta. 

De tono más serio, este remix pierde el carácter soleado del primero a favor de convertirse en el epítome de lo que significaba el underground en NYC allá por 1995. No podemos olvidar que esta versión no sólo ensombreció (injustamente) al mix original, sino que además se convirtió en aquel momento en el tema más popular de Show & AG.

Lo demás se siguió respetando, el scratch de Diamond D a cargo de Roc Raida, el estribillo sin estribillo (esa pausa que permite al oyente respirar y prepararse para el siguiente párrafo) y, por supuesto, las rimas de AG, diss incluido a Lords of The Underground (ya hablaremos de ello en Ternera Fresca) y todo el estilo al micro:

I’m unique, a freak like Malik, In the twilights with more highlights than Dominique

Around my boys is where the jel stops, Up to the streets, the jeeps, my peeps in the cell blocks

I’m not the best but I give you stress, To flatter me your strategy gotta be more complex than chess

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Shadows – Sombras en la ruptura

Chirie Vegas – Shadows

(2012 · Gamberros Pro)

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DE LA RUPTURA Y DE LA INDEPENDENCIA

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Que Chirie Vegas se ha mantenido al margen de la escena durante toda su carrera no es algo nuevo ni extraño a los nos consideramos fans suyos. Desde «Vintage» (2004 – Gamberros Pro) hasta este «Shadows», Chirie se ha mantenido firme en una declaración que se ha convertido en el ethos de Gamberros Pro: Independencia.

Independencia formal y de contenido e independencia de mercado. Por un lado los demás, por otro ellos. Al final, uno se define  más por lo que excluye que por lo que es. Tu identidad se (con)forma por aquello que desechas y que contrapones a tu forma de ver y entender la vida, las relaciones sociales/políticas/mercantiles y, por supuesto, la música. Si hay algo que Chirie ha dejado claro a lo largo de sus tres LP’s es esta confirmación identitaria que le enfrenta y le sitúa en el lugar opuesto al que normalmente transitan el resto de habitantes de la escena nacional.

‘GP Boyz independientes, te lo digo hasta muerto’

Lo que nunca se ha tratado con más profundidad es el uso de las formas y del concepto por parte de Chirie Vegas para construir esta diferenciación o confrontación respecto al «otro». Ya en «Vintage» pudimos asistir a la ruptura formal en relación a la escena, basada en una vueltas a los orígenes de esta movida. En «Vintage», Chirie reclamaba el lugar del rap clásico, de ese que viene de las Américas (cual ente extraño para muchos),  como punto de partida para poder crear algo sólido y como ruptura respecto a la tradición deformada de ‘rap español’ en la que derivaba la escena nacional por aquellos años. Volver a las raíces y conceptos del rap como contraposición respecto al invento del «rap español». Chirie Vegas con su primer LP expresaba la necesidad de dar un salto hacia atrás, para poder dar un salto hacia adelante. No es posible construir sin tener bien claros los conceptos y los códigos que dan forma a una expresión artística.

Han pasado 9 años desde «Vintage», pero las intenciones y los conceptos siguen presentes. «Shadows» representa de una forma todavía más clara la ruptura total a través de las formas y de las referencias.

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EL CHIRIE DE SIEMPRE

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No esperes un nuevo Chirie Vegas. Espera en todo caso un Chirie más amplio y al mismo tiempo más cerrado. Las referencias siempre han estado ahí. La calle, el gamberreo, los barrios y los bloques. El mundo alternativo y la escena independiente. Sin embargo, existe una continua referencia a lo que no es, al enfrentamiento frente a los demás, que frena el disco en determinados momentos y se vuelve, paradójicamente en su contra. Ya sabemos que GP es el cambio. Que GP va un paso por delante, que los demás van por detrás y copian, etc, etc. Es más, ni siquiera es necesario hablar de tu condición de outsider puesto que a través de la música y las referencias ya somos plenamente conscientes de ello. No hace falta la redundancia. Es por ahí, por donde empieza a desangrarse el LP y a perder fuelle. Al final, el egotrip desmedido, la constante necesidad de definirte frente al «otro» trasladan a Chirie Vegas, precisamente, al mundo que detesta. ¿No es acaso el ‘rap español’ una expresión desmesurada del egotrip por el egotrip y un continuo desfile de inseguridades basados en el yo soy mejor que tú?

Chirie ha de ser consciente de que su público ya sabe eso. Es más, huye de eso en búsqueda de otras elecciones y de otros discursos que casen más con su forma de ver y entender el rap, y por qué no, el mundo. El público de Chirie es exigente, y ha de ser exigente. Porque acude a Chirie Vegas para reafirmar su identidad, pero también para disfrutar de nuevos caminos o alternativas.

Una auténtica lástima, porque el disco crece mucho (y se disfruta más) cuando nos encontramos al Chirie de siempre ‘El respeto está en la calle y no llorando en un micro / donde yo he crecido Sacrificio era mi calle sacándole brillo / pillarlo sencillo puta estás hablando mierda de lo que nunca has sufrido’ sumado a su madurez y a las referencias, las cuales construyen un concepto más amplio, más lleno ‘Prestigio, la lección/tercera visión/ojo propio, misterio/ Andrei Rubliov/ lobo intenso, intelecto de Ambroz / del padre al hijo: Ciencia como un don. Es en los temas donde apenas aparece el egotrip o la necesidad fuerte de definición identitaria cuando el disco se revela como una fuerza arrolladora que somete al oyente a una continua fuga sonora e intelectual (ha de esforzarse en entender que hay detrás) que contribuye a asentar la condición de ruptura como concepto central de Shadows.

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DE LA FORMA COMO CONTENIDO Y NO COMO CONTINENTE

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Sin D. Unison, «Shadows» hubiera sido imposible. Y sin D. Unison, la representación de esta ruptura, de esta separación o mirada desde la distancia dejaría de tener sentido pleno, pues es a través de su trabajo como productor donde se da vida, se conduce y adquiere forma el discurso de Chirie Vegas, el cual adquiere un carácter más críptico y enigmático respecto a sus anteriores referencias, cargado de metarreferencias de las que hay que tirar (y mucho) para encontrar el mensaje subyacente de este proyecto.

La ruptura es entonces, principalmente sonora. Es el propio sonido del disco el que conforma el contenido. La rotura comienza por la no identificación con los sonidos actuales y/o de moda en el momento presente (por ejemplo, ese comeback a los 90). Los beats de Unison son la representación sonora, material, del discurso. Confrontación, ruptura y ausencia de total reconciliación o de identificación con lo «otro». El manto sonoro de Unison se engloba dentro de lo que está viniendo a llamar (a falta de otra etiqueta mejor) chillwave o glo-fi. Esto es, a grosso modo, una mirada actual (¿un remake?) al post-punk, el dream y el synth pop, el ambient y la new wave. Todos ellos movimientos que en su momento supusieron una ruptura y la apertura de nuevos caminos estéticos. Vanguardia.

Se establece entonces un paralelismo entre ambos mundos. Chirie acude y usa estas referencias (ya desde el título del disco) para invitarnos a comprender donde se encuentra o se sitúa conceptualmente. Las atmósferas sonoras ubican al oyente en una nueva realidad, gracias precisamente al chillwave, el oyente puede viajar junto a Chirie a un nuevo mundo de la mano de Unison, burbujeante, luminoso, y porqué no, onírico. Esta abstracción de la realidad sumerge al oyente completamente en el álbum, y ya, sin distracciones, accede (o se hace consciente) a la ruptura conceptual a través de lo formal. El uso de otros ejemplos de independencia creativa  (la conciencia de mantenerse al margen) tiene su punto de partida, su arranque en el soberbio trabajo de Unison, el cual, a través de sus instrumentales, nos brinda las llaves para entrar el universo particular de Chirie Vegas, y como consecuencia, en el universo particular de este disco. 

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LA VISIÓN DEL TURISTA

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Tema central que funciona como columna vertebral del disco, ‘Permanent Vacation’ supone la confirmación de lo anteriormente comentado. El paseo, el deambuleo y la mirada desde la distancia. La consideración de uno mismo como un turista. Alguien que está de paso o que es incapaz de identificarse con lo que ve, manteniendo una barrera mental y física respecto a la realidad de la que es testigo. Es la mirada de Jim Jarmusch, pero también la de Gus Van Sant. La sensación de aburrimiento, de estar de paso, de incapacidad de sentir empatía por lo que ve como expresión del pensamiento de Chirie Vegas respecto a la escena. Él está en otro sitio: «Esto no es lo mío, por lo tanto, soy incapaz de verme reflejado o identificado en ello». Sólo puedo observarlo desde la distancia y mantenerme al margen. Soy Allie y la escena nacional es mi particular Nueva York desierto. Existe un total desapego (cual Meursault trasladado a esta realidad) por las modas, por los cánones y valores establecidos; una apatía existencial (Antoine Doinel, Sweet Sixteens) que en lugar de transformarse en desidia convierte a Chirie en habitante activo de otros lugares intransitados. Por tanto, no hay ni debería existir espacio para la destrucción, sino para la construcción creativa de nuevas alternativas que rompan con la tradición, pero que a su vez, son hijas totales de ésta. Sólo a través de la cultura (knowledge is God) serás capaz de crear y de romper con la propia cultura.

Este lugar, además, tras el paso de Chirie, será transitado por otros. Erigiéndose Chirie como una especie de guía que nos lleva a alguna parte ‘En el aprendizaje / GP Boyz en el camino, nuevos Stalkers’ de aventurero (y aventurado) que decide dar el paso hacia adelante sin mirar atrás y sin importarle las consecuencias, (conviene señalar aquí también la referencia a la Trinidad de Rubliov (Chirie, Costa y Romo) por dos motivos: uno, que no está solo en su viaje; y dos, como elemento de perfecta comunión e igualdad entre ellos. 

Como el personaje de «La Zona», Chirie es obstinado y a pesar de la pérdida de fe, su profundidad de espíritu (como la de su propio sello) le mantiene fuerte para continuar defendiendo en lo que cree y lo que ama. Sin importarle las consecuencias o la total indiferencia (cuando no ataque directo) de gran parte de los «otros». No podemos sino aplaudir ese amor como oposición a la falta de fe o el cinismo del derrotado.

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DE LO VISUAL COMO CIERRE

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Si las referencias cinematográficas son tan potentes en la creación de este LP, no lo iban a ser menos los videoclips que lo acompañan. Cuatro, hasta el momento, que sirven de broche o de cierre conceptual perfecto para confirmar lo anteriormente comentado. Cada uno de ellos, y en su conjunto, responden perfectamente a lo expuesto por Unison y Vegas en «Shadows», transformando en imágenes lo que ya intuíamos. En ‘Permanent Vacation’ la referencia era fácil. Y así fue. Dirigido por Tomás Peña, de Manson Studio nos encontramos con un Chirie Vegas paseando por entornos urbanos cuasi vacíos  como reflejo de esa distancia existencial, de esa consciencia de vida al margen que tan bien reflejó Jarmusch hace ya 33 años. Una consciencia de permanent vacation.

Estas referencias al cine independiente se repiten en el resto de videoclips, conformando un todo y manteniendo una continuidad (a pesar del cambio de directores) formal excelente y que sirve, para adelantar o dar pistas al oyente más avezado. Esos momentos de la chica bailando con el sombrero no pueden sino recordarnos al baile de Allie; los propios sombreros como guiño a los personajes de «Strangers in Paradise» (incluida alguna escena en la playa); el atrezzo como elemento situacional; el montaje y la fotografía totalmente años 80… en definitiva, los videoclips están al servicio del concepto o de la intención primigenia del álbum. De tal manera, que suponen no sólo un apéndice de «Shadows», sino también el elemento final, definitivo, para comprender o intentar comprender (no podemos olvidar que para Chirie, «Shadows» es un enigma) la enorme complejidad de este tercer álbum de Chirie Vegas.

Let’s just say… I’m a certain kind of tourist. Tourist that is on a… permanent vacation’

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Notorious B.I.G. anunciando St. Ides

16 Barras de 40 OZ Vol. 2

Continuación de 16 Barras de 40 Oz’

Notorious B.I.G. anunciando St. Ides

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St Ides, St Ides, big booze of dreams, but everything in St Ides ain’t always what it seems, guara, guara, guara, guara, guara, guaraa… Así es, la ciudad de los sueños, la manzana, la grande, la de los cinco barrios, también tuvo representantes para St Ides.

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Blanco y negro exquisito. Flow exquisito. Elegancia. Hasta para hablar de cerveza Biggie era capaz de traértelo suave. Sencillez visual y transmisión de sensaciones alcoholizadas (el plano en el que su cabeza da vueltas como representación de la borrachera) y tenemos una combinación perfecta del arquetipo (e ideal) de St Ides. Callejero pero con clase, hustler pero con estilo.Si a eso le sumamos la reutilización del beat de «New York, New York» en una respuesta camuflada (o irónica según se lea) al beef entre costas tenemos como resultado un anuncio de la ostia.  High Top G.

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Si existe una mejor forma de definir visualmente la irrupción de los Wu en los 90 es la representada en los primeros segundos del anuncio. Rompiendo. Un visual algo más pobre en los aspectos formales, es equilibrado por la fuerza de Meth, Rae & Ghost (con ese final en croma). 30 segundos de pura fuerza cargados de detalles y que señalan la importancia del aspecto colectivo del grupo, como la aparición de GZA aunque no rapee, y sobre todo, los dos segundos -si llega- de ODB, suficientes para definir su personalidad y estilo sin ni siquiera soltarse unas barras. Cuanto resumido en una mirada.

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Don’t Sweat the Tech-drink. Rakim poniéndose fino mientras destroza líricamente cualquier anuncio anterior o posterior que se vuelva a hacer. Sin palabras. La mirada y la pose perdona vidas de Eric B tampoco tiene precio.

Hasta aquí esta serie de anuncios de St Ides en el aspecto visual ¿cómo que visual? Pues porque también hubo anuncios de radio.

Como este de Eric B & Rakim destrozando otra vez a cualquiera que quisiera jugar en su liga.

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O este de Willie D. Ignorant shit will never die.

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O este que nos ofrece la versión completa del anuncio de Wu-Tang sumando a U-God (aka ¿este es miembro de los Wu?) y RZA.

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O este completo de 2Pac y Snoop.

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Hubo unos cuantos más. Pero eso ya os lo dejo a vuestra investigación. Cabe señalar que salieron en cinta todos los anuncios de St Ides como regalo promocional. Auténtico objeto de coleccionista que apenas se deja ver. Para el resto de mortales en el año 2002 se hizo una recopilación pirata de todos los anuncios de St Ides. Buscando por youtube encontrareis más pistas.

Para finalizar, un anuncio «escondido» de St Ides que encontré recientemente con Ricky Harris y una colección de canciones que hablan de St Ides en sus letras como confirmación de la importancia de ciertas marcas (RL, Jordan, Adidas, Moet Chandon, Gucci, Dom Peri…) en el imaginario de la cultura hip hop.

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¿No sabías que sonaba al principio de ‘Spot Rusherz’? Ahora sí.

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Poet hablando de Eazy-E, St Ides y O.E.

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Arde el Hip 2 Da Frozen Pizza – Lord Finesse vs Mac Miller

Finesse

Hete aquí que un día cualquiera de 2010, a un chiquillo de Pittbursgh cuya popularidad iba en aumento se le ocurre coger «prestado» un beat de uno de los popes de los 90 y dedice escribirse un nueva tema:

Imagino que a algunos OG’s y otros que no lo somos saltamos de la mesa al escuchar el ritmo. Un esto me suena demasiado retumbando en tus oídos. Una cosa así como «I’m hip to the game, riiight, I always be same, truee, cause wether I’m broke or get fame…» ¿Eres tú Lord Finesse ? ¿Vas reciclando/regalando beats por ahí? ¿o es el que el beatmaker ha decidido hacer un remake de tu beat a lo Gus Van Sant?

That goes back like the Gap Band

I don’t run scams, got dumb fans

Yo, I’m one man that’s quick to toast a nigga like a sun tan

Tras pesquisas varias, supongo que todos llegamos a la misma conclusión. El tal Mac Miller ha cogido el beat y lo ha puesto en una mixtape. Ok. Las mixtapes son gratis y no dan beneficios directos ¿no? Por mucho que ponga prod by Lord Finesse en el back de la mixtape, está claro que el Señor Fino no ha metido mucho la mano ahí. Se me ocurre que lo mismo no sabe ni quien es el púber este. Hasta aquí todo bien. Los cabezones lo mismo nos tiramos de los pelos un rato y acumulamos pensamientos y rabietas del tipo «vaya forma de tirar un beat así», «pero que coño hace el blanquito este» (lo que yo vengo a llamar el wigga complex), «estos jóvenes ya no respetan nada», «vaya mierda para adolescentes en celo…» Nada del otro mundo. Ya se sabe que a los raperos nos gusta quejarnos por rutina y remarcar que lo nuestro es mucho mejor que lo de los demás, y si me tocas los noventas ni la Belén Esteban, hoygan. Que hay que estar enfadados, coñe.

A todo esto que se nos olvida completamente la cosa. Al que le guste Mac Miller, seguirá oyéndolo. Al que no, no lo oirá, y a ser posible, les hará saber a los demás que es una mierda (recordad, somos raperos). Pasan dos años. Mac sigue hacia arriba, se hincha a vender discos de forma independiente y genera su propia corriente de seguidores, cuya demografía vendría a ser la siguiente: blancos, adolescentes y de clase media-alta (¡coño! ¡como el rap en España! ¿qué hace el Miller que no se hincha a vender discos aquí?). Dos años, que no es poco en esta era de internet y de futilidades diarias. Lord Finesse -que no sabemos si se enteró de la existencia del tema dos años después- se debió de dar cuenta que los coleccionistas japoneses ya no le buscaban esos discos vintage tan guays o no le compraban las ediciones especiales de los suyos tanto como antes. Y uno tiene que comer, más cuando tiene el cuerpo del señor Robert Hall Junior. Claro, que puestos a pensar, pensemos a lo grande. 100.000 dólares, no suenan mal. Eso da para muchos bocadillos. Si, pero es que Premier cobró 5 veces más por venderle un beat a Biggie. Ey Fino, eran otros tiempos. Piensa como esos abogados cabrones que se cargaron la carrera de Biz Markie. Piensa en grande, a lo Apple (otros que denuncian por vete a saber tú porque). Piensa en 10. 10, no uno ni dos, 10 millones de dólares al chavalín, que Pittsburgh tiene mucha industria y seguro que tiene billetes. Llamada al abogado y denuncia al canto.

Como es normal, se hace público y saltan las alarmas. Comienza el beef. Aunque comenzar un beef a través de tu abogado en una cultura como la del hip hop…pero no pasa nada, que es Lord Finesse, cojones. Como estamos en 2012, no vamos a ir pegándonos tiros y robándonos las cadenas en las calles (si acaso lo hacemos en los BET Awards y porque somos 50 Cent, que si no nada), lo hacemos por twitter. Todo muy limpio y aséptico. Muy sanetes los dos.

Detrás de estos discos está mi frigorífico secreto

Aparecen los sentimientos encontrados y los posicionamientos, que si Mac Miller por aquí, que si Lord Finesse por allí (yo mismo tomé posiciones, aquí todos somos pecadores), que si quítame un beat de allí y ponme otro de aquí…en fin, lo normal. Cuando entran las emociones en juego, no está nuestra razón para ponerse a pensar fríamente y poner algo de distancia y perspectiva. Eso lo da el tiempo, pero ¿alguien se acuerda ya de este beef? Claro, que la cosa sigue. Mac Miller no se queda de brazos cruzados y contra-ataca. «Oye Lord Finesse, que esto es bueno para ti, que así vuelvo a traer tu nombre al juego y las nuevas generaciones de chavalines te conocerán y comprarán tus discos». Las risas se debieron oír hasta en Marte (o bueno, dentro de unos meses se oirán). Lord Finesse entre quienes amamos esto, no necesita presentación ni introducción. Es como decir que te  mueres por el fútbol y no saber quien es Di Stefano, o Zidane, o Cruyff. Coñe, Lord Finesse no es un Le Tissier del rap. En nada que investigues los golden years aparece su nombre por todas partes. No es algo escondido, super underground de mira que gran digger soy. Es más, se puede contraatacar basándonos en que si alguna carrera se ha creado y fomentado en base a algo, es la de Mac Miller y «Kool Aid and Frozen Pizza». 20 millones de visitas en youtube lo corroboran (sumésmosle los beneficios económicos de tal cantidad de visitas). De todo «K.I.D.S.», es el tema que le lanzó al estrellato. Muestra algo de respeto Mac. Además, ¿de verdad crees que tus seguidores, se van a poner a investigar quién es Lord Finesse? ¿y luego van a agradecerte que se lo dieras a conocer? ¡Jaja! Digamos que tu target de mercado difiere de esos objetivos (lo que no quiere decir que haya ocurrido y que gracias a «Kool Aid & Frozen Pizza», Lord Finesse se haya convertido en alguien relevante para algunos fans). Basándonos en el símil anterior (permítanme esta concesión) entre Mac Miller, el rap español y sus consumidores, de nuevo ¡Jaja! Ya sabemos de que adolecen los fans por estos lares, e imagino, que esto es universal, cambien las localizaciones y las personas (que no la cultura, cosas de la globalización).

Debe ser que Mac Miller se dio cuenta de lo débil de esta argumentación. Debe ser también que Lord Finesse (como el tito Pete) se sentía herido (no sin razón) en su orgullo. Embravecido por la victoria, siguió atacando. Oye niño, que una cosa es coger un tema, y otra, coger un tema, rodar un vídeo y decir que es tuyo. Parémonos un segundo. ¿suyo? ¿no has visto que pone en el tracklist que está producido por ti? Aquí a Finesse lo que le ocurrió fue la confusión típica que muchos tenemos al atribuirle al artista la personalidad de sus fans. Mac Miller, que muy valiente y con ganas de liarla parda pase lo que pase no parece, siempre mostró respeto hacia Finesse y su trabajo. Otra cosa es que sus fans ni sepan quien es Finesse, ni tengan ganas de hacerlo, ni sean capaces de reflexionar por su propia voluntad al margen de si te gusta más uno u otro. Oye, que el chiquillo habrá hecho sus cosas mal, pero esto es loable. Es más, dado un momento les dijo a sus fans que pararan de insultar y mostraran respeto. No es culpa de Mac Miller que sus fans actúen como descerebrados hormonados. Lo que ha hecho Miller en todo caso, es jugar con la ignorancia de sus fans. Esto es lo triste, que sepan de una leyenda por esto, que conozcan a Lord Finesse a raíz de esta mierda. Aprovechar esa ignorancia para su bien, o valerse de ella insconcientemente, quien sabe si lo hizo. Con la cara que tiene el chaval tampoco me lo imagino pensando maquiavelicamente con un gatete recostado un plan tan retorcido para hacerse famoso «robándole» un beat a Finesse. Eso si, no es la primera vez que lo hacía, si en algo es experto Mac, es en coger producciones de otros y rapear encima. Pero esto, ¿no se llama mixtape? ¿no funcionan así la mayoría de todas las jodidas mixtapes de aquellos que empiezan y no tienen pelas para pagarle a un productor? al menos tuvo la decencia de poner quien produce el tema, o de quien lo coge. Al menos no puso base internet. Démosle un poco de espacio al chaval también.

Mac Miller tras enterarse de que le habían robado su bote de Clearasil

 

Hasta aquí, todo parecía ir bien (¿alguien piensa que le van a pagar 10 millones a Lord Finesse?). Pero vista la rendija, la luz que te puede dar la victoria, aunque sea momentánea, es hora de contraatacar:

 

[blackbirdpie url=»https://twitter.com/MacMiller/status/222946157540802561″]

 

Touché. Te han dado pero bien. No es sólo que Lord Finesse no aclarara los samples. Es que en eso se basa, y eso ha hecho grande al rap. El collage, el apropiacionismo, el coger algo que no es tuyo y crear algo completamente nuevo. El traer lo viejo a  lo nuevo sin por ello caer en la copia descarada. Encima, con amor y respeto por aquellos de quienes tomas prestado. No nos vamos a enrollar aquí con esto, que el beef no merece ni eso. En resumen: tocado y hundido. Aquí todos gustamos de samplear, copiar, robar, mimetizar…hasta que nos tocan el bolsillo. ¡Ay amigo! que no has visto ni un pavo y ahí es donde duele. Como no sabemos si a Oscar Peterson le dolió, y tampoco podemos preguntarle, podemos imaginar que no. Que gustó del trabajo de Lord Finesse y comprendió lo revolucionario de esta cultura, tan hija de su tiempo y de tanta belleza. Es parte del juego. Aquí el enemigo no es un adolescente blanco que se hace rico rapeando, sino los hijos de puta de los sellos y los abogados que vieron una mina con la aclaración de samples. Menos mirar el dedo que señala la luna y más mirar a la luna.

 

 

PD: si alguien lo duda, yo estoy del lado de Lord Finesse, porque es uno de mis favoritos, porque me encanta todo su trabajo, porque D.I.T.C. es el mejor colectivo que hayas podido escuchar en tu vida y porque el señor Miller ni me va ni me viene, no me dice absolutamente nada su música (puede ser porque no tengo entre 14 y 20 años), me parece bastante regulero y no creo que su presencia en la escena aporte nada que podamos recordar en 10 años. Dicho esto, Lord Finesse, tío, entre tú y yo, esto es ridículo. Para mear y no echar gota. Por eso es mejor tomárselo a risa. Déjate de bullshit.

PD II: dados a denunciar, que alguien me pase el teléfono de Larry Clark y le metemos otro paquete al Miller este por decir que su mixtape está basada en Kids. Hombre ya.

 

Tupac y Snoop Dogg anunciando St Ides

16 Barras de 40 Oz Vol.1

Tupac y Snoop Dogg anunciando St IdesImagínate que eres el dueño de un conglomerado de empresas dedicadas a la bebida desde 1844. Imagínate que a finales de los 80 estás sentando en tu gran trono rodeado de palmeros revisando números y números. Imagínate que le llega el turno a St Ides, una de tus marcas de cerveza de malta (Malt Liquor) de alta graduación (alrededor de unos 8%), y te das cuenta de las ventas parecen ir en una sola dirección. Imagínate la cosa tal que así:

Dueño/Presidente: ¿Que tal van las ventas de St Ides en el centro comercial de Beverly Hills?

Palmeros: Esto…mmmmm…bueno, van, van.

Presidente: ¿Eso qué significa? ¿Soy más rico o soy menos rico?

Palmeros: Si…bueno…claro…hay que tener en cuenta las fluctuaciones del mercado, la bolsa, la entrada del país en la guerra de Irak…

Palmero que quiere llegar a ser CEO cuando menos: ¡Pero que dices! Mire, señor, la verdad es que las ventas van bastante regular en Beverly Hills, Orange County, Riverside…

Presidente: Pero, ¿cómo?

Palmero aspirante #2: Verá señor, aunque parezca mentira, las ventas han bajado -por no decir que no existen- en los barrios residenciales blancos de clase alta. Sin embargo, sus ventas se mantienen y suben en otros barrios digamos, algo «diferentes».

Palmero aspirante #1: Si señor, parece ser que gran parte de nuestras ventas y beneficios se concentran en barrios como South Central, Compton, Watts…

Presidente: Pero ¿qué cojones? Aquí somos una marca seria. No quiero que se nos relacione con esa gente, estoy más que har.. es interrumpido.

Palmero aspirante #2: Antes que nada señor, debe saber que esa venta y consumo nos aporta más beneficios a la compañía,y, por ende, a su bolsillo, que muchas otras marcas. Estamos hablando de cifras muy altas con tan sólo un 10% de la población de L.A.

Palmero graciosete/tonto: ¡¡A esos negros les debe salir St Ides por las orejas!!

Risas varias. El ambiente se anima.

Palmero aspirante #1 (el más listo de la clase el tío): Señor, hemos llegado a la conclusión de que si invertimos dinero en campañas publicitarias dirigidas directamente a este target de público, las ventas se multiplicarán exponencialmente mientras hablamos.

Presidente: ¿Pero cómo vamos a hacer eso? La última vez que vi un negro fue cuando le limpiaban los zapatos a mi abuelo. Descanse en paz, un gran hombre americano temeroso de Dios.

Palmeros: ¡Con el rap! Sabemos que no goza del respeto de las altas sociedades y Dios quiera que desapareciera esa música de demonios y delicuentes. Pero estamos hablando de dinero. Total, esos pobres negros van a seguir bebiendo St Ides y emborrachándose como si no hubiera mañana. Imagínate cuando les hagamos ver que es su bebida. Dirigida a ellos, anunciada y bebida por gente como ellos. ¡Aunque vivan en mansiones y ahora sean tus vecinos! ¡Jaja!

Palmero #1: Si contratamos a las grandes estrellas del rap para nuestros anuncios conseguiremos tener una imagen de marca. Asociada a ellos y a su forma de vida. Nuestro objetivo es que compren botellas de 40 Oz de St Ides por miles, porque es lo que hacen sus ídolos, y porque es lo que deben hacer. Además, señor, de paso les mantenemos borrachos, atrapados en la espiral del alcoholismo y las resacas, por lo que, nunca llegarán a salir de esos barrios ni a aspirar a algo más. Y así ¡seguirán comprando y bebiendo St Ides eternamente! ¡Es un plan maestro! Como buenos republicanos y americanos sólo estamos manteniendo el status quo. Y, perdone por la expresión ¡pero que coño! encima nos hacemos más ricos.

Gritos. Felicidad. Palmadas en la espalda.

Presidente: Secretaria ¡póngame con Suge Knight ahora mismo!

Aunque esto no es más que una parodia con mala leche, seguramente lo que ocurrió en los despachos de Pabs Brewing Co. (la compañía propietaria de St Ides) fuera algo bastante parecido. Sólo hace falta ver a la directiva para darse cuenta de que la última vez que pisaron un barrio fue jugando al GTA, y que si no fuera por una cuestión económica, jamás se hubieran preocupado por ese target de mercado.

Sin embargo, sus publicistas si que fueron muy, muy listos. Las botellas de 40 Oz son una referencia constante en el rap, desde el «pour up a little liquor» hasta las canciones sobre fiestas y drogas. A los raperos les encanta hablar de emborracharse. La bebida de malta se ha convertido en el «litro/litrona/litra» de los barrios bajos. Esto es así. Era y es una realidad innegable de la que supieron aprovecharse de forma muy inteligente y descarada la gente de St Ides.

Independientemente de estas reflexiones, vamos a centrarnos en lo positivo, que no es más que los propios anuncios. Aunque muchas marcas se han acercado y han patrocinado el rap, cabe señalar que el trabajo de St Ides es el mejor. En primer lugar, por tener ese valor de legitimación que da hablar de un producto que ya consume el mercado al que va dirigido, el cual se siente halagado de la existencia de productos dirigidos a ellos, y que además ve como es anunciado por miembros exitosos de tu propia comunidad. Tan sólo tienes que ir a la tienda de tu esquina, gastarte un par de pavos para sentirte como ellos, ser como ellos. Esta comodidad y esta facilidad otorga a cada uno de los anuncios un grado de veracidad y de libertad muy alto. A pesar de ser anuncios televisivos la censura no es alta, o directamente parece haberse ido de paseo. Tenemos la constante sensación de que las imágenes y los lyrics pertenecen a un tema original, que son un extracto de alguna canción suya. El resultado, los anuncios de St Ides produjeron una gran cantidad de buen rap, de alta graduación.

El primer anuncio de St Ides con King Tee (Godfather del West Coast) y Dj Pooh data de 1989 y nos da pistas de lo que nos encontraremos durante toda la serie de anuncios según pasan los años.

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‘How you figure? King Tee is on some premium Malt Liquor’

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Ice Cube anunciando St Ides

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Aunque St Ides se vende en todo el territorio nacional, la marca aprovechó el tirón del gangsta rap y del west coast en general para publicitarse, teniendo a Ice Cube como máximo representante:

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‘Get your girl in the mood quicker and get your jimmy thicker with St Ides Malt liquor’

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Por supuesto, Ice Cube no iba a estar solo y se hace acompañar en los dos siguientes anuncios por The Geto Boys y EPMD.

El traje de Bushwick no tiene precio. Old school gangsta shit.

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El anuncio con EPMD es el más improvisado de todos. Parece captar un momento de una freestyle session en el estudio o la grabación de un tema, a lo que ayuda la edición, transmitiendo la sensación de estar viendo algo hecho sobre la marcha.

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Da Lench Mob también se subieron al carro de St Ides con este anuncio. Uno de los mejores de toda la serie, por montaje, ambiente, el beat, los rapeos…

Si estamos hablando del West Coast, está claro que St Ides pasaría por Death Row Records. Dre, Snoop y 2Pac también protagonizaron algunas campañas publicitarias para la marca:

El mensaje es bastante claro, casinos, vida lujosa, glamour…bebe St Ides porque es la bebida para unos pocos («Introducing a special brew made for a chosen few»). Mantente sofisticado, rico, sin perder nunca el contacto con tu lado G (cfr. la escena en la que el reflejo de un bien vestido Snoop es su versión gangsta -bandana incluida-)

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R.I.P. Nate Dogg.

Este de Dre y Snoop, sin palabras. Muy surrealista todo. ¿Dónde has visto tú un lowrider con dos bitches dentro convirtiéndose en una botella gigante de St Ides? Pues aquí. Genial la incorporación de escenas propias de la mente de un borracho para introducirte en la atmósfera:

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Bouncin’ cars, bitches & 40’s

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Cypress Hill y sus líneas de bajo funkys, gruesas y cabezonas también tuvieron su momento de brillo para St Ides (aunque ellos son más de blunts):

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‘Cause I don´t wanna kill a man, I just wanna kill a caaaan’

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Incluso tuvieron su momento de brillo algunas figuras menores dentro de la escena como Threat. Seguramente muchos los conozcais por su verso en «Death Certificate» (1991 · Piority Records) de Ice Cube. Buscaros ‘Sickinnahead’ (de donde sale la instrumental para el anuncio) porque es un pepino de álbum.

En cuanto al anuncio, nos encontramos ante uno de los más elaborados, con un pequeño storytelling incluido y más ensoñaciones de alta graduación (¿¿un superhéroe del alcohol??)

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Para finalizar el que considero el mejor anuncio de toda la serie. Dj Pooh al beat y Mc Eiht rapeando como solía hacerlo. Continuando con los delirios de borracho, el anuncio persiste en la idea de la búsqueda del superhéroe negro, en los sueños de unos borrachos que desean, aunque sea mediante el licor (enfatizado con los continuos movimientos mareantes de cámara), escapar volando de la realidad que les rodea, para acabar de nuevo (con un magnífico plano final que nos despierta de la ensoñación desde lo alto de las Watts Towers) debajo de las ruedas de tu coche acompañado de tus homies, y como, del siempre leal St Ides.

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También existe una versión corta del mismo anuncio:

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Y esto ha sido todo por hoy. La semana que viene cogeremos nuestros 40 ounces y nos iremos a NY a ver que nos cuentan alli sobre el booze.

Y recuerda, bebe con precaución y no conduzcas.

Ficha el volumen 2

1991 – La semilla ya estaba plantada

1991. Francia. La semilla ya estaba plantada. Segunda y tercera generación de inmigrantes. Capitalismo salvaje. Banlieues. Recopilatorios, maquetas, demos. Racailles. Afrocentrismo, negritud, Islam.

Pero retrocedamos un año atrás, tras unos arranques titubeantes, en 1990 empiezan a asomar en el mercado una serie de recopilatorios y una serie de artistas que permitirían que, en tan sólo un año, el rap en Francia se desarrollara plenamente, tanto a nivel underground, como mainstream.

Como podemos apreciar, los medios eran todavía pobres y la estética no estaba todavía del todo asentada. Era entonces, una cuestión más de fortaleza y reinvidicación de la adopción de una cultura foránea que comenzaba a devenir internacional gracias a la universalización de la pobreza inherente al sistema capitalista. Sin medios y sin apoyos económicos, tal y como surgen la mayoría de movimientos musicales contestatarios, el rap en Francia iba desarrollando aquello que le caracterizaría durante esos primeros años: adopción del Do It Yourself como medio de expresión -y de supervivencia-; absorción y traducción de la estética y contenidos del rap en USA, esto es, contestación social y política, la constante batalla del yo frente al otro -el enemigo-, diferenciación del opresor (ya sea mediante el abrazo a otras religiones o la adopción de nuevos códigos estéticos y morales) y repudio al sistema establecido.

La representación veraz e hiperrealista de un estilo de vida hasta entonces no visto pasa a formar parte de la reinvindicación de muchos grupos, con NTM (Nique Ta Mere) a la cabeza. El ambiente realista, la exhibición y la glorificación del pobre sin tapujos, el lenguaje soez como medio de enfrentamiento y contestación en un ambiente festivo-social suponen, primero, una extrapolación de lo ocurrido a finales de los 70 y primeros 80 en USA, y segundo, la forma de mostrarse ante las masas francesas, y sobre todo, ante sus propios coetáneos y vecinos, conscientes de la -auto- identificación de estos con ellos. Aunque en Francia siempre hubo un movimiento artístico-político bastante prominente, el rap no se incorpora a la tradición contestataria que estos representan, sino que la repulsa por, precisamente, pertenecer a la cultura oficial y representar la estructuras de poder. Los raperos están orgullosos de criarse, formarse y relacionarse en la calle, lejos de los ambientes culturales establecidos, revirtiendo los códigos y transformando la realidad -y la tradición- de los cantautores franceses. Desde un punto de vista formal, también es clave señalar la importancia que tienen las letras para el rapero francés en este momento. No debemos olvidar, que la gran mayoría de los habitantes de los banlieues franceses han sido escolarizados, por lo que han tenido acceso a la vasta cultura literaria francesa, lo que les ha servido sin duda, para obtener conocimiento, y para también, continuar e incorporarse en un futuro -aunque rechazan de facto la cultura normativa imperante- a la tradición poética francesa.

Esta ruptura con la cultura establecida no es una ruptura con la cultura o con el hecho de desarrollar tu cultura, sino al contrario, llegando a negar la ignorancia y buscando un camino que les lleve a encontrar su lugar y ser más sabios. Como hemos señalado, los raperos franceses tienen pleno acceso a la cultura, y hacen un gran uso de ella, revirtiéndola o usándola como arma social frente a aquellos que los califican de burdos, vulgares y barriobajeros. Llegando incluso al enfrentamiento entre las distintas caras de la misma moneda, aquellos que son más «calle» y aquellos que reniegan o parecen querer trascender de ella.

Si los medios no acompañan, si lo hace la capacidad e inventiva artística, supliendo las carencias a través de soluciones creativas (el uso de un filtro azul por ejemplo) y una cuidada estética formal. Continuando con la vía abierta a través de Zulu Nation o Native Tongues, los raperos franceses encuentran en la negritud y el afrocentrismo una vía de escape y de identificación, traducida en la adopción por gran parte de ellos de las estéticas cool y jazzy de las grandes músicas negras norteamericanas. Reafirmando, de paso, el vasto bagaje cultural que manejan y que les legimita como artistas de pleno derecho.

El rap se convierte en el medio, la herramienta para la representación e identificación de gran parte de los habitantes de los banlieus, convirtiéndose en un medio y en una filosofía de vida. Todo lo que rodea a esta cultura es absorbido de forma voraz. Le Rap Est Ma Vie, es mi vía de escape, mi forma de expresar la necesidad de encontrar mi lugar, de pertenecer a algo. Las segundas y terceras generaciones de inmigrantes franceses, que se sienten traicionados y repudiados por la sociedad francesa, la cual no les acoge en su seno como conciudadanos, sino que les rechaza y les señala como los culpables de los grandes problemas del país, han encontrado en el rap un nuevo modo de expresión al margen.

El rap francés lucha contra el discurso conversador y reaccionario de las masas burguesas francesas, a las que considera traidoras y culpables de su situación en Francia, pero también culpables por participación (no hay que olvidar el colonialismo francés) u omisión de lo que ocurre en África o Asia. Si hay algo en lo que coinciden los raperos franceses, es en expresar su completa repulsa al sistema. Sus temas y sus acciones tienen como objetivo, dar testimonio de lo que ocurre en sus barrios (por ende, el gangsta rap también hace acto de presencia), y oponerse a las estructuras dominantes, que subyugan a gran parte de las poblaciones minoritarias y multiétnicas de los barrios obreros.

África y la defensa de la negritud se convierte en el símbolo de la oposición y de la negación de la cultura normativa imperante (no por casualidad, de mayoría blanca). No importa si tu origen es blanco, negro, chino o azul, los raperos franceses defienden y adoptan el afrocentrismo como piedra angular de su filosofía y punto de partida para su identidad como comunidad. África y su relación con la esclavitud representa como se sienten dentro del sistema, miembros no participativos y esclavos de una sociedad que no les reconoce, pero que les utiliza para su propios fines.

El Islam aparece entonces como elemento cohesionador frente al rechazo. Es una religión distinta a la utilizada por el sistema dominante, y, al igual que en USA, el Islam les ofrece una salida frente al muro del occidentalismo y de la seducción material capitalista. Trae consigo un mensaje de liberación y revolución auténtico. Supone una nueva esperanza para los desheradados. La luz que parece guiar el camino hacia la liberación de las cadenas de la esclavitud material y mental. Como consecuencia, el Islam se convierte en la religión oficial del rap en Francia. Completando de esta manera, la Trinidad que daría lugar a la explosión creativa (y esta vez, de medios) en 1991:

África, afrocentrismo e Islam.

Para finalizar, uno de mis videoclips favoritos, el cual sintetiza y sincretiza de forma soberbia y a todos los niveles (estético/formal, de contenido, espiritual…) lo comentado en este artículo, y que además sirve para refrendar el increíble salto de calidad en cuanto a nivel de medios del que fue testigo el rap en Francia en tan solo un año:

Desde aquí quiero mandar un S/O al usuario de youtube THEMODEONE. Eternamente agradecido por tener todos los vídeos que necesitaba a buena calidad. Una auténtica fuente de conocimiento sobre los primeros años en Francia. Props!

Kendrick Lamar - Good Kid Maad City cover

Entre dos realidades, Good Kid Maad City de Kendrick

Kendrick Lamar - Good Kid Maad City cover

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 Kendrick Lamar – Good Kid, M.A.A.d City

(2012 – Top Dawg – Aftermath – Interscope Records)

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Posiblemente estamos ante el álbum debut (quizás junto al de A$AP Rocky) más esperado de los últimos años. Mixtapes mediante y el espléndido «Section 80» auguraban algo muy grande para el líder de Black Hippy y fichaje estrella de Dre. Quizás mucha presión para alguien tan joven y para ser un álbum debut (no se veía nada así desde que cierto chaval de Queens provocó un buzz tremendo allá por el ’94). A esto hay que sumarle la presión de pertenecer a un sello mainstream, el cual obedece a una serie de criterios y objetivos bastante alejados de lo que Kendrick Lamar a nivel personal como artista pretende y aquellos a los que aspira con la creación de este álbum. Existía un miedo a que la presencia de Dre o la mano del fantasma del mainstream apareciera para convertir el debut de Lamar en una especie de disco orientado/conducido según los criterios de algún A&R trasnochado. Las expectativas de todos eran altas, y el resultado no sólo está a la altura, sino que traspasa las barreras de lo esperado convirtiendo en «Good Kid M.A.A.d City» en el mejor LP debut desde «Illmatic» y en seguramente el mejor disco que servidor haya escuchado en la última década.

Nunca antes nadie había sido capaz de sacar un disco tan sincero, tan personal, sin caer en el terreno del victimismo, la emotividad o la lágrima fácil (propios del emo o de la espectacularidad dramática del culebrón) o en el terreno del bochorno más absoluto. La sinceridad con la que se enfrenta a si mismo y a sus sombras del pasado no ha tenido cabida antes en una cultura tan machista (tan analfabeta emocionalmente) y tan segura de sí misma como el rap.

Cuenta Kendrick que necesitaba un LP así para poder seguir hacia adelante y ajustar cuentas con sus demonios interiores. Para ello decidió concebirlo, tal y como reza el subtítulo del LP, como una historia corta sobre Compton. Sin embargo, no es una historia corta sobre Compton, sino sobre Kendrick Lamar y las influencias positivas y negativas del entorno (sociales, económicas y familiares) en la creación, construcción y maduración de una persona. Es decir, es la historia del propio Kendrick enfrentándose a Compton.

Es por ello que el disco arranca con un joven K-Dot conociendo a una chica que vive en la frontera entre Compton y Paramount. Es en la adolescencia cuando más somos influenciables a los elementos externos, y es también en este período cuando la personalidad que nos definirá está en un proceso de derribo y edificación continua. Sherane también sirve para establecer el tono del álbum. Desde el rezo inicial que pasa desapercibido al principio para luego convertirse en elemento revelador en las siguientes escuchas, hasta la aparición del primer skit de los muchos que tiene «Good Kid, M.A.A.d City». Un solo tema basta para, uno, presentar la historia de la que vamos a ser testigos; dos, resaltar la importancia de Dios en el LP; y tres, mostrar los skits como elemento lubricador del engranaje que hace girar la historia.

And six steps from where she stay,

she waving me ‘cross the street

I pulled up a smile on my face,

and then I see two niggas, two black hoodies,

I froze as my phone rang

El entorno, las condiciones sociales y las amistades articulan el discurso de Kendrick (quien es o quien aparenta ser, es realmente quien dice ser, es otro…), cuya personalidad real se encuentra agazapada ante la imposibilidad de descubrirse y mostrarse. Ser uno o ser otro, o no ser ninguno. Aparece entonces el dilema, la construcción (ficticia) social del negro perteneciente al ghetto vs Kendrick: «Good Kid, M.A.A.d City». De izquierda a derecha, de derecha a izquierda, el tambaleo identitario se evidencia en las constantes escapadas con los homies, ya sea de la policía, las bandas o, en la mayoría de ocasiones, de ellos mismos ante la voragine carnivora del determinismo social.

We made a right, then made a left, then made a right,

then made a left, we was just circling life

My mama called – «Hello? What you doin’? “Kicking it”

I should’ve told her I’m probably ‘bout to catch my first offense with the homies

But they made a right, they made a left then made a right,

then another right, one lucky night with the homies

Es mas, es Kendrick quien duda y quien te hace dudar ¿soy yo el que va con mis homies con el arma cargada o soy aquel chaval tranquilo que no quiere salir de la furgoneta a las puertas de la casa de Sherane? Cual vampiro que se mira al espejo y no ve nada, Lamar se encuentra incapacitado para resolver el dilema sin perder algo por el camino, lo que ve no es él, sino una proyección tambaleante de otras proyecciones sociales construidas. Se encuentra atrapado en un mundo cuyos códigos de conducta permutan en comportamientos fundamentalistas y sectarios (de nuevo, las referencias religiosas) que no lo diferencia de aquellos que consideran su enemigo (cfr. la soberbia analogía entre las bandas y la policía en Good Kid).

Vive en Compton, ergo, por definición, debe ser un thug y hacer locuras, ergo, le/te entran las dudas, ese quien soy yo te mantiene agarrado al disco todo el tiempo. Es la dicotomía personal que resume el disco: la cuestión identitaria. Es por ello, también, que Good Kid M.A.A.d City se convierte en la representación musical de la posmodernidad que habitamos, puesto que el desarraigo y la cuestión identitaria es la base sobre la que pivota todo el arte posmoderno. La desubicación emocional, la sensación de no pertenecer al lugar físico en el que habitas o la presión que este ejerce sobre tu persona se ha convertido en universal, traspasando las fronteras de la inner city para afectarnos a todos, habitemos en ella o no. Quien no se ha preguntado alguna vez en su vida ¿quién soy y adonde voy?

«Man down Where you from, nigga?»

«Fuck who you know, where you from, my nigga?»

«Where your grandma stay, huh, my nigga?»

«This m.A.A.d city I run, my nigga»

Mc Eiht refleja perfectamente el dilema que vive el joven Kendrick (“Wake yo punk ass up! It ain’t nothin but a Compton thang”) te recuerda que estas en Compton ¿acaso se te ha olvidado? ¿Es Eiht entonces una representación, una versión adulta de un Kendrick que hubiera decidido dejarse llevar por las presiones externas en vez de tomar su camino, sea el que fuera, y costara lo que costara? ¿Es Eiht la representación adulta de la conciencia que nos impulsa a cambiar nuestras vidas?

I’m still in the hood

Loc, yeah that’s cool

the hood took me under so I follow the rules

Es por ello que la tristeza, el sentimiento de soledad (intensificado por un trabajo instrumental soberbio que contribuye a sumergirte en la melancolía que destila Lamar) inunda con su presencia aquellos temas en los que el real yo de K-Dot lucha con la imagen social (sea la propia del entorno o la de sus amistades) que proyecta y la suya, precisamente proyectada fuera de su propio yo cual observador omnisciente de lo que ocurre para completar la narración. La distancia entre quien eres y quien creen que eres.

Lamar parece contemplar momentos de su vida desde lejos, como si realmente no interviniera en ellos (especialmente visible en Me & the Homies), atenazado por el fantasma del fatalismo.

Swimming Pools funciona entonces como extensión de M.A.A.d City y Me & the Homies, es el peer pressure el que le lanza a sumergirse en la bebida (‘Some people wanna fit in with the popular, that was my problem, I was in the dark room’), más preocupado de encajar y de representar aquello que se supone que una persona de su generación y demografía social es, que lo que realmente siente que es o debería ser, para precisamente, encajar consigo mismo. Lo cual también enlaza con la temática planteada dos temas después, que importa todo lo demás, el amor que pareces repartir, sino eres capaz de darte amor. Incluso, (lo que redunda en la grandeza del tema y en lo comentado respecto a Eiht), es su propia conciencia quien aparece de forma súbita para avisarle de que ese no es el camino. Seguir comportándose como quien no es, negando su propia existencia en función de presiones externas (personificadas en el alcohol) sólo le puede llevar a un cul de sac (expresión repetida en varias ocasiones a lo largo del disco), a la muerte.

La muerte como provocador del cambio es otro elemental central del disco, cuya presencia es, al mismo tiempo, literal, y metafórica. Literal por donde vive (la muerte es una presencia constante, su tío, su amigo Dave…), y metafórica por el significado que asociamos a la muerte como punto y aparte, o punto final de algo, sea la vida, una relación, y por supuesto, tu propia identidad. Es decir, morir para resurgir.

La cuestión religiosa, tan presente, tiene, entonces, más que ver con la muerte y resurrección (o con el concepto indio de la reencarnación) que con la propia fe per se. Funciona como conductora del deseo de Kendrick de morir y reencarnarse en un nuevo ser. Matar a los demonios que te persiguen y morir con ellos. ‘I´m tired of running, dying on thirst’. Kendrick personifica a toda una generación que tiene en sus manos romper con la dinámica negativa de huida hacia adelante.

No es sino al final del disco cuando nos damos cuenta de esto ‘And the chapter that read at 25 I would live dormant at 5 in the morning’ de que la importancia de Dios y de la religión tiene más que ver con su condición de pecador perdido en este mundo (‘I am a sinner, who’s probably gonna sin again, Lord forgive me, Lord forgive me, things I don’t understand’) y el deseo interior de cambiar, de mirar hacia adelante y de convertirse en quien realmente es o aspira a ser que con una cuestión pura de fe. En definitiva, de nuevo, entra en primer plano la cuestión identitaria y el valor -en este caso- de la religión para responder a preguntas espirituales.

Surge así la necesidad de romper con los clichés, con la dinámica habitual, si sigues haciendo lo mismo y siempre fallas, ¿porqué vuelves a hacer lo mismo otra vez? La venganza (niggas killin’ niggas), entonces, no tiene sentido o cabida si has de estar en paz contigo, perdona y serás perdonado. Tampoco son casuales las referencias continuas al cine sobre el barrio que tan de moda estuvo a principios de los noventa, y sobretodo, a «Boyz In da Hood», reforzadas a través del concepto cinematográfico que Kendrick quiso imprimirle al álbum.

I’m like Tre, that’s Cuba Gooding

I know I’m good at

Dying of thirst

Dying of thirst

Dying of thirst

El personaje central, Tre, es la encarnación cinematográfica de Lamar, no puede existir nadie que se le asemeje más y con quien comparta las mismas dudas existenciales. No en vano, Dyin of Thrist termina con un skit claramente homenaje al momento en el que Tre decide bajarse del coche justo antes del tiroteo que acabaría con el asesino de su mejor amigo a manos de Ice Cube:

‘I’m fuckin’ tired of this shit, I’m fuckin’ tired of running, I’m tired of this shit, my brother homie…’

Es Kendrick en este caso quien está cansado de correr, de huir, y es Dios (bajo la batuta de una espléndida Maya Angelou camuflada de transeúnte) quien le ofrece la salvación a través de la oración, como se la ofreció a la humanidad a través del sacrificio de Jesús. Es Jesús (real o figurado) quien entra en sus vidas para salvarlos y para darles la oportunidad de comenzar un nuevo camino que rompa con el ciclo anteriormente comentado.

El sacrificio, la muerte y Jesús no es una temática ajena al rap, pero aquí no deriva en la construcción pop (heredada del romanticismo) del artista maldito que muere para renacer en leyenda (James Dean, John Lennon, 2pac o Biggie), sino que se convierte en la conductora de una nueva existencia. No existe la muerte física (al menos la del propio Kendrick), sino la muerte y desaparición de un estado mental, y si se quiere, incluso la muerte y desaparición de un estatus social, resultante del abandono de las prácticas sociales y culturales (construidas desde fuera por los estamentos de poder y perpetuadas desde dentro por sus habitantes) del ghetto.

«Is that what I think that is?, I know that’s not what I think that is, why are you so angry? I see you young men are dying of thirst, do you know what that means? that means you need water, holy water, you need to be baptiste with the spirit of the Lord.»

Es el rezo quien termina de liberar a Lamar y a sus amigos y es quien enlaza con el Kendrick de 25 años de 2012, el que ahora conocemos. El rezo funciona como detonador, de big bang primigenio que nos traslada al presente, es el momento en el que Lamar se da cuenta de que quiere ser narrador (rapper) de una realidad que le atañe y de la que cree que puede sacar una lectura positivay transmitirla a sus coetáneos generacionales. Aprovechando sus cualidades técnicas -que no son pocas-, Kendrick mimetiza otras personalidades que funcionan como contrapunto y que, rizando el metalenguaje, se dirigen hacia él y al público (su deseo de ser narrador se hace presente) a la vez.

Si antes era su propio yo el que se veía desde arriba, casi en tercera persona cual narrador omnisciente, ahora que es consciente de quien es, cuenta desde la misma posición, bajo el abrigo de su personalidad y de su forma de entender el mundo, la suya y otras historias. Hemos pasado de las dudas existenciales y de la seguridad ficticia y hormonal de los 17 años en Backseat Freestyle a la seguridad y fuerza que transmiten los dos últimos temas (así como Bitch Dont Kill My Vibe) como reflejo de la madurez y de la liberación de Kendrick.

Now everybody serenade the new faith of Kendrick Lamar,

this is king Kendrick Lamar,

King Kendrick and I meant it, my point intended is raw

Decíamos que existe una constante mezcla entre la narración en primera persona, y la narración en primera persona ficticia (si queremos llamarlo así). Al principio no sabes si es Kendrick quien habla de sí, otro/a que habla de (o hacia) Kendrick u otro/a que sencillamente aparece para agregar puntos de vista o contenido al concepto del álbum (excluyendo a las colaboraciones). No es la primera vez que un rapper adopta otras personalidades o abraza caracteres ficticios, pero nunca habíamos sido testigos de tantas complicaciones estéticas a tantos niveles. Contenido y forma se unen, se retuercen y se abrazan al servicio de una historia. Al final te queda la impresión de que estamos ante una tela de araña, llena de hilos que se entrecruzan aparentemente de forma desordenada para construir algo más resistente y consistente y cuya belleza total sólo puedes admirar desde la distancia.

Esto afecta no sólo a la estructura interna de cada tema, sino también a la estructura completa del LP. Su organización, o su lectura, no es lineal. La historia salta de un tema a otro, de un Kendrick niño, a otro adolescente, al Kendrick actual, del momento con Sherane al momento de la diversión y tristeza con los homies, a la actualidad representando Compton. Todo un collage de reminiscencias vanguardistas y técnicas avant-garde cinematograficas trasladadas al plano musical. Incluso se atreve a introducir un tema síntesis que recapitula lo ocurrido hasta ese momento (Money Trees), pero que también adelanta acontecimientos y deja pistas de vital importancia para entender el corpus del LP.

La narración se asemeja entonces a «Rayuela», y Kendrick transmuta en una especie de Cortázar, dispuesto a despedazar la lógica interna de un disco y de un LP conceptual, para permutar en un caos ordenado que convierte el modo shuffle o aleatorio en nada más alejado del azar. Aunque es recomendable escuchar -al menos por primera vez- el disco de principio a fin, no es necesario seguir el orden para comprender o entender la historia que subyace, sino que además, la lectura aleatoria complementa y suma nuevas lecturas que se agregan a la propiamente lineal.

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Name Droppin’ #1: Asap Ferg

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NAME DROPPIN’ #01
A$AP Ferg

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‘Descansa en paz Selena, escuchándote cantar cuando…’

Con esta frase de A$AP Ferg arrancamos nuestra sección Name Droppin’, donde iremos desgranando distintas referencias soltadas por rappers a lo largo de sus temas y cuya intención es legitimar el verdadero name droppin’, el interesante, el curioso, el que esconde significados y referencias culturales y/o musicales de relevancia que permiten dar más profundidad al concepto del tema y que, o bien obliga a la investigación, o bien permite la sonrisa o asentimiento cómplice del oyente.

Una vez hecha la debida y necesario introducción ya podemos preguntarnos: ¿Quién coño es Selena?

Selena fue una cantante Mexicana que a principio y mediados de los noventa, dominó las listas de ventas (alrededor de 60 millones de discos vendidos) con sus discos «Selena Live!» y «Amor Prohibido». De infancia marcada por la música (desde los 14 años fue miembro de Los Dinos), Selena invadió los top-chart de los 90 con su mezcla de tex-mex, cumbia, pop, ranchera, baladas y todo lo que le pusieras por delante, Grammy incluido en 1994. Estrella emergente, llamada a sustituir a Gloria Estefan en el Olimpo de las cantantes latinas, nada o nadie parecía parar a Selena, hasta que llegó la tragedia.

El 31 de Marzo de 1995 Selena Quintanilla Pérez, de tan sólo 23 años de edad, es asesinada de un disparo en la espalda. La historia se repite, y el asesino, en este caso, asesina, resulta ser la presidenta de su club de fans oficial: Yolanda Saldívar. Esta vez no fue por una cuestión de celos, tan común en estos casos, sino más bien económica. Aunque ser presidente de un club de fans lleva consigo ciertos comportamientos obsesivos y fanáticos, lo que realmente llevó a Yolanda a matar a Selena fue el dinero.

Selena, en base a su tremendo éxito, decidió montar una cadena de boutiques (Selena Etc.), cuya manager principal sería Yolanda Saldívar, puesto que la familia Quintanilla estaba muy contenta con su labor al frente de su clubs de fans. Mala decisión. Mala, entre otras razones, porque Yolanda se reveló como una pésima manager obsesionada con despedir a todo el mundo que no le gustara o cayera en gracia, continuas reducciones de plantillas, lo que ahora se conoce como mobbing, y, sobre todo, porque empezaron a desaparecer de forma repentina y sin motivo aparente fondos económicos.

Para resumir, digamos que el día 12 de marzo de 1995, Yolanda es despedida de forma fulminante al no saber o no querer responder a la sencilla pregunta de ¿dónde está el dinero?

A pesar de su despido, Selena quiere mantener la confianza y la cercanía con Saldívar, a la que considera todavía una íntima amiga. Incluso la vuelve a llevar de viaje con ella. Yolanda, que había comprado un revólver unos días antes, decide devolverlo. Durante el viaje, Selena insiste en saber que pasó con el dinero ante las continuas negativas de Saldívar en dar explicaciones. A la vuelta del viaje, Yolanda vuelve a comprar el mismo revólver. Se masca la tragedia.

Pasan los días y el 30 de marzo, Selena, su marido Chris Pérez y Yolanda se reúnen en un motel para que esta última les ceda unos papeles necesarios para la declaración de impuestos. Yolanda accede y la pareja abandona confiada el motel. Horas más tarde, Selena se da cuenta de que Saldívar no ha sido sincera del todo y que faltan todavía más papeles, por lo que decide llamarla de nuevo. Ante la insistencia de Selena, Yolanda le confiesa entre lloros que acaba de ser violada en Mexico y que no está en condiciones de nada. A pesar de la negativa de Chris, Selena decide acudir en solitario en busca de su amiga a la mañana siguiente para llevarla al hospital.

En el hospital, y tras el debido chequeo, se descubre que no hay evidencias de violación. Selena no aguanta más mentiras y lleva a Saldívar de vuelta al motel de nuevo. Una vez allí, le vuelve a pedir los papeles perdidos y decide romper su amistad, en base a que Saldívar ya no es una persona de fíar. En ese momento, Yolanda Saldívar saca un revólver de calibre 38 y apunta a Selena, la cual, se da la vuelta y huye hacia la puerta… ¡bang! Selena es herida de muerte en la espalda , pero aún es capaz de llegar al hall del motel, donde, desangrándose, consigue pedir ayuda.

Una hora y quince minutos después, Selena es declarada muerta en la sala de operaciones del Corpus Christi Memorial Hospital.

…Descansa en paz Selena, escuchándote cantar mientras me rulo uno…

…Cuando muera traer un millón de rosas, malas putas haciendo el amor a mis posters...

Texto por Mars

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