Author Archives: Hardy Jay

About Hardy Jay

Madrileño disc jockey & polimelómano crónico en potencia, compartidor musical & vinilodependiente.

Jaylib – Champion Sound

Diseño por Jeff Jank

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Jaylib – Champion Sound

(2003 – Stones Throw)

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La década de los ’90 llegaba a su fin y el Efecto 2000 se constataba como uno de los más irracionales y temerosos miedos de ser humano. Aunque no hubo apagón tecnológico y se abrían las puertas del nuevo milenio, todavía quedaba lugar para las historias románticas, muchas de las cuales fueron responsables de que la llamada golden era no fuera la tumba de la creatividad en el rap. Dos de los responsables de salvar la creatividad fueron, y sigue siendo en el caso del último, Jay Dee y Madlib. Mañana se cumplen 14 años desde que Jaylib lanzaran «Champion Sound» por el sello Stones Throw (otro de los agentes responsables de revitalizar el género), y hoy te contamos la historia de cómo un cassette propició el vínculo de dos de los productores con más personalidad del género.

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RESPETO ENTRE BEATMAKERS

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Jaylib (J Dilla y Madlib) fotografiados para el photo press de Champion Sound

Fotografía del álbum «Champion Sound»

Tres años hicieron falta para que la cinta con ritmos inéditos de Jay Dee que J Rocc entregó a Madlib diera sus frutos. Existían las carreras de Jay Dee junto a Slum Village y de Madlib con Lootpack, estaban a punto de publicarse por Stones Throw ese mismo año el «Madlib Invazoin» y «The Unseen» de Quasimoto, y todavía no había visto la luz el «Welcome 2 Detroit» (BBE) de Dilla ni el «Angles Without Edges» de Yestedays New Quintet

A pesar de ello, James Dewitt Yancey y Otis Jackson Jr. (Dilla y Madlib respectivamente) se perfilaban como dos de los arquitectos del sonido que renovaría el género, y que incluso se sigue extendiendo a límites insospechados a principios del milenio (valga de ejemplo nuestro DillaJoints dedicado a la versión orquestal de la música de Dilla arreglada por Carlos Niño y Miguel Atwood-Ferguson). 

Madlib quedó impresionado con la calidad técnica de Dilla, y usó algunos de esos ritmos, más tarde recopilados en una colección de grabaciones llamada «Jaylib Outtakes» en las que también aparecen Quasimoto, Oh No, (hermano de Madlib) o MF DOOM. De una de aquellas grabaciones surgió el corte The Message, en el que Madlib tributa el político hit de Grandmaster Flash & The Furious Five sobre un beat que años después se haría famoso tras usarlo Busta Rhymes en Show Me What You Got de su disco «Anarchy» (2000 – Elektra).

Mientras se grababan esos outtakes entra en juego Peanut Butter Wolf. El fundador de Stones Throw estaba preparando una mixtape en la que quería incluir The Message, y como todavía no se estilaba pinchar en digital, decidió hacer unas copias en vinilo. 

‘No se lo dijimos a Dilla hasta después de haberlos planchado. Una vez los hicimos me llamó y me dijo que hiciéramos algo pero oficial. Ahí es cuando se me ocurrió la idea de un disco que fuera, mitad Madlib rapeando sobre Dilla, y mitad Dilla rapeando sobre Madlib’

· Peanut Butter Wolf

‘Dilla en el fondo llamó a Peanut para decirle de hacer las cosas bien. Creo que si no le hubiera llamado para preguntarle sobre esos discos no hubiera habido colaboración’

· Jeff Jank

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Dilla por su parte conectaba al otro lado del país con la música de Madlib tras descubrir el «Soundpieces: Da Antidote» de Lootpack, una de las primeras obras maestras del sello de Peanut Butter Wolf. Parece que a Dilla también le llegarón algunos de esos outtakes, pero siendo los beats su energía de atracción, es lógico que Dilla quedara más impresionado por las producciones en Lootpack y su estructura, que por los rapeos de Madlib. Así lo recoge Jordan Ferguson en su libro «J Dilla’s Donuts (33 1/3)» publicado en 2014 por Bloomsbury Academic. Madlib sin embargo, encontró la conexión en el aura de la música de ambos.

En 2001, tras haber quemado el debut de Lootpack, Dilla llama a Madlib para que cruce el país y se reuna con él en su estudio. Fue la primera, y prácticamente única vez que los dos artistas se vieron físicamente antes del lanzamiento del disco. Los cortes resultantes de aquella sesión de grabación iban destinados a «Pay Jay» (2003 – MCA Records) de Dilla, pero finalmente no formaron parte del álbum. De esta forma, Madlib grabaría en Oxnard, California, y Dilla en Detroit, Michigan. Si quieres saber más sobre la mítica SP1200 de la que habla Dilla, fícahte nuestro Crates & Triggers Dave Rossum & The Soul Brother’.

‘Saber que Madlib hacía esas cosas con la SP-1200 me flipó, porque el único cabrón que yo conocía que usara esa máquina era Pete Rock’

· J Dilla

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Madlib en su basement

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‘Nuestra música era diferente pero consistía en lo mismo ¿entiendes? Porque siempre suena sucia pero a la vez brillante, y nunca demasiado computarizada’

· Madlib

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J Dilla

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Siendo un disco producido por dos melómanos y deep students de esta talla, ya os podéis hacer a la idea de la cantidad y variedad de artistas y estilos sampleados en el disco. Algunos como sólidas bases de la estructura de un beat, y otros en forma de pequeños detalles que siempre hicieron las delicias de los admiradores de la música de ambos productores. Si no conoces ya la fuente de sonidos de «Champion Sound», es más que recomendable que dediques una café, una cerveza o un lerele a darte una vuelta por WhoSampled.

Haremos mención especial de Diana In The Autumn Wind de Gap Mangione que Madlib samplea en The Official, y que Dilla ya sampleó para su brillante Fall In Love cinco años después. Su magia, la de reinventar distintas partes de una misma fuente y conseguir vibraciones tan distintas. Por eso en «Championd Sound» puedes viajar al lúcido planeta The Red, y al oscuro The Heist.

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LA LUZ RECORRIENDO 3.670 KMS

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Los miles de kilómetros de distancia y la falta de contacto físico no fueron obstáculos suficientes para que la energía de los dos músicos conectara, lo que añadió un aura misteriosa al disco que no bloqueó su calidez final. De una forma parecida estaba trabajando también entonces Madlib con MF DOOM para dar forma a su aclamado «Madvillainy», que se gestó de forma paralela a «Champion Sound»

La prueba de lo fructífero de la relación está en los ya citados «Jaylib Outtakes», pero también en el coetáneo «Jaylib VS J Rocc» en el que el miembro fundador de Beat Junkies constató su protagonismo en esta historia; los innumerables remixes e inéditos que se han publicado después, oficiales o no; y también en «The Rough Drafts», una recopilación de inéditos que Madlib recopiló en un viaje a Brasil en 2002. En Wicked Jazz, extraído de esa última recopilación y en el que colabora Quasimoto, un sample parece profetizar la futura trascendencia de los dos productores.

‘Listen

Music

Master of the Art

Music

Tomorrow

I love… Tomorrow’

Lo que sí fue un obstáculo sin embargo fue el corte The Red, uno de los más emblemáticos del disco. Ese emotivo canto al brillo que Dilla pitchea, filtra e incrusta para siempre en nuestra cabeza ,es un sample de Shine On A Straight Arrow de Cris Williamson, quién puso algunos obstáculos para que se publicara. Valga decir, que aunque tengamos la costumbre de demonizar a esta gente que no entiende la cultura del sample, Cris Williamson no era el mítico caso del artista indignado y aprovechado que busca repercusión. La cantante de folk nativa del sur de Dakota, era una activista política, que dio visibilidad a la situación y el trabajo de una comunidad lesbiana que a mediados de los ’70 no estaba tan integrada en el mundillo de la música y el arte.

‘Dilla y Madlib tenían esa energía que compartían, y es obvio que mientras trabajaban en Jaylib, la música que se enviaban de ida y vuelta influenciaba al otro’

· Ego Alapatt, manager de Stones Throw

 

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BEATMAKERS RAPPIN’ BARS

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Jaylib live

Una vez diseñada la fórmula de Peanut Butter Wolf para el disco, había que conseguir que los dos beatmakers estuvieran dispuestos a rapear, disciplina en la que quedan bastante lejos de sus skills como productores. A día de hoy es obvio que no supuso ningún problema, y que la conexión de los beatmakers cruzó los ritmos tomando forma en la continua mención que hacen el uno del otro en sus barras del disco. 

Lo que no encontramos en «Champion Sound» son barras especialmente memorables, más allá de algo de vacile y diversión. Quizá por eso Madlib y Dilla muestren su respeto a la profesión sampleando la voz de Chuck D, rascando barras de Big L, Black Moon y De La Soul, o tributando a Guru de Gang Starr en sus barras: ‘And I don’t be around the way / Like I used to I don’t have time these days’.

Así productor y mc se pasan el relevo cumpliendo ambas funciones como si de una espcie de jam o sesión de radio se tratara, con cortes drásticos, samples de voces, y un sonido final sucio mérito de la mezcla y master Dave Cooley

En cuanto a los feats, Dilla aprovecha para invitar a Talib Kweli y seguir dando a conocer a Frank n Dank (¿recuerdas su no concierto en Madrid?) para ampliar la visión cruda de Detroit. Por la parte de Madlib aparecen dos mc’s que luego editarían por Stones Throw: Percee P, antes de que debutara tardíamente con «Perseverance» (ficha nuestra review del disco) y un entonces desconocido Guilty Simpson, que ganó cierto nombre en el círculo underground con la publicación de «Ode To The Ghetto» en 2008.  

‘No puedo rapear en los beats de mucha gente, incluso en los míos me cuesta. Pero cuando escuché esa mierda… Tenía algo con lo que conecté. Podía tirarme todo el día escribiendo’

· Madlib 

 

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RECEPCIÓN Y ENFERMEDAD DE DILLA

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El impacto de «Champion Sound» nunca llegó a saltar el muro hacia el mainstream. Que escuchemos ahora remixes de The Red de cualquier estilo en las tiendas de ropa de Inditex u otros ambientes, viene por una repercusión posterior y, tristemente, resultante de la muerte de Dilla. 

No obstante el disco estuvo bailando durante más de un año por diversos puestos de algunas listas independientes, codeándose con discos de referencia como el «The Black Album» de Jay-Z, el «Speakerboxxx» de OutKast, el mismo «Shades of Blue» de Madlib, o un entonces proporcionalmente (no Rajoy) desconocido Kanye West abanderado por Jigga en su «The College Dropout». Donde realmente caló «Champion Sound» fue en esa lista de obras que son los discos que escuchan tus artistas favoritos.  

El mismo año en que se publicó el disco que nos ocupa, Dilla publicó una cinta llamada «Ruff Draft», que sin ser la pieza de coleccionismo que es ahora, le sirvió para girar por Europa (cuatro años después Stones Throw reeditaría la cinta tras la muerte del productor). Tras volver de la gira, Dilla comenzó a encontrarse mal, hasta que un día su madre, Ma Dukes, se vio obligada a llevarle a urgencias. Le diagnosticaron PPT (púrpura trombocitopénica trombótica) una enfermedad hemorrágica de las consideradas ‘raras’.

Viajo esporádicamente a Los Ángeles para reunirse con el equipo de Stones Throw y planificar la estrategia una vez lanzado el disco: grabar algún clip, planear una gira… pero desgraciadamente su enfermedad no le dejaba viajar demasiado, hasta que finalmente Common le convence para que se mude a Los Ángeles en 2004. 

‘Creí que el sur de California sería bueno para su espíritu. El sol, el calor, chicas guapas…’

· Common

Medaphoar aka MED, J Dilla, Eton Alapatt y Madlib en el estudio de Madlib (2005 – Roger Ericsson)

Por fin los más de tres mil kilómetros dejaron de separar los focos de luz, y Dilla pudo trabajar codo con codo con Madlib y el resto del equipo de Stonest Throw: Peanut Butter Wolf, el diseñador Jeff Jank, y el mánager Eton Alapatt (quién se lo gozó de lo lindo en la Boiler Room de Madrid del pasado miércoles). Como cuentan en el documental «Our Vinyl Weights a Ton» dedicado a la trayectoria del sello, por aquel entonces vivían juntos en una casa que durante años fue su basement principal. No obstante, debido a las complicaciones de su enfermedad, la gira de «Championd Sound» no pudo ser todo lo extensa que les hubiera gustado.  

La publicación de «Champion Sound» sirvió para que muchos artistas externos al círculo Stones Throw centraran su atención en los beats de ambos productores. La música que desarrollaron los dos músicos desde su vínculo, es buena parte de la historia que justifica la creencia de aquellos que no vieron la muerte de la pureza de los ’90. Precisamente con Medaphoar, el otro protagonista de la fotografía, los dos dos dieron forma a «Push Comes To Shove» (para mí, un auténtico clásico underrated). Esas historias y otras, ya las contaremos, hoy corresponde recordar luces inmortales más que quedarnos con las sombras que generan.

Texto por Dasar y Pablo Luis Duarte Borges

Suite-for-ma-dukes

Carlos Niño meets Miguel Atwood-Ferguson

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DILLA JOINTS #01
carlos niño meets miguel atwood-ferguson

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En la tesitura de un monográfico dedicado a Stones Throw, sería imposible no hablar de Jay Dee aka J Dilla. Mucho se ha hablado de su música, editada o no por el sello de Peanut Butter Wolf. Mucho más después de su muerte, y muy bien hablado en bastantes ocasiones.

Nosotros hablaremos cuando corresponda de cómo surgió su relación con PBW, pero en estos DillaJoints nos queremos centrar en cómo la música de Dilla sigue siendo relevante y sigue estando viva a través de músicos que, queremos pensar que pasionalmente, han realizado obras en su honor. ¿Por qué no empezar por un trabajo que podría ser conceptualmente de los más alejados a sus beats?

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QUÉ ES SUITE FOR MA DUKES

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Diametralmente opuesto a la música de Dilla en cuanto a estructura, instrumentación y resultado, “Suite for Ma Dukes” , publicado en 2009 (2 a, d, Dilla – Mochilla) es un tributo en forma de música de cámara a la obra del productor de Detroit en formato 12″, y dedicado a su madre, Maureen ‘Ma Dukes’ Yancey. En su representación en directo, el proyecto adquirió una dimensión mayor hasta completar una orquesta de treinta y seis instrumentos. Aparte, el proyecto tiene otros atractivos que le otorgan el ‘honor’ de inaugurar estos DillaJoints. Los responsables son el percusionista y productor Carlos Niño y el chelista, compositor y productor Miguel Atwood-Ferguson, y su trayectoria individual es importante porque confluyen una parte de los músicos responsables de los arreglos y proyectos orquestales del rap durante, y desde, la golden era. Músicos ‘hijos del hip-hop’, herederos de el legado artístico que dejó aquella “Hip-Hop Generation” imparable de la que nos habló Jeff Chang en 2005 y que recientemente tradujo al castellano Caja Negra Editora). Los responsables de la exportación del rap (con todos sus matices compositivos) a otros géneros. 

El germen del proyecto surgió antes de la muerte de Dilla, cuando en 2004 Carlos Niño y Miguel Atwood-Ferguson decidieron dar forma a su versión de Nag Champa (Afrodisiac for the World), uno de los cortes que Dilla produce en el imprescindible “Like Water for Chocolate” (2000 – MCA Records) de Common. En la espiritual guitarra que suena sobre el beat de Dilla ya encontramos a uno de intérpretes del hip-hop, Jef Lee Johnson. Tocó con Roy AyersTeddy Pendergrass o Fat Boys en los ochenta, y después fue músico habitual de Erykah Badu y George Duke, aparte de colaborar con otros artistas contemporáneos como la contrabajista Esperanza SpaldingJill ScottThe Roots o Borther Ali.

Pero, antes de hablar del trabajo, conozcamos algo sobre Niño y Atwood mientras escuchamos su reinterpretación de Nag Champa.

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CARLOS NIÑO

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Comenzó como dj de radio en el ‘95 en un programa de música electrónica titulado All at One Point que vio la luz en la KPKF, para después trasladar su hogar tras un breve descanso a la Spaceways Radio. Con esta mudanza, el programa adquirió un nuevo enfoque más cósmico y Carlos Niño comenzó a conectar con una de sus influencias claras a día de hoy: el espacio. Por el que pasaron desde Pharoah Sanders hasta Flying Lotus, sin desatender la música rap con A Tribe Called Quest o Madlib.

En lo periodístico, cabe destacar que Carlos Niño también fue redactor en el magazine angelino Rap Pages (fundado en 1991). En la página de Dj Shadow puedes encontrar hasta una pequeña imagen de la review que escribió sobre «…Entroducing» (‘96 – Mo’ Wax) la obra más trascendental del productor y dj angelino.

Portada de Keepintime. Talking Drums And Whispering Vinyls

La relación de Carlos Niño con el resto de campos de la música va más allá del periodismo, desde la realización de los artworks hasta la grabación de su música y la de otros artistas. Desde nuestro prisma cabe reseñar que grabó el sonido de «Keepintime. Talking Drums And Whispering Vinyls»una cinta VHS japonesa del 2000 en la que Babu, Cut Chemist, Dj Shadow y J Rocc rascaban sobre las baterías de Earl Parmer, James Gadson y Paul Humphrey. Ya daremos formato a toda esta música, pero por contextualizar, esos tres bateristas han puesto música a glorias como Etta James, The Isley Borthers y Frank Zappa, y también a músicos actuales como D’Angelo & The Vanguard, Lana de Rey, Four Tops o Justin Timberlake

También es destacable, por vínculos, su faceta como A&R en el disco “Afrika Before Invasion” de la banda de afrobeat Natije Olokun Prophecy (2002 – Sofa Disk). Allí conectó con el trombonista Phil Ranelin, que había colaborado con Martha Reeves en su disco “We Meet Again” (‘78 · Fantasy), en varios discos de Freddie Hubbard que orbitan alrededor del principio de los ‘80, y como curiosidad, fue el responsable de la grabación de los trombones del álbum debut de The Red Hot Chilli Peppers (‘84 · EMI / Enigma Records). 

A su vez, Carlos Niño investigaba el downtempo con su compañero de instituto Fabian Ammon Alston en el dúo AmmonContact, y el soul-jazz espiritual con Hu Vibrational, junto a los percusionistas Hamid Drake y Adam Ruldoph.

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SKIT JAZZ VOYAGES ESPAÑA

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Como curiosidad para aquellos que también nos interesa el jazz made in Spain, añadir que Adam Rudolph compartió grabaciones con el pianista Chano Domínguez, el guitarrista Niño Josele, y la gaitera Cristina Pato en “Miles Español (New Sketches of Spain)”, además de reinterpretar el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo

En este tributo que el sello Entertainment One publicó en 2011, además de los ya citados, se mezclan para tributar a Miles Davis desde artistas relevantes en los últimos cuarenta años como el contrabajista Ron Carter, el teclista Chick Corea, el guitarrista John Scofield o el flautista y laudista libanés Rabih Abou-Khalil, a algunos de los arquitectos del jazz latino como  Jorge PardoJerry González o Gonzalo Rubalcaba. Un mestizo tributo, al también mestizo disco que Miles había publicado medio siglo antes con Columbia versionando música de Joaquín Rodrigo o Manuel de Falla.

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BUILD AN ARK

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Carlos Niño

Llegamos a 2001 en la historia de Carlos Nino, cuatro años después de la fundación de Donut Boy Recording con el lanzamiento de ese cassette “Fan-tas-tic” de Slum Village, el trío que formaba Dilla con Baatin y T3, y con el productor de Detroit abandonando el grupo para lanzar en solitario “Welcome 2 Detroit!” por BBE. En este disco aparece el baterista y productor Karriem Riggins, otro de esos músicos de nueva generación abanderados por Stones Throw, del que ya hablaremos, pero que muchos habréis escuchado en el flamante último disco de Kaytranada publicado por Richard Russell a través de XL Recordings (puedes conocer más sobre la historia del sello en nuestro artículo Richard Russell conectando Generaciones: Gil Scott-Heron & Jamie XX’).

Ese año Carlos Niño une fuerzas con el vocalista Dwight Trible y desarrollan la banda de jazz Build An Ark, También formarían parte del grupo Phil Ranelin (trombonista de Natije Olokun Prophecy) y Adam Rudolph (percusionista de Hu Vibrational que posteriormente tocará en el tributo a Miles). 

Se estrenaron en 2004, el mismo con “Peace With Every Step” (Plug Research / Kindred Spirits) tras haber participado ya en un tributo a Sun-Ra con el corte The Stars Are Singing Too (Doors Of The Cosmos) (Sunny In LA Mix). El mismo año que Carlos Niño y Miguel Atwood-Ferguson parieron su primer tributo a Dilla.

Algunos de los músicos de Build An Ark, formarían años después parte de la orquesta que representó en directo “Suite for Ma Dukes” bajo la dirección de Miguel Atwood-Ferguson, como la violinista Lesa Terry que ha colaborado con figuras como Max Roach o Yusef Lateef, y con popstars como Mariah Carey, John Legend o Will.I.Am

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MIGUEL ATWOOD-FERGUSON

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Miguel Atwood-Ferguson

Su carrera tiene menos fondo que la de Carlos Niño, pero lo suficiente como para haber participado en la grabación de “Genius Loves Company”  (2004 – Concord Records / EMI) de Ray Charles, en un la revisión de You Don’t Know Me, una canción del ’55 que compuso Cindy Walker y que Ray contribuyó a popularizar a mediados de los sesenta. Por seguir tirando de vínculos, en ese disco también participó en otro corte James Gadson, uno de los baterías que había protagonizado la cinta japonesa que grabó Carlos Niño. En su caso lo haría en Heaven Help Us All.

Pero lo que más nos interesa de Miguel Atwood-Ferguson es su conexión con el hip-hop a través la daKAH HIp-Hop Orchestra, una orquesta que quizá no sea demasiado conocida pero en la que tocaron músicos que han participado en grabaciones con todo tipo de grupos de la música negra de las últimas décadas, varios de ellos responsables de los arreglos orquestales de «To Pimp a Butterfly» de Kendrick Lamar. Si alguno sois seguidores de la nueva sensación del jazz Kamasi Washington, su contrabajista de confianza Miles Mosley era miembro de la daKAH. Os dejamos al final del artículo un vídeo de la orquesta interpretando en directo beats de A Tribe Called Quest.

En el año 2004 la conexión J Dilla – Carlos Niño – Miguel Atwood-Ferguson se cierra cuando Dwight Trible y Carlos Niño se embarcan en un nuevo proyecto, Dwight Trible & The Life Force Trio. Antes de que su disco «Love Is The Answer» viera la luz en 2005 por Ninja Tune, representaron el disco en directo y Carlos Niño contrató para la sección de cuerda al cuartero de Miguel Atwood-Ferguson. En aquel directo, tocarían por primera vez Antiquity, la canción del disco que producía J Dilla aportando su beat Doo Doo

Texto por Dasar

· daKAH tocando en directo beats de A Tribe Called Quest

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Pedro LaDroga meets Zekie (2017 – CryptaMag & LaDroga Lab)

Diseño por David Vallejo

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Con este maxi digital de remixes, retomamos nuestras Filtraciones poniendo en contacto a dos artistas de distintas generaciones pero inquietudes similares, y de los que ya deberías saber algo si eres adepto a CryptaMag. A Pedro LaDroga le entrevistamos el año pasado con motivo de su alianza con el productor maño $kyhook en el proyecto SKYDRVG (puedes ver también aquí nuestra entrevista a $kyhook). No obstante le seguimos la pista desde hace tiempo, y si quieres saber más sobre él y su música puedes fichar nuestra entrevista a LaDroga LAB en 2013, colectivo y sello independiente que es referencia en la importación de los sonidos del sur de EEUU y Canada. Si quieres ponerte al día con la música de Pedro LaDroga dale una vuelta a «Memphis« (2017 – LaDroga LAB).

De Zekie te filtramos su maqueta homónima, una joya underrated del Madrid de principios de los 2000, y hablamos con más profundidad en la review de «Planeta Zero» (200x – Mari Nakome) disco en colaboración con Souchi. También ha colaborado con nosotros en varias fiestas, como el San Easy Drop que organizamos en la edición de Music & Dealers de 2016 (puedes ver el vídeo grabado por los compañeros de Captcha Family en este enlace) o en diversas Warehouse de las que organizamos en nuestro tugurio físico. Puedes ver el vídeo de la última que hicimos, en la que también aparecen dj’s como Dj Ochoa, Mole o Kid Cala. Actualmente, puedes saber más de Zekie gracias a su proyecto Abraxas con N-Ko, o su remix de ‘C.R.E.M.A.’ de N-Wise de MDE Click.

Escucha este encuentro de generaciones en nuestro Soundcloud o Bandcamp, descárgalo, y difúndelo por el Universo.

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DESCARGA

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El Universo Visual del P-Funk

“Érase una vez en los días de Funkapus, el concepto de Afronauta, especialmente diseñado para funkatizar galaxias. Recayó primero en el hombre inmaduro, pero más tarde fue ocultado entre los secretos de las pirámides, hasta que se adoptara una actitud más positiva hacia este tan sagrado fenómeno, el clone funk.

(Queremos el funk, suelta el funk ahí)

En la tierra, esperaría junto con sus cohabitantes, los reyes y faraones, como una bella durmiente que con un beso haría que lo liberase para multiplicarse a imagen del elegido: Dr Funkenstein.

El funk es su propio hallazgo, ¿debería asustarte?”

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Con este texto recitado por George Clinton comienza The Clones del Dr. Funkenstein’ (1976), de Parliament. Tan característico como confuso, es uno de los textos más reveladores entorno al universo P-Funk. Da algunas de las claves para descifrar la base de la filosofía del funk de Clinton. Y hablo del Funk de Clinton porque como bien es sabido creó un estilo especial además de espacial, un género musical extrasensorial y extraterrenal. Un funk que no era de este planeta. El innovador estilo de Clinton no sólo supuso un estallido de nuevos y extraños sonidos si no que el líder de Parliament y Funkadelic supo captar y expresar tanto la esencia como el mensaje de su música a través de toda la parafernalia de la que estaba rodeado, desde la puesta en escena de los directos hasta el artwork. A lo largo de la historia podemos encontrar grupos que musicalmente han significado mucho pero que en su momento pasaron un tanto desapercibidos por no saber aprovechar bien sus cartas en lo que se refiere al trabajo visual.

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DEL FUTURISMO FUNKY A LA GALAXIA PSICODÉLICA

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Puesto que es dificultoso comprender el universo visual de Funkadelic sin referirse a Parliament, y viceversa, lo más adecuado es introducir el análisis en la figura e ideología ‘Clintoniana’. George Clinton, formó Funkadelic en 1968 tras perder los derechos del nombre del grupo The Parliaments, que creó junto con la discográfica Revilot y años más tarde comenzó con Parliament, otra banda que reunía a los mismos componentes que Funkadelic. Su época de mayor esplendor se desarrolló durante los años 70 con un particular estilo que acabó recibiendo el nombre de P-Funk (Parliament-Funkadelic) o lo que otros prefieren llamar, ‘Pure Funk’.

En el preludio citado anteriormente, el Doctor Funkestein, habla de clones del funk, una especie de humanoides, creados específicamente para transportar la música funk a todas las partes de la tierra.

El punto de partida es que la música funk viene de otro lugar, un lugar muy remoto ajeno a lo humano y a lo terrenal, en cierta manera aparece la figura de una especie de mesías afrofuturista, ¿te suena de algo? Hablar de mesías negro es hablar de la figura del Black Moses, es sacar de nuevo a la palestra la teoría afro-centrista y  por ende el deseo de reafirmación de una cultura ante la sociedad. Por lo tanto, el funk según Clinton, no sólo existe para sudarlo en la pista, si no que se presenta como algo sagrado y ancestral. Eso explicaría la antipatía de Mr. Funkestein hacia la música disco, considerándola como la simplificación y comercialización del ‘puro funk’.  La portada de «Funkentelechy vs The Placebo Syndrome» (1977 · Casablanca) ilustra a la perfección esta idea. Se puede ver cómo Funkentelechy, personaje de ficción creado por el propio Parliament, quiere erradicar al “Síndrome placebo” personificado, un concepto con que el que Clinton se refería a la música disco. Funkentelechy usa un arma que implica la ‘conversión’ de su oponente al funk. Una transformación que recuerda a la que se muestra en la portada desplegada de «Tales Of Kidd Funkadelic» (1976 · Westbound Records).

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Pero volviendo al texto introductorio, la siguiente señal viene relacionada directamente con pirámides y faraones, es decir, lo mitológico. Es una manera de remontarse a lo los orígenes, para rescatar la esencia. Por supuesto, ese mesías afro-futurista es un individuo con un poder extraordinario, nadie más es capaz de desempeñar su trabajo, sin olvidar que su misión es reclutar. El concepto de ‘reclutamiento’ también está muy presente en la mitología P-Funk, El funk se presenta como una especie de religión que necesita adeptos.

Hay que decir que es una forma muy inteligente de publicitarlo cuando en el fondo también se trata de conseguir compradores de discos. En ocasiones, se pasea esa religión con actitud sectaria en portadas como «Let’s Take It To The Stage» (1975 · Westbound Records) de Funkadelic, donde podemos ver cómo esa especie de calavera que representa el espíritu de la banda, parece arrastrar a través de vectores a una especie de zombie para tomarlo al funk alienígena.

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Lo más interesante de todo, es que a pesar de su apariencia retro-futurista, el universo P-Funk se nutre de las raíces y los orígenes de la teoría afro-centrista, cargado de ideales y crítica hacia la sociedad del momento. De alguna manera, esa atracción por lo desconocido tiene que ver con el descontento general hacia la forma de vida terrenal del momento. Sin embargo, a Clinton también le fascinaba la idea de presentar al “hombre negro” en un lugar donde nunca antes había sido visto, dentro de un cosmos futurista y fuera del planeta Tierra. A la vez era una forma de protestar ante esa discriminación racial que propagaba el joven género de la Ciencia Ficción.

Años después, estas ideas que empezaron a germinar en «Space Is The Place» de Sun Ra (1972 . Blue Thumb Records), se aúnan creando una de corriente estética, literaria y filosófica llamada afro-futurismo. George Clinton fue uno de los precursores del concepto junto con Sun-Ra y otros hitos como Herbie Hancock e incluso el propio Miles Davis. De hecho, para documentar y definir el concepto, se usan muchas de las portadas de Parliament que entonces marcaron la referencia, especialmente la de «Mothership Connection» (1975 · Casablanca).

El documental «The Last Angel Of History» (1996 · John Akomfrah) precisamente trata algunas nociones del afro-futurismo como metáfora de la expansión de los ideales de la cultura afro y sus raíces a través de ejemplos como el de «Mothership» o el de «Space Is The Place». El documental reúne entrevistas con  personalidades de diferentes disciplinas, George Clinton y otros nombres como Samuel R.Delany son clave.

Para entender un poco el contexto, el afro-futurismo destaca por mezclar aspectos de la ciencia ficción, la novela histórica y diversas mitologías con el objetivo de poner en duda algunas convenciones de la cultura occidental bajo una visión afro-centrista. En este caso, por medio de la música y todo el concepto visual que le rodea, se trata de comprender ese futuro ficticio y fantasioso a través del pasado más primitivo.

Otros músicos como Africa Bambaata hasta Deltron 3030 han seguido rescatando el concepto. Pero si hubiera que marcar algún punto de partida oficial, sería en 1995 cuando el escritor Mark Dery daría el pistoletazo de salida en lo respectivo al estudio académico de esta teoría, gracias a su ensayo «Black To The Future» para el New York Times.

Otros artistas visuales también han seguido no tanto la línea estética marcada por el afro-futurismo de Parliament pero sí algunos de sus principios ideológicos. Fatimah Tuggar es una de ellas, sus collages fotográficos combinan la sociedad africana con elementos de la tecnología. La brecha digital que comenzó a definirse ante la posibilidad de acceso a Internet, es otro de los conceptos que critica el afro-futurismo, ya que define aún más las diferencias entre el primer y el tercer mundo. De ahí, la manifestación artística de la tecnología frente al mundo africano de Fatimah Tuggar. Otro ejemplo son las esculturas del escritor de graffiti Rammellzee, que recuerdan al estilo de ornamentación de Parliament.

Por supuesto, para analizar y “entender” el universo P-Funk es necesario mirarlo con perspectiva, ya que seguramente según la fantasía cósmica de Sun-Ra en 2014 ya estaríamos sobrevolando las ciudades en naves espaciales  De este modo, a partir de estas pequeñas premisas, la observación de cada uno de los elementos de las portadas de ambos grupos cobra sentido. Y a pesar de que la filosofía de Clinton puede llegar a ser similar a la hora de dirigir el trabajo visual de las dos bandas, el principal motivo por el que los universos visuales de Parliament y Funkadelic se distinguen, es por la utilización de la psicodelia en el artwork de Funkadelic.

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SECUELAS HIPPIES. LA FUNKADELIA

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En plenos años 70, en un contexto precedido por el movimiento hippie de los sesenta, las drogas alucinógenas, especialmente el LSD, siguen calando hondo en la música y en la sociedad. Como bien es sabido los efectos de esta droga ocasiones son puro fundamento para la creatividad y la inspiración. Nuevas corrientes artísticas comienzan a nutrirse de las secuelas provocadas por los excesos de la cultura hippie y underground, que vive por y para el culto a la música, la libertad, lo irracional y sensitivo.

Se continúa hablando del concepto de ‘psicodelia’, tendencia directamente relacionada con la excitación que provocaba el consumo de ácidos como el LSD unido al estado de inhibición causado por la música. Este concepto un tanto abstracto, comenzó a extenderse en disciplinas artísticas como la pintura, y a establecer unas pautas estéticas muy características, directamente relacionadas con los efectos reales que provoca dicha droga. Formas fractales y caleidoscópicas con colores brillantes y altamente contrastados; Horror vacui, figuras deslizantes, multiplicación de objetos o fluidos fluorescentes y acuosos son algunos de los elementos más repetidos en la ilustración de este estilo artístico.

Básicamente es la psicodelia lo que nutre el universo visual de Funkadelic. De hecho, Clinton buscaba precisamente esa simbiosis entre el funk y el sonido más puro del rock psicodélico. Algo que rompería el paradigma del funk en ese momento, dominado por el que lo popularizó, el Rey de Carolina del Sur, James Brown. Sonidos que se entremezclan, fuzz, instrumentos eléctricos y distorsionados. Se trataba de escapar del presente, de lo que les rodeaba, salir de la tierra con la intención de no volver, o volver para mejorar lo que hay. Ahora bien, no podemos negar las evidencias del discurso artístico de sus portadas, como tampoco podemos ignorar las particularidades de cada una de ellas.

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RECORRIDO POR EL ARTWORK DE FUNKADELIC

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Si observamos las portadas de Funkadelic, vemos que hay una homogeneidad estética sólo a partir del cuarto disco «America Eats Its Young» (1972 · Westbound Records). Las cuatro primeras portadas no consiguieron transmitir aún el espíritu de la banda, algo comprensible teniendo en cuenta que acababa de nacer y aún estaba por madurar. El primer disco, Funkadelic, aunque no fuera el diseño más original de la galaxia funky recogía uno de los elementos más simbólicos del arte de la psicodelia: la forma caleidoscópica (creada a partir del rostro de una mujer negra).

El segundo disco, «Free Your Mind…» (1970 · Westbound Records) a pesar de tener una fotografía bastante bien compuesta e icónica, hay algo que lo hace parecer un trabajo inacabado, y es precisamente la disposición y el diseño de la tipografía. Según algunos críticos musicalmente fue un disco poco elaborado y lógicamente como consecuencia también el artwork. El propio Clinton afirmó estar “avergonzado” porque el disco se grabó y mezcló en un día, y a pesar de todo llegó a funcionar. Los miembros de Funkadelic estaban totalmente sumidos en los efectos de las drogas, claro indicativo del nombre y el mensaje del disco. Y aunque en plenos setenta, músicos y drogas no fuera nada inaudito, el abuso fue tal que la banda estuvo a punto de desmoronarse, por eso Clinton comenzó a plantearse muchas cuestiones, entre ellas, trabajar más el potencial de sus músicos. Por eso, en 1971, una año más tarde de «Free Your Mind», aparece «Maggot Brain» (1971 · Westbound Records). Ahora sí, la banda había conseguido tomar las riendas, abriendo un nuevo camino para hacer historia.

Supuso una especie de ‘renacimiento’, literalmente, como esa cabeza afro brotando de la tierra. En esta portada ya aparece cierto equilibrio cromático dentro del diseño, entre colores cálidos y tierra con una composición más pensada y trabajada que el anterior disco. De ahí, que la cubierta de Maggot Brain se haya convertido con creces, en la imagen más emblemática de la banda. La fotografía es sencilla, pero la expresión lo dice todo, desprende ‘puro funk’.

En 1972, vuelven con «America Eats Its Young», esta vez con un mensaje que deja clara la crítica y el resquemor hacia la sociedad capitalista norteamericana, especialmente por símbolos como el dólar o la Estatua de la libertad mordiendo a bebés cual Saturno devorando a sus hijos. No puede ser más claro el discurso agresivo hacia la situación política de aquel entonces, en una época en la que EE.UU estaba en plena Guerra de Vietnam y además fue el momento del estallido del caso Watergate, uno de los mayores escándalos políticos registrados en la historia del país.

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Sin duda en este disco, dejan a un lado ese tímido acercamiento hacia lo psicodélico que llegaron a experimentar en su primer disco, aunque no se alejan del todo de la estética cómic que también les acabará por definir. Cabe destacar, que en estos primeros diseños, tampoco tenían determinado su famoso logo, por lo que usaron diseños muy dispares unos de otros hasta dar con él.

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LA LLEGADA DE CAPTAIN DRAW

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En «Cosmic Slop» (1973 · Westbound Records) aparece una nueva y gran figura, Pedro Bell, también conocido como Captain Draw, el ilustrador por excelencia de Funkadelic. Este artista ha llegado a configurar el universo visual de la banda, convirtiendo en dibujo parte del cosmos del P-Funk. Su estilo es inconfundible, siendo versionado y homenajeado de todas las maneras y para todos los gustos posibles. Influenciado por los cómics de Flash Gordon, Bell crea una atmósfera e historia propia en cada cubierta. Indudablemente el éxito de Funkadelic radicaba en la coherencia visual de sus trabajos, el artista lo tenía claro, «Si quieres sobrevivir, es mejor tener algún concepto visual, y si realmente quieres sobrevivir es mejor tener más que eso.» Y si  Parliament refleja ideas de afro-futurismo puro y duro, en Funkadelic se puede hablar de afro-psicodelia. Y no es por la afición de añadir el prefijo afro a cualquier concepto, sino porque el mismo Pedro Bell expresó que su intención era plasmar la psicodelia “desde la visión de un hombre negro”.  Eso explica por qué todas las figuras creadas en las portadas (a pesar de sus particularidades como seres extraños que son) tienen rasgos africanos.

Hasta «Uncle Jam Want You» (1979 · Warner Bros) todos los trabajos gráficos tienen bastantes puntos en común, especialmente la disposición de elementos y la colorimetría. Además, los ochenta tampoco pasarían desapercibidos en el departamento gráfico de la banda. La estética psicodélica-espacial de los setenta, cambia casi de forma radical cuando llega la moda ochentera, entrando con más fuerza el estilo cómic y otras técnicas como la aerografía. La portada que mejor sintetiza este cambio es la de The electric spanking of war babies (1981), cover que se suma a la lista de portadas censuradas de la historia. Parece ser que Warner Bros no terminó de aprobar que aquellos locos del funk quisieran mostrar una nave espacial en forma de pene, y lo “arreglaron” poniendo una especie de parche con recortes de diferentes estampados a modo de collage. Sin duda se habían cargado todo el sentido del título del disco, puesto que dentro de la nave se mostraba a una mujer recibiendo descargas eléctricas en las nalgas.

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Un concepto un tanto extraño y grotesco pero que no deja de tener sentido dentro del universo musical del funk -un tanto sexista- ya que al fin y al cabo está para moverlo. El grupo lo deja claro, uno de esos mensajes es la inhibición corporal a través de la música, simbolizando el trasero como la parte del cuerpo que permite el movimiento ‘sucio’ del funk que tanto quieren trasmitir. Son claras las connotaciones sexuales y sexistas, que desfavorecen la imagen de la mujer, la cual se presenta siempre como objeto de deseo. Pero por otro lado, aparece la figura femenina como procreadora de vida. No hay más que ver la portada de «Cosmic Slop» (1970), que ilustra a una especie de Pachamama  en un particular estilo psicodélico, desquiciado y con peinado afro, como no podía ser de otra manera. No había en aquel entonces un peinado que representara tanto por sí mismo.

El carácter atrevido y rebelde del funk rompía continuamente con los cánones de belleza impuestos por la cultura blanca, entre otras cosas porque tenía un porcentaje mucho menor de público blanco. Figuras como Betty Davis personifican el funk no sólo por su música, sino por la manera de expresarlo a través de su aspecto. Muchas otras discográficas (especialmente de jazz) optaron por adaptar los modelos negros de sus portadas a los cánones de belleza más occidentales, obviando el peinado afro.

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CRÍTICA A LA POLÍTICA

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«One Nation Under A Groove» (1978 · Warner Bros) o «Uncle Jam Wants You» (1979) cuentan con un discurso artístico menos elaborado, pero se centran en la transmisión clara y concisa de un mensaje socio-político. En la primera, Funkadelic está reclamando una nación dominada por el Groove, porque la música es el eje de todo, es lo que mueve el mundo y moviliza a las masas. Una nación que ondea orgullosa una bandera con las siglas “R&B”. De nuevo, la figura femenina cumple un papel esencial, en este caso es la que proclama el mensaje.

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En la segunda, todo buen observador que se precie, identificará las referencias del conjunto gráfico. La portada es un tributo a la famosa fotografía de uno de los fundadores del partido de los Pantera Negra,  Huey P. Newton. Fotografía que ha sido imitada en innumerables ocasiones. Otras figuras de la música como Leroy Boner o Al Green (I’m Still In Love With You) también han sido retratadas de forma similar a la imagen original de Huey P. Newton. En el caso de Funkadelic, la portada conforma su propia simbología a través del decorado y el vestuario de George Clinton. El diseño del vestuario sigue los colores de la bandera que hay detrás del Dr.Funkestein, misma bandera creada para One Nation Under A Groove.

Uncle Jam Wants You supone una secuela de su anterior disco, pero con un aire más provocador y militante al reseñar el conocido cartel del Tío Sam. De nuevo, la idea de ‘reclutar’ adeptos para crear un país liderado por el funk donde la máxima no sea otra que la liberación de los problemas mediante el baile (Rescue dance music from the blahs).  

A pesar de toda la paranoia de Bell, ‘Standing On The Verge Of Getting It On’ (1975) no se queda atrás en el militarismo. A su manera, retrata un ataque funkyrobótico en toda regla, un robot atizado cual caballo por dos seres inspirados en la Antigua Roma que gritan

“There’s nothing harder to stop than a idea whose time has come to pass! Funkadelic is wot (what) time it is!”.

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Las portadas de «Uncle Jam Wants You» y «Maggot Brain» aunque no tengan nada que ver con la funkadelia de Pedro Bell, al ser enteramente fotográficas, también configuran una parte muy importante del concepto visual de la banda. Lo que es cierto es que a partir de «Connections & Disconnections» (1981 · LAX Records), las portadas del grupo han pasado un poco desapercibidas, al menos no se tienen tan en cuenta al hablar del estilo de artwork funkadélico. La pérdida de Pedro Bell, verdaderamente dejó mella en el departamento visual.  Por lo pronto, ya se había dicho adiós al famoso logo en la portada de «The Electric Spanking Of War Babies» (1981 · Warner Bros) donde apareció por última vez.

Para muchos artistas, tanto la estética afro-futurista de Parliament la psicodelia de Pedro Bell, han sido fuente de inspiración. Cantantes como Erykah Badu e incluso Janelle Monáe han querido hacer honor a este estilo en los diseños de sus portadas. Georgia Anne Muldrow y Dudley Perkins también mantuvieron una estrecha relación con ese estilo funkadélico, gracias a las ilustraciones de Tokio Aoyama.

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Sería imposible abarcar en un solo artículo un análisis exhaustivo de cada una de las portadas de Parliament-Funkadelic, lo que sí sabemos es que el universo visual del P-Funk marcó un punto en la historia del diseño de artworks musicales; pocos grupos crearon una estética tan identificativa y poderosa a su alrededor. Así que, no te olvides…detrás de todos esos diseños siempre estará el Dr.Funkestein para recordártelo, el funk alienígena por fin ha invadido la tierra.

Texto por Victoria Gee

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Crónica de Street Dreams Festival 05/09/2015 (Campo de Fútbol La Aldehuela, Fuenlabrada)

Sábado 5 de Septiembre de 2015 · Desde las 12:00h
Recinto: Campo de Fútbol Municipal La Aldehuela (Fuenlabrada, Madrid)
Precio: 10€ Anticipada / 15€ Taquilla

Fotografías por Garazi Lara Icaza

El pasado sábado 5 de Septiembre Heavy Weights congregó en un cartel, por tercer año consecutivo, tanto a artistas que traen sangre nueva al panorama como a clásicos y veteranos conocidos de sobra por todos, en un campo de fútbol de Fuenlabrada. Nada más llegar, como de costumbre, un gran muro de más de quinientos metros reunía a decenas de escritores, con un nivel que ya querría cualquier festival que incluya graffiti. Durante el recorrido del muro era imposible no detenerse en las pizas de gente como Rudy, Spok, Zoer, Chico Iwana, Snak, Besdo, Max501 o BTO entre muchos otros.

La tarde empezó con el catalogado por muchos como ‘mc más infravalorado del panorama’, Tone, que estuvo rapeando barras del disco que está por salir. Ritmos oscuros y ambientales, cuidados al detalle, casi tanto como las barras de un mc que tras casi diez años de su última referencia sigue sonando en el equipo de muchos. ¿Correrá la misma suerte su nuevo disco? Por lo que pudimos escuchar, seguramente.

Le siguieron Gatta Cattana, con parte del público entregado por estar esperando el momento de verla en directo,  y por distinto orden al del cartel Nestakilla, Charly Efe, Endikah y LONE, quiénes fueron animando al público que poco a poco empezaba a llenar el recinto de La Aldehuela y a formar cola en los tickets y la barra. Buen detalle por cierto que durante el festival no se vendieron productos del Grupo Coca-Cola, debido al casi definitivo cierre de la planta que tienen en Fuenlabrada. That’s hip-hop, del barrio y para el barrio.

Pasadas las doce de la noche, y aún sin saber cuándo saldrían los de Brooklyn, alguien cogía el micrófono para advertir, “pensábais que iban a salir unos negros grandes pero salimos unos blancos pequeños”. Blancos pequeños capaces de hacer mucho ruido. Zar1 tomaba los mandos de la nave a través de sus agujas y MPC para sumergirnos en «Cosmonáutica». El combo clásico de dj + mc que triunfó a finales del siglo XX llegó para traernos sonidos del siglo XXI, donde no faltaron bangers como ‘Génesis’, ‘I keep walking’ y ‘Subterraneo’ de su “Energia Libre” (2011 – Urano Players), en medio de un gran repaso a “Cosmonáutica”, donde apenas faltaron dos o tres temas para hacerse el disco completo en un directo que comenzó con el primer track del disco, y terminó de la misma manera con ‘Círculos’.

Ahora si que si, Dj Kánzer subía a la palestra para el warm up al que estamos acostumbrados cuando viene un artista internacional de segunda línea, comenzando su sesión con un tema en honor a Sean Price, fallecido recientemente….

Tras un breve calentamiento, Tek & Steel entraron con ‘Timz n Hood Check’, corte con el que abría su LP debut y una de sus mejores obras, “Dah Shinin’”, del que se cumplen veinte años. A diferencia de anteriores shows de «los hermanos chocolate» esta vez vinieron sin Dj, acudiendo una vez más a los servicios de Dj Kanzer, como por desgracia estamos acostumbrados a ver, aunque por lo menos cuentan con un Dj con skills suficientes a diferencia de otros artistas que acuden a lanzapistas o a pincharse a ellos mismos. Siempre puede ir a peor. Tras un repaso a sus diferentes álbumes con el ‘Super Brooklyn’ sampleando a Mario Bros, el ‘I love you’ que grabaron con Mary J Blige o su himno ‘Bucktown’. Para la siguiente la colaboración de un b-boy y una b-girl, pero como ninguna mujer se ofreció a bailar break dance se acabó subiendo otro breaker mientras Dj Kanzer soltaba ritmos clásicos de baile. Tras el descanso, llegó otro para homenajear a los típicos artistas fallecidos: Big L, Big Pun, 2 Pac, Notorious, y ODB para terminar con Sean Price. Quizás una manera de poner a su amigo al nivel de las otras leyendas muertas en el olimpo musical.

Sceno McClane relevaba a Dj Kanzer para el show de Foyone: ritmos gordos, dobles tempos, y temas imprescindibles de su carrera como ‘Sermón del Dolar’ o alguno de sus ‘Rap sin Corte’ hacían levantar las manos de un público ya mermado por las horas acumuladas, aunque con ganas de más conciertos.

Apenas unos segundos de la salida de los malagueños empezaba a sonar la instrumental de ‘I murder U’ de Onyx, para que Dano y Elio Toffana saliesen acompañados de Kuma, Nethone y Cabal para marcarse este tema de “Golosinas” (2007), su primera mixtape como colectivo.

Tras un repaso por diferentes Black Ops, Dano se marcó su reciente inédito junto al ausente Emelvi, ‘Kefren’, y Elio Toffana por su parte desveló un tema inédito dedicado a los fumadores de marihuana y perteneciente a su próximo disco en solitario, que fue bien recibido por parte del público, atento en todo instante.

La noche iba llegando a su fin, y tanto Dj Kaplan como Elhombreviento ya tenían preparado su arsenal musical para dar entrada a Sule-B y Juancho Marqués. Un directo en el que las nostálgicas barras de los mc’s cuadraban a la perfección con la instrumentación real que aportó el Elhombreviento con su violín y teclados, y en el que pudimos ver también a Dj Kaplan escupirse unas barras.

Nuestro pasaje se marchaba, por lo que no pudimos ver el show de Mala Juntera ni cuánta gente pudo guardar energías para verles.

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Crónica AlRumbo Festival: Cypress Hill, Buraka Som Sistema, Lauryn Hill, Foreign Beggars… 16/07/2015 (Chipiona)

A mediados de Julio nos echamos a la espalda la tienda de campaña, los sacos, las esterillas, el protector solar factor 50 y todo lo necesario para vivir durante cuatro días la sexta edición de Alrumbo festival. Ha sido en su sexta edición cuando el evento se ha coronado como uno de los festivales referencia, con un extenso line up donde reunió artistas de renombre tanto nacionales como internacionales.

Día 1: El primer día de festival amanecía caluroso en Chipiona, y decenas de miles de personas no paraban de llegar al municipio gaditano, que tras acampar poblaban tanto los lugares de comida o duchas del festival como los bares y zonas comerciales lejanas al festival. Tras un pequeño retraso, pasadas las siete de la tarde daba comienzo definitivamente el festival, con las actuaciones de Rayden, La Trueke, o el local Juanito Makandé, conciertos que no por ello se vieron escasos de asistentes, mientras no paraba de entrar gente al recinto. Y llegó uno de los platos fuertes, Calle 13 volvía a Cádiz, de donde salieron por la puerta grande en la pasada edición, donde volvían a hacer bailar a miles de personas a ritmo de «Atrévete», «Tango del pecado», o «Latinoamérica», donde empezaron a caer unas diminutas gotas de lluvia mientras el estribillo sonaba («tu no puedes comprar la lluvia”), pero fueron cuatro gotas que apenas se evaporaron al caer al suelo.

11754859_1008584402526566_8584576788233674839_oDespués de actuaciones tan variadas como Los Chikos del Maiz, o Swan Fyahbwoy, los franceses Dub Inc sorprendieron a gran parte del público: una buena banda de que mezclaba reggae y hip hop sumado al buen hacer de los técnicos de sonido y luces hicieron vibrar a gran parte de un público que desconocía al grupo en cuestión. Pasadas las dos y media de la noche, el gentío andaluz y no tan andaluz acudían al escenario Cruzcampo para recibir a los esperados Narco. Manipulador rompiendo las baquetas ataviado con camiseta del betis, Vikingo y Distorsión Morales rompiendo el micrófono, el Abogado del diablo manejando samples y platos, y Diablero Díaz y Amnesico a las cuerdas. Grandes dosis de su característico rap-metal andaluz en un directo potente donde repasaron temas tanto de su Alita de Mosca (Maldito Records, 2010), su recién salido Dios te odia (La Balacera, 2014), y como no podía ser de otra forma, cerrando su concierto y el escenario Cruzcampo con su anthem La Puta policía perteneciente a su primer disco editado Satan vive (Bruto, 1997).

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Tras los sevillanos, El puchero del ortelano darían los últimos acordes con aires de  flamenco-rumba hasta el set de Dj Fresh, que llegó acompañado por Messy MC con un set que no terminó de enganchar con el público teniendo en cuenta la diferencia de la cultura musical de España y UK, pero que igualmente brindó un buen repertorio de drum and bass, jungle y electro, aunque por desgracia el tema más vitoreado de su set fuese el “Jump around”, this is Spain.. Tras el dúo ingles llegó Martin Van Sonderen para ofrecer un auténtico recital musical, el productor de Noisia se marcó un set que transformó el festival en una inmensa rave mientras el sol asomaba al ocaso.

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Día 2La segunda jornada estaba marcada por la actuación más potente y posiblemente la que más gente trajo desde cualquier punto geográfico, Lauryn Hill volvía a actuar  en España tras haber pasado el año anterior por el Rototom. Tras las actuaciones de Chambao, Rapsusklei & The Flow Fanatics, Canteca de Macao, o Eskorzo, apareció el Dj de Lauryn para calentar el ambiente con un warm up correcto. Mucho reggae, Bob Marley, las estrofas de Lauryn en “If i rule the world” y otros hits que durante media hora bailaba la gente que esperaba a la cantante de New Jersey mientras llegaban los últimos rezagados. Y tras la breve espera llegó Mss Lauryn Hill abriendo el concierto con “Peace of mind”. Cabe destacar que Lauryn Hill pese a ser una artista que solo ha publicado dos discos (uno de ellos un Unplugged de versiones acústicas), tras su vuelta a los escenarios hace pocos años, en lugar de optar por “vivir de las rentas” ha reversionado todas sus canciones, cambiado tanto el ritmo como las tonalidades, y ha vuelto a crear lo que podría ser un segundo Unplugged con canciones que para muchos siguen siendo tan buenas como el primer día. Aunque esto también signifique que gran parte del público no sepa qué canción está escuchando, como pudo pasar con «Ex-Factor».

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 Lamentablemente durante los últimos minutos del show, la gran cantidad de gente que acudía a ver a SFDK y se encontraba aún con Mss Hill sobre el escenario no abogó por respetar la actuación de la cantante, y se pudieron escuchar algunos silbidos, aunque esto solo se pudo notar en la margen derecha del público que se agolpaba frente al escenario colindante. Finalmente terminó el show de la ex-Fugees, y en unos segundos Acción Sanchez soltaba el primer beat del show de SFDK, que agolpaba miles de seguidores mientras en el escenario Cruzcampo se congregaba un público de mayor edad para no parar de botar junto a Def con dos.

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 Pasadas las dos de la noche llegaba el único momento en todo el festival donde hubiesemos deseado dividirnos en dos comenzaba Asian dub foundation, un clásico en macrofestivales y en hacer un show enérgico donde además presentaban su recién publicado disco More signal more noise (ADF Communications, 2015). Y Foreign Beggars a los veinte minutos cerrando el escenario Cruzcampo, donde demostraron que siguen teniendo uno de los mejores directos hasta la fecha a la hora de mezclar rap & bass music. Como de costumbre, DJ Nonames, Metropolis y Orfice Vulgatron entraron con ritmos electrónicos rozando los 96bpm aunque no tardaron en lanzar sus bombas sobre ritmos de drum and bass, dubstep, trap o grime. Fiesta constante siempre en ascendente que hicieron volar bastantes litros de cerveza por los aires por la euforia. Pasadas las cuatro de la noche, Pitchin y Charly comnzaban su dj set desde Paris para hacer bailar a más de cuarenta y cinco mil personas con su mezcla perfecta de drum and bass, dubstep, electro y trap. Para sorpresa de muchos, el mejor dj set que pudimos ver en las cuatro jornadas de Alrumbo, tanto para los conocedores de su música como para los que desconocían de la existencia de este combo de djs que se marcaron una sesión sobresaliente, y es que Dirtyphonics se quedarán en la retina de muchos de los asistentes. 

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Tras el show de los franceses llegó otro de los pesos pesados del festival, Steve Aoki, con el que muchos abandonaban las instalaciones mientras otros acudían a quemar la última hora del Viernes. El productor de Miami fue pinchando sus últimas referencias, donde remezcla clásicos de los ochenta y los noventa en versión EDM, y como no podía ser de otra manera, tirando unas cuantas típicas tartas de merengue blanco a las primeras filas. Así terminaba la penúltima jornada de conciertos un Viernes caluroso en Chipiona.

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Día 3: Durante la última jornada se notaba en el ambiente que el cansancio había hecho mella, y los conciertos ya no se llenaban con la misma facilidad. Con tantos miles de personas deambulando por todos lados, era fácil encontrar gente tanto en el puesto de la cruz roja como aprovechando cualquier pequeña sombra en busca de descanso. Y es que en Julio en Cádiz por la noche se está muy bien, pero el sol calienta demasiado, aunque igualmente la gente no paraba de acudir a los conciertos de grupos como Los mártires del compás, Caravan Palace o Nach, aunque el plato fuerte de la noche, que causó tapónes de quince minutos a la entrada del recinto fueron Cypress Hill. Como de costumbre, Sean Dog, B-Real, Eric Bobo a las congas y Julio-G en los technics se marcaron un buen repertorio repasando toda su discografía con una buena selección de temas más que apta para festivales de gran afluencia. Clásicos como «Tequila sunrise» o «Boom biddy bye bye» que nunca viene mal escuchar en directo. Gentleman siguió a los californianos, con su reggae y dancehall que costaba enganchar tras los conciertos anteriores, pero que igualmente se marcó un repertorio correcto aunque el publico pareciese estar a la espera de grupos más animados como Tokyo Ska Paradise, un show de calidad asegurada.

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Versiones de temas de jazz y rock en clave de ska, donde es difícil no bailar durante los sesenta minutos de show que ofrecieron en Chipiona antes de una de las mejores actuaciones de la noche, la de los portugueses Buraka Som Sistema. El máximo exponente internacional de kuduro (género musical procedente de Angola, que mezcla afrobeat, ragga, semba y kizomba) dieron un show de diez, un cierre perfecto para este tipo de festival, donde los graves las instrumentales de Dj Riot se fusionan con las baterías en directo de Conductor, mientras Blaya no para de bailar y cantar sus temas junto a Kalaf. Mucho ha llovido desde su sonado álbum debut “Buraka to the world” y su actuación en el festival Cultura Urbana de 2010, donde muchos pudimos ver su directo por primera vez, y es que tras cinco años su sonido no para de evolucionar siguiendo en una misma línea musical en torno al mencionado kuduro.

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Y con los estatales Gomad & Monster mezclando electrónica y EDM con guitarras, baterías y máscaras, nos despedimos del festival tras cuatro jornadas donde la música no paró de sonar. En definitiva, ha nacido un macrofestival en España, que tras graves problemas de organización en ediciones anteriores han ofrecido un evento de calidad, con unos precios muy asequibles en sus barras para lo que estamos acostumbrados a ver. Y aunque el lado negativo del festival hayan sido la cantidad de kilómetros que había que caminar entre el parking, el pueblo, el camping y los conciertos, la música siempre se escuchó bien, nunca estridente, y con buenos graves en el escenario principal, aunque tanto volumen eclipsó en varias ocasiones al escenario Cruzcampo. En definitiva, un buen festival, aunque en pleno verano en Cádiz, con todo lo que conlleva. Mucha gente no volverá a pisar esas tierras, aunque otra estaría dispuesta a repetir, esperemos que el año que viene el cartel pueda estar a la altura y podamos volver a ver tantos artistas internacionales con un mismo sentido (a excepción de Steve Aoki).

Diggin in Teddy’s Crates

Hace cinco años que nos dejó Theodore DeReese, mundialmente conocido como Teddy Pendergrass. Para acompañar el repaso que le hicimos a su carrera y a la cantidad de samples que indirectamente sirvieron como fuente de inspiración para multitud de beatmakers, Viruten y Hardy Jay han realizado Diggin in Tedd’s Crates, una mixtape donde podemos reconocer las muestras sobre las que han grabado Mobb Deep, Krs-One, Big Daddy Kane, Cormega…

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Portada por Vero Díaz

Teddy Pendergrass – And if i had
Mobb Deep – Cradle to the grave
Teddy Pendergrass – Come go with me
Mad Lion con KRS-One, Brenda & K.-Starr
Teddy Pendergrass – I can’t live without your love
Tragedy Khadafi – Crying on the Inside
Teddy Pendergrass – Close the door
Big Daddy Kane – In the Pj’s
Teddy Pendergrass – Ease, easy, got top take it easy.
Little Brother – Not enought
Teddy Pendergrass – It don’t hurt now
The Gift of Gab – Ride on
Teddy Pendergrass – Life is a song worth singing
Jon Connor – Epic
Teddy Pendergrass – Love T.K.O.
Cormega – Stay up
Teddy Pendergrass- Only to you
Legacy con Big Pooh – Styles
Teddy Pendergrass – This gift of life
Cesar Comanche – Drought of 2002

Puedes descargar la mixtape aquí o escucharla online a través de nuestro mixcloud.

H – TOWN Mixtape

final

Diseño por Daniel Fuente

Tras los artículos que hemos dedicado en CryptaMag a una escena tan propia como la de Houston, creemos que ya va siendo hora de que os adentréis en South Park, 5th Ward y demás barrios de la capital tejana en el mejor vehículo posible, y no, no hablamos de Cadillacs, si no de música.

Con esta mixtape queremos acercaros una serie de cortes esenciales para entender todo el ecosistema que conforma la escena de Texas, haciendo hincapié en los artistas y las temáticas más representativas de capital y sus alrededores. De Geto Boys a UGK, de Big Hawk a Paul Wall, de los S.L.A.B.S. (fíchate nuestro artículo S.L.A.B.S.: Cromo y Madera para los Cimientos de una Escena’) a la Purple Drunk, del Southside al Northside, todo tiene cabida en los dieciocho tracks que componen sesenta y cuatro minutos de uno de los sonidos más únicos del rap estadounidense. Esperamos que disfrutéis escuchándola tanto como nosotros creándola. Selección y mezcla por Stryfe & Hardy Jay.

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TRACKLIST

 

Lil’ Troy – Wanna Be A Baller (con Big TFat PatYungstar) (prod. Grim Reaper)
Fat Pat – Tops Drop (prod. J Slash)
Big Mello – Funkwichamind (prod. Crazy C)
Geto Boys – Mind Playing Tricks On Me (prod. Scarface)
Guerrilla Maab – What Will It Take (prod. Rakesh)
Z-RO – Mo City Don Freestyle (prod. Z-RO)
Big Mike – Havin Thangs (con Pimp C) (prod. Pimp C)
DJ Screw – Pimp Tha Pen (con Lil Keke) (prod. Dj Screw)
Bushwick Bill – Ever So Clear (prod. James Smith & John Bido)
Pimp C – Knockin Doorz Down (con Pop & Lil Keke) (prod. Myke Diesel)
Scarface – Now I Feel Ya (prod. James Smith & John Bido)
H.A.W.K. – Heart Of A Hustler (con D.E.A.Fat PatKay-KLil KekeMike D) (prod. Sean Solo)
Lil Keke – Southside (prod. Double D)
Slim Thug – I Aint Heard Of That (Remix) (con Bun B & Pharrell) (prod. The Neptunes)
Slim Thug – Caddy Music (con Devin The Dude, Dre Day & Tanya Herron) (prod. Mr Lee)
UGK – Diamonds & Wood (prod. Pimp C)
Paul Wall & Chamillionaire – N Luv Wit My Money (prod. Mr Lee)
Willie D – Guess My Religion (prod. Willie D)

CryptaMag – Cuts of Yesterday IV (2014)

Coy cover buena


Diseño por David Vallejo

El verano se acerca sigilosamente, y con tantas horas de luz es normal que pasemos muchas más horas fuera que dentro de casa, razón de más por la que hace dos años decidimos crear esta serie de mixtapes en busca de renovar nuestras bibliotecas musicales con los mejores cortes del presente más inmediato. En esta ocasión paseamos por los discos tanto de clásicos que siguen en activo como Cage, Hieroglyphics, Prodigy & Alchemist, o U-God, como aquellos que se están convirtiendo en habituales: Joey Badass, Pusha T, Big K.R.I.T,  o Jesse Boykins III. No damos de lado a artistas que manejan otros géneros no tan habituales pero siempre presentes, como Mr Oizo, Hucci, Zomboy, Makoto, o Nils Landgren Funk Unit.

Una vez más repasamos lo que ha venido sonando en nuestros reproductores durante los últimos meses y conseguimos juntarlo en poco menos de ochenta minutos (duración perfecta para grabar en un CD para aquellos conductores que siguen utilizando el formato compact disc en sus loros) a base de un total de treinta y tres cortes y un bonus track.

Disfruta del inminente comienzo del verano haciendo un repaso general por nuestros reproductores, pica el play (o descargatela) y disfruta.

coy4back
 
Puedes descargarla en:

 
 

TRACKLIST
Joey Bada$$ – Word Is Bond (prod. By Statik Selektah)
Busta Rhymes & Q-Tip – The Abstract & The Dragon
Kyle Rapps – Back Atchu (prod. Belief)
Nils Landgren Funk Unit – My Main Thang
Danny Brown – Side a (Old) (prod. Paul White)
Mr OIZO – Unicat
P.O.S feat Sims, Lizzo, Cliff Rhymes, Chris Hooks, Jeremy – They Can’t Come feat. Nutzman & Greg Grease (prod. Boys Noize & Housemeister)
The Soul Rebels – I Made It/Turn It Up (Jimi Needles Remix)
Makoto – Think Twice (Original 12″ Mix)
10 Jesse Boykins III – How Deep Is Your Love (prod. Big Mono)
Dawn Of Midi – Dysnomia
Pusha T – King Push (prod. Kanye West & Sebastian Sartor)
A$AP Ferg – Lord (con Bone Thugs-N-Harmony) (prod. Crystal Caines)
I.ACE – Ocho
Thundercat – Without You
Hucci – End of the Story
Freddie Gibbs – 9mm (con G.I. Fleezy & G-Wiz) (prod. Fire & Ice)
Kill The Noise – Jump Ya Body (con Mercedes) (Exmag Remix)
Kai Wachi – In My Blood (con Uffy Lane Snyder) (Original Mix) (prod. Kai Wachi)
Cage – My Dog Is Dead (prod. Dj Mighty Mi)
Virus Syndicate – Knock it Back (con Teddy Killerz)
Prodigy x Alchemist – Death Sentence (con Roc Marciano) (prod. Alchemist)
Big K.R.I.T. – Cake (con UGK) (prod. Big K.R.I.T.)
Zomboy – Here to Stay (con Lady Chann) (Buku Remix)
Bun B – On One (con Gator Main & Devin the Dude) (prod. Big E)
Flying Lotus – Ideas (con Mapei) (prod. FlyLo & Dj Mehdi)
Sersoul & Edac Selectah – Selectores (prod. Sersoul)
Termanology – 100 More Jewelz (prod. Shortfyuz)
Ab – All This Love (con Phonte) (prod. Black Milk)
Hieroglyphics – That Merch (prod. Unjust)
John 3:14 – Sand in my Hands
Damu The Fudgemunk – They Who Flock
U-God – Jackpot (con Jackpot & Method Man) (prod. Steve Reaves)
BONUS TRACK.