Author Archives: Dasar

About Dasar

Uno más de los nacidos del delay infinito que dejó el alma de la Congo Square

Larry June, el hustler de la vida saludable y el positivismo

Undefeated Summer 2020 – Drop 2 Editorial

Imagina que estás dando una vuelta por el barrio en un día soleado, oyes a tu espalda unos sintes funk con una batería de TR-808, giras el cuello y ves un McLaren por cuya ventanilla asoma un tipo con gafas de montura fina, una sonrisa de oreja a oreja y un gran zumo de naranja en su mano que te saluda con un rítmico ‘Ay Ay Ay‘. Esa especie de healthy hustler es Larry June, un mc de la Bay Area que rapea sobre comida saludable, mantener la mente equilibrada, ser independiente económicamente, detalles de citas con mujeres y coleccionar deportivos raros. Una reversión orgánica del hustler de Frisco que a través del positivismo de sus letras, sus ad-libs herencia del funk de Bootsy Collins, Jimmy Castor o el humor televisivo afroamericano, y su cadencia más cercana al spokenword que al rap, se ha situado como un mc con una personalidad propia en la escena.

No le verás en las galas y los medios porque no es su parte del juego, pero con su prolífica carrera Larry June ha conseguido hacer la fanbase suficiente para abandonar Warner y tomar el control de su negocio. Para ello ha consolidado la plataforma The Freeminded que, de ser un grupo de amigos que le hacía de mecenas, se han convertido en un grupo de creativos profesionales que trabaja en la carrera de Larry. The Freeminded, un estado mental de libertad que él define como estar estable física, mental y económicamente, no tener miedo a nada gracias a ese equilibrio y poder emplear el tiempo en su hijo, su negocio de zumos de naranja, girar, facturar, y conseguir nuevos deportivos. Como él diría en uno de sus ad-blis más famosos, God Job Larry!. Un ad-lib automotivator que nace, según él, de la necesidad de escuchar que lo estás haciendo bien, porque puede que en tu entorno nadie te lo diga.

Si no sabes de quién hablamos, pulsa play en la mixtape de 36 cortes seleccionados y mezclados por HardeeJay y sigue leyendo porque los smoothies, Rólex, y Mustangs, son el reflejo de la historia de superación de un joven de Hunter’s Point.

Naranjas y Deportivos

Lo primero que te llama la atención de Larry June es su cadencia cercana al spokenword y al storytelling de la Bay Area, y después esa mezcla visual y lírica cargada de naranjas y deportivos. Éstos están presentes en prácticamente todas sus covers y clips desde 2018, justo la época en que abandonó Warner para centrarse en su proyecto. Bimas, Corvettes, Mustangs y McLarens que dejan lejos aquella época de Larry de la que hablaremos más tarde, en la que un Pryus era su casa y estaba arruinado con un hijo de dos años. 

Mr. Midnight (2019)
Orange Print (2021)

Cierto es que ya tenemos costumbre a que los raperos presuman de deportivos, pero es bastante más simpático cuando sus maleteros están llenos de naranjas como en la cover de “Out the Trunk”. La fruta de la vitamina C es su favorita por excelencia, tal es así que tiene su propio zumo de naranja llamada Uncle Larrys (aunque en esto de los zumos los OG’s son Styles P y Jadakiss con su Juices For Life) o el color de dicho cítrico está presente en todo el merchandising que saca por su cuenta o en colaboración con otras plataformas. Sirvan de ejemplo su modelo de zapatillas EVO con la marca Lalai, o su tirada de ropa con TrasherMag.

Las vitaminas y la fructosa son fundamentales para tener energía para hacer billetes, pero Larry no sólo se queda ahí, y entre sus relatos de deportivos y mujeres también introduce mensajes de veganismo y consumo de alimentos orgánicos y ecológicos como muestran sus referencias a cadenas de alimentos saludables como Whole Foods y Trader Joe’s. Eso sí, de vez en cuando puedes intoxicarte, ya que en tu dieta de espinacas y semillas de chia puedes introducir vino, ron, y por supuesto, marihuana. Mucha marihuana, contando con uno especial para grabar los ad-libs (según declaró en una entrevista). Una fórmula que combinada con unos garbeos en bici por el barrio te facilitan tener una buena actitud ante la vida y tus negocios, al que recientemente ha sumado también su marca de ropa Midnight Organic Brand.

Very Peaceful (2018)
Out of the Trunk (2019)

Hasta aquí todo parece un manual de coaching para ser un healthy pimp, pero detrás de la sonrisa de anuncio de Larry June y su positivismo hay una historia (más) de redención a través del rap. Para ello es importante conocer algo más de Hunter’s Point, proyecto de San Francisco en el crió Larry. En este artículo te hacemos un breve contexto, pero si quieres saber más de cómo se las gastaban en Hunter’s Point en los ‘90 te recomendamos que leas nuestro anterior artículo ‘Black C de RBL Posse y Herm Lewis, talento y supervivencia en Hunter’s Point‘. Tanto al mc y entrepeneur de RBL Posse como al preacher y activista social Herm Lewis, les habrás podido escuchar en los trabajos de Larry June.

Criado en Hunter’s Point y Atlanta

Su madre le tuvo con 15 años de edad, en el ’91 como referencia en su corte Smoothies 91, y empezó a criarle en este proyecto de San Francisco en cuyo presupuesto se contemplaba la construcción de los edificios, pero no el mantenimiento. Pronto Hunter’s Point se convirtió en caldo de cultivo de bandas, tráfico de drogas y vagabundos, por lo que su madre decidió alejarle de ese entorno y cuando Larry tenía cuatro años se mudan a Riverside en Atlanta.

A pesar de vivir en Atlanta con su madre, Larry seguiría visitando Hunters Point para ver a su padre, quién como curiosidad era dueño de un sello independiente de rap llamado The Road Records del que no queda mucha información. La suficiente para saber que Larry pasaba mucho tiempo en el estudio, así que su padre le regaló un teclado y acabó haciendo beats. En Atlanta se picó con su compañero de instituto, nuestro viejo conocido OG Maco (fíchate La Cata o la entrevista que le hicimos), y con 15 años Larry graba su primera mixtape Same Book Different Page bajo el alias Young Jun3 que, como buen viejo enrollado, lanzó su padre a través de The Road Recrods.

Larry tuvo acceso a la música desde muy joven, pero nunca se lo tomó como una profesión y empleaba su tiempo en mantenerse al filo de la espiral de Hunter’s Point. Allí aprendió a ser un hustler, como él se define, y conseguir dinero a través del tráfico de drogas y el robo, eso sí, siempre alejado de las bandas pues reconoce que nunca ha sido partidario de la violencia que ya había acabado con muchos jóvenes de su barrio. 

Sobrevivir le permitió conocer a Black C ya totalmente centrado en su faceta como mecenas de artistas de Hunter’s Point, y le introduce en colaboraciones con artistas con más renombre como E-40, en cuyo corte ‘My Money Straight’ de 2011, más flaco y con menos tatuajes, Larry pone estribillo todavía manteniendo su viejo alias. A pesar del traje y el medallón que luce en el vídeo, la realidad de Larry en esa época era bastante complicada. Estaba arruinado, vivía en su Pryus, y tenía la responsabilidad de mantener a su hijo de dos años. Es entonces cuando decide dejar su vieja vida atrás, enterrar el alias Young Jun3, y focalizarse en su carrera como artista.

I shed tears in the trap / Lost a lot of close homies I can never get back
I been stressing like a motherfucker (shit) / How the fuck I’m gon’ rap and be a full-time dad?

Numbers

Hacer Números, otro de sus ad-libs más famosos y que también ha dado nombre a uno de sus últimas referencias. Imagino que eliminar la delincuencia de su vida y buscar un trabajo menos conflictivo fue su respuesta a los versos anteriores, God Job Larry!. Con veinte años y el Pryus como hogar se inscribió como conductor de Lyft (empresa de VTC) y empezó a conseguir dinero de forma rápida para grabar mixtapes. El lanzamiento en 2014 del EP ROUTE 80 en colaboración con TM88 y siete mixtapes en 2015 fueron parte de los frutos, y a pesar de no tener ninguna difusión en los medios hizo el suficiente ruido para colaborar y girar en discos de Post Malone o Cousin Stizz.

Fue entonces cuando Larry descubrió el activo movimiento que había en Twitter y en la blogosfera de rap en Estados Unidos, focalizando ahí su difusión en vez de en los medios convencionales. Llamó la atención de Quin Colemann aka Trillectro, quién trabajaba de A&R en Warner Music y le consiguió un contrato y la publicación de su primera mixtape por una multi. En septiembre de 2015 sale “#GoodJobLarry” con otro de sus famosos ad-libs repetido en la portada YEEHEE y The Freeminded colaborando en el lanzamiento, cuando todavía eran un grupo de amigos que apostaba por la carrera de su fella. Otro detalle es que la mixtape ya incluía beats de K.FISHA y DVME, dos de los productores que han formado parte del elenco musical en el que Larry suele poner toda su confianza.

Su paso por Warner dejó seis trabajos entre 2015 y 2017, entre ellos el EP “Orange Seasson” con Cookin’ Soul publicado junto a un videojuego con estética 8-Bits, y recientemente reeditado en su edición Deluxe. Hablando de productores nacionales, de aquella época también es el corte Mobbin’ producido por Steve Lean y Kid Naztee.

Estar en una multi le sirvió para trabajar con numerosos productores, y afianzar lazos con aquellos que más encajaban con el sonido bass y cálido que hoy caracteriza su música: Sledgren, Cardo o Harry Fraud con los que posteriormente editó trabajos conjuntos, o el joven Julian G. Avila. Sin embargo, más allá de la música y la promoción, ver desde dentro cómo funcionaba Warner sirvió a Larry June para conocer los tejemanejes de la industria y caer en la cuenta de que teniendo cierto nivel de fanbase puedes conseguir que todo el dinero vaya para ti, Numbers!. Era tiempo de que The Freeminded fuera la plataforma exclusiva por la que lanzar su trabajo y repartir esos billetes entre la crew.

Bought a north face jacket and my son some shoes / Ride my bike in the morning I never watch the news
I gotta stay focused, I got so much to do/ No management. No label too

The Freeminded. Positivismo

La estrategia no le ha ido mal a Larry June pues se ha comprado unos cuántos deportivos desde que tomó el control total de sus números con la publicación, ya sin Warner, de “Sock It To Me, Pt II” en colaboración con el productor Sledgren. Desde 2018 a 2021 ha publicado 16 trabajos en los que ha consolidado su discurso y sonido lumínico y colorido como la fruta. No obstante no siempre fue así de brillante, y es en esta primera etapa de su trayectoria de independencia cuando en la música de Larry coletean las últimas reminiscencias a las vivencias de su juventud y todavía tienen una presencia importante los beats tensos y asfixiantes. Si hubiera que establecer un punto, con la única utilidad de que te sea de ayuda a la hora de buscar los vibes oscuros de Larry si te estás animando a investigar en su carrera, encontrarás su versión más dura en todo lo anterior a “You’re Doing Good” (2018, Warner Music).

Desde entonces, aproximadamente en 2019, su música suena a días de 20 horas de sol y 4 de luna repletos de smoothies, hierba, vuelos para shows, tiempo con su hijo, ligar, y hacer recados para el negocio en bici o descapotable. Atrás quedan los recuerdos de amigos muertos, robos, drive-bys y exclusión social, presentes de forma muy puntual en el global de sus últimas letras. Coincidencia o no, es en esta etapa cuando empieza a aparecer Herm Lewis haciendo speeches en los trabajos de Larry June, con la misma esencia que los que hacía para RBL pero un lenguaje actualizado. Hay que seguir “Trying to Survive in the Ghetto” como decían las mixtapes de Herm, pero el mercado ha cambiado. Puro empoderamiento y positivismo en clave de spokenword como en From Uncle Herm que introduce el deportivo y su maletero lleno de naranjas de “Out Of the Trunk”.

When I inspire youngsters to avoid that bullshit
Separate yourself form negativity
To remain successful in the music industry
Study to occupy your mind
Eat healthy all the time
Oranges, exercise
Meditation, weed, cannabis medication is the motivation
Difficult circumstances challenge us to be strong and realize
What’s required to go from here to there
From the bottom to the top

Groovy!

El ad-lib que mejor puede definir su sonido actual. Larry June es tu hombre si estás estás sepultado en doots y SKRR’s y buscas nuevos ad-libs frescos, aunque hace poco salieron varias fotos que presagian colaboración entre Larry y WestSide Gunn (el tema probablemente se llame Ad-lib Empire y la cover, firmada por la hija de WSG, tendrá mazo de ad-libs en naranja garabateados en un folio). Larry también es tu hombre si quieres brillantes sintes y samples de soul y funk de los ’70 que armonicen con los rayos del Sol. Si buscas historias del día a día, motivación para focalizar en sacar tajo adelante y ganar dinero, o descubrir de vez en cuando alguna receta nueva para tu batidora. 

No parece que vaya a serlo si buscas liricista con figuras enrevesadas o el álbum transgresor del año con una ristra de músicos, aunque ahora está incorporando a Jake One a su elenco de productores y eso siempre es garantía de música de alta confección. No obstante, tampoco parece que ese hueco en la historia del género esté entre los objetivos de Larry June. Su enfoque es una suerte de ciclo en formato sitcom, renovando cada pocos meses con nuevas y simpáticas anécdotas de sus garbeos y buenas recomendaciones para el cuerpo, la mente y el espíritu. Como dijo a TrasherMag, en este nivel la música para él es terapéutica, no tiene que ver con la ambición artística o creativa. A pesar de ello, yo no me pierdo ninguna de sus entregas.

Texto por Dasar

Black C de RBL Posse y Herm Lewis, talento y supervivencia en Hunter’s Point

Nuestra última mixtape “Check the Air Quality” es una introducción musical al rapper de San Francisco Larry June, pero antes de contar la historia de este healthy pimp amante de los ad-libs es necesario hablar del Hunter’s Point de los ’90, el proyecto de SFC en el que se crio Larry. Para ello vamos a repasar la vida de dos figuras del proyecto que han apadrinado la carrera de Larry June e influenciado su visión de negocio: Black C, mc, productor y CEO del grupo RBL Posse, y el preacher y activista Herm Lewis.

RBL Posse, grupo formado por Black C, Mr. Cee y Hitman, y Herm, especialmente a través de su sello Black Power Productions, tuvieron cierta trascendencia en la escena de los noventa y principios de los 2000 de la Bay Area y no solo por su música, también por su actitud crítica ante las bandas y el crimen. Tanto Black C como Herm  trataron de reconducir la vida de los jóvenes callejeros talentosos de los proyectos hacia la música, y a pesar de ello la carrera musical de RBL Posse como grupo acabó tras los asesinatos por arma de fuego de Mr. Cee y Hitman en el ’96 y 2003 respectivamente. 

Esos asesinatos marcaron la vida de Black C y Herm Lewis, que han perpetuado una filosofía anti violencia a través del mecenazgo de artistas de los proyectos de San Francisco hasta el día de hoy. Una actitud que ha dejado huella en artistas de la Bay Area que, como Larry June, buscan huir de los clichés de la delincuencia y lanzar un mensaje positivo a la audiencia, y que sobre todo plantean su carrera desde una actitud empresarial de autogestión. Al fin y al cabo una de las cosas de las que se podía aprender en Hunter’s Point, era de negocios.

Hunter’s Point

A mediados del sXIX por su ubicación geográfica bastante alejada de San Francisco, antes incluso de ser un proyecto de viviendas, Hunter’s Point era una zona marginal tal y como retrató James Baldwin en su documental «Take This Hammer» publicado en 1963. Las condiciones y el nivel de vida de sus ciudadanos no hizo más que agravarse en los ‘70 y los ‘80 tras la desindustrialización y el cierre de las empresas de construcción naval que daban de comer a la mayoría de la población.

La respuesta del Gobierno fue construir el proyecto, sin embargo levantar unas casas no es suficiente para que una comunidad tenga unas opciones reales de integración social si desatiendes otras cuestiones básicas estructurales como el mantenimiento de las casas, la creación de empleo, o un transporte público que te permita participar en la vida económica y cultural del centro. Por ello los edificios de Hunter’s Point fueron abandonados paulatinamente y pronto la zona se convirtió en un hervidero de camellos, ladrones, yonkys y bandas. Un gueto del que no se puede salir y sobretodo al que nadie quiere entrar, que es una cuestión muy presente en las letras de RBL Posse.

Hunter’s Point, 1957

Nace Ruthless By Law Posse

Encerrado en una casa del proyecto allá por el ‘90, un joven Black C estudiaba cómo funcionaba su EMU SP-12 alejado de los conflictos de las calles que ya le habían hecho perder amigos, y posteriormente un ojo como mostraría la cover del tercer disco del grupo “An Eye For An Eye” publicado en 1997 (Big Beat & In-A-Minute Records). En una de esas rutinas de aprendizaje coge una muestra de Marvin Gaye, la sube el pitch, y le cuadra un loop de batería. Una experiencia por la que han pasado prácticamente todos los beatmakers del planeta, y que en este caso supuso un #16 en los Hot Rap Songs de Billboard. El corte fue ‘Don’t Give No Bammer’, que dio lugar a RBL Posse en 1991 (año en que nació Larry June), fue el primer single del grupo, y también la canción que cambió la vida de Black C y que, dicho sea de paso, podría haber cambiado la de sus compañeros Mr. Cee y Hitman si no hubieran sido asesinados.

Mr. Cee & Black C

El buen rollo que transmitía el resultado del beat (y probablemente el hecho de estar fumando un lerele) inspiró en Black C el estribillo ‘Don’t give no bammer joint / we don’t smoke that shit in Hunter’s Point’. El tema sería una celebración a la buena calidad de la hierba que se fumaba en el proyecto, guardada exclusivamente para la gente de allí y no para vender a los turistas del downtown. Algo positivo había que encontrar en vivir en un gueto…

A Black C le hacía falta otro mc para completar el tema y contactó con su amigo T-Lowe, quién a pesar de rechazar la propuesta por estar inmerso en sus proyectos, le presentó al hermano pequeño de su novia, un chaval que se pasaba el día haciendo freestyle y se hacía llamar Mr. Cee. La conexión entre ambos fue inmediata y el tema cogió forma con un pequeño cambio en el estribillo, representativo de la filosofía del grupo y lo que querían proyectar a los barrios.

La forma final del estribillo sería ‘Don’t give no bammer weed / we don’t smoke that shit in the SFC’ en referencia a Sucka Free City, alias de San Francisco que también serviría en 2004 a Spike Lee como nombre de un película. En aquel momento había mucho enfrentamiento entre las bandas de Hunter’s Point y Fillmore, y RBL Posse decidieron no contribuir al barrionalismo e integrar a toda la ciudad en su primer hit.

El corte era pegadizo y les abrió las puertas al sello independiente de Oakland In-A-Minute Records fundado por Jason Braine, quién tendrá un rol polémico en la historia del grupo por mal pagador. El inesperado éxito de ‘Don’t Give Me No Bammer’ consiguió colocar su álbum debut A Lesson To Be Learned en el puesto #60 de la lista Billboard. Sus historias festivas de barrio, pobreza, sexo y drogas sobre beats cargados de groove hechos con la citada SP-12 y una SP-1200 por las que pasaban muestras de soul y funk setentero de Rufus & Chakan, Steve Miller Band, o Funkadelic, calaron en los jóvenes de Hunter’s Point y cruzaron los límites de San Francisco.

Black C y Mr. Cee ponían Sucka Free City en el mapa con un shout-out de Black C a numerosos artistas de la ciudad en el outro, y un potente discurso de Herm Lewis que servía de intro criticando, entre otras cosas, la violencia institucional hacia los afroamericanos que luego estos replicaban en las calles del barrio. Un contrapunto al lifestyle de las letras del Black C y Mr. Cee que servía de llamamiento al empoderamiento y la unión.


To survive the difficulties of these ghetto circumstances
We must motivate and respect each other
Because the system is causing considerable damage to the Black man
We need God for confidence, protection, and direction
The positive individual is accepted
And the negative individual is totally unaccepted
So come with that acceptable attitude, my brother
Living in this ghetto environment is a challenge every day
So we must organize to survive

Herm Lewis
Herm Lewis

Una de las personas que puedes ver en la cover de «A Lesson To Be Learned» es Douglas «Boobie» Stepney que, sin ser miembro de la Posse, colaboraba con ellos en labores de management, marketing y acciones de calle como la pegada de carteles. Tras el lanzamiento del disco su relación se rompió, y Boobie montó su propio sello Big Block Records, tomando el nombre de la banda criminal de Hunter’s Point que lideraba. Los rumores de beef y las acusaciones a Big Block de los asesinatos de Mr. Cee y Hitman coletean hoy día, y si te interesa el tema te dejamos en el final del artículo entrevistas recientes a Black C y Boobie, junto a otros artículos centrados en su carrera como gángster y su estancia en prisión. En una de esas entrevistas Boobie cuenta que algunas veces fue niñero de Hitman, quién se convertiría años después en el tercer miembro de RBL Posse.

Black C & Herm Lewis en Harbor Road, en la misma localización que se usó para la foto de la portada de «A Lesson To Be Learned»
RBL Posse con LL Cool J en el ’93/’94, Oakland
RBL Posse

Segundo álbum y vínculo con Hitman

La buena acogida de “A Lesson To Be Learned” motivó a RBL Posse a seguir haciendo música y empiezan a crear su segundo disco que llevaría el nombre de la posse: Ruthless By Law. Eso sí, tenían la motivación pero no la pasta pues como adelantábamos Jason Braine pagaba poco, mal y tarde. Black C estaba centrado en la música, pero los bolsillos vacíos de Mr. Cee todavía estaban hambrientos y en un rato de trapicheo por las calles de Hunter’s Point conoce a un chaval de 15 años que está empezando a rapear: Hitman. Hacen buena sintonía y Hitman comienza a frecuentar el estudio. Las sesiones de grabación se resumían en ambos haciendo freestyle continuamente mientras Black C construía ritmos investigando los sintetizadores que había adquirido. En esas sesiones toma forma su segundo disco con tres feats de Hitman que anticipan su posterior incorporación al grupo.

“Ruthless By Law” se publica en 1994, también por In-A-Minute Records y supone un cambio importante en el sonido de RBL, mucho más próximo a la identidad musical por la que se reconoce a la Bay Area hoy en día. Musicalmente ganan mucha presencia los sintetizadores y teclados en detrimento de los samples, aunque éstos se introducen de forma mucho más disimulada como el bajo de Can It All Be So Simple de Wu-Tang lanzado en reverse en el beat del corte antipolicía ‘Blue Bird’ (esto no lo saqué de oído, lo cuenta Black C en una entrevista). 

El discurso lírico del grupo se mantiene, calle, trapis, sexo y drogas, relegando el mensaje social al speech de Herm Lewis de nuevo. Como si la música del grupo fueran las imágenes de un documental del Hunter’s Point y Herm la voz en off que lo contextualiza.


Every Bay Area community have been affected by stupidity and gang violence
And we want to avoid this stupidity in the future
Brothers concentrate on what’s important, by any means necessary stack some G’s and be in it to win it
Young brothers establishing positive reputation avoid negativity and stupidity, have faith in God, continue to progress, be responsible for the direction of your life and appreciate knowledge and freedom

Herm Lewis

El disco pica en el #23 de Billboard y revaloriza su álbum debut alcanzando entre ambos, distribuidos de forma independiente, más de medio millón de ventas. Jason Braine seguía sin soltar la gallina, pero otros ingresos del grupo sirvieron a Black C para fundar su propio sello: Right Way Productions. Un nombre bastante representativo de su filosofía personal: si tienes talento musical, deja las calles y coge el camino correcto. En el sello promocionaría artistas de Hunter’s Point, y su primer lanzamiento oficial en 1995 es el álbum debut de Hitman Solo Creep grabado cuando éste tenía 16 años, que consiguió vender 70.000 copias.

Hunters Point & Fillmore • San Quinn, Black C, Toe Tagga, JT the Bigga Figga, Mr Cee y Hitman

Aunque el artículo trate de Ruthless By Law, los años ’95 y ’96 fueron especialmente prolíficos en la producción de discos en San Francisco con decenas de publicaciones de artistas de sus barrios. Otras plumas seguro que saben contar mejor esa historia, pero si en DiscoGs tiras del hilo RBL, Guce, JT The Bigga Figga o 11/5 echarás un buen rato bajo el sol de SFC. 

Esa proliferación de mc’s motivó a Herm Lewis a fundar la plataforma Black Power Productions, abanderada por los recopilatorios de la serie “Trying to Survive in the Ghetto” cuyo primer volumen buscaba relajar las tensiones entre Fillmore y Hunter’s Point uniendo a mc’s de ambos barrios. San Quinn, JT the Bigga Figga, Rappin’ 4 Tray representaban Fillmore, y Sugar Bear, Gangsta Rhyme Posse, T-Lowe o 11/5 hacían lo propio con Hunter’s Point. Entre medias de los temas Herm introducía sus speechs de temáticas afroconscientes para completar los 360º de la visión de la vida en los proyectos. 

La música de RBL Posse llega a Craig Kallman, hoy día nada menos que CEO de Atlantic Records, pero que entonces era un Dj de relativo prestigio propietario de un sello independiente, Big Beat, que había sido comprado por la histórica major y que ya había editado algunos clásico del rap como «Between a Rock and a Hard Place« de The Artifacts. Su misión era encontrar nuevos talentos de rap y dance, y no le fue mal ya que en su pechera cuelgan las medallas de contribuir a las carreras de Aaliyah o Timbaland. En 1995 Kallman ofrece a RBL Posse un contrato de un millón y medio de dólares para editar tres discos, e incluso una cláusula en la que si no se cumplía el contrato pagaban una penalización a RBL Posse. Teniendo en cuenta la falta de profesionalidad de Jason Braine, Black C y Mr. Cee no se lo piensan y aceptan la propuesta, pero en la espera de firmar el contrato definitivo asesinan a Mr. Cee en las calles de Hunter’s Point, el día de A´ño Nuevo de 1996.

Fichaje por Big Beat y Asesinato de Mr. Cee

Eran varias las visitas que Black C afirma haber hecho junto a Mr. Cee al despacho de Jason Blaine para reclamar su parte del pastel que estaba facturando In-A-Minute con la música de RBL. Jason siempre daba largas y por eso decíamos que su rol en el desenlace del grupo no estaba carente de polémica, pues Black C cree que Mr. Cee no hubiera seguido su carrera en la calle si hubiera tenido el dinero que le correspondía de la música. Una situación que resume perfectamente Black C en el corte Funkdafied del disco «Ruthless By Law»: ‘It seems I got no hope, I gotta slang dope / I’m tryin to do this rap thing and I’m still broke‘.

Puedes leer sobre esto y más detalles de la muerte de Mr. Cee en la entrevista a Black C en Passion Weiss que dejamos al final del artículo, pero básicamente la historia se resume en que el día de Año Nuevo del ’96, Mr. Cee recibe nueve disparos, que en teoría llevaban el nombre de Hitman, a dos cuadras de su casa. Tenía 22 años, y su muerte se sumaba a un historial reciente de asesinatos de mc’s en la Bay Area: The Mac, Maxacious, Plan B, o Charizma (mc que formó dúo junto al dueño de Stones Throw, Peanut Butter Wolf).

El día después del asesinato, Dj Sway dedicó a Mr. Cee su programa 10 O’Clock Bomb emitido en KMEL en una edición especial de la Bay Area, con Herm Lewis como invitado especial. El periodista Billy Jam le hizo una dedicatoria especial en No Joke, su magazine sobre la escena de La Bahía, y T-Lowe, reponsable de que Mr. Cee formara parte de RBL, también le rendiría tributo en el corte Momma Used To Say de su disco “Mack-A-Flama” publicado ese mismo 1996 por Herm Lewis en Black Power Productions

Mr. Cee

Dos meses después del asesinato de Mr. Cee, en febrero, Black C vuelve a sentarse a la mesa con Craig Kallman para estudiar la situación. Kallman mantiene la propuesta sobre la mesa para Black C y al verle como la única mente centrada en el negocio de la música, le sugiere que sólo él firme el contrato pero que siga adelante incluyendo en las grabaciones a Hitman como nuevo miembro de RBL Posse. Black C firma, pero la muerte de Mr. Cee había marcado la trayectoria del grupo.

Caída de RBL Posse

En 1997 ve la luz An Eye For An Eye sin ningún verso de Mr. Cee. El disco mantiene la personalidad del sonido de su antecesor con ciertos avances como una mayor presencia de talkbox, pero a pesar del salto de capacidad en la distribución con Big Beat y las colaboraciones de Mc Eiht y Mystikal apenas vende 80.000 copias (muy por debajo de lo esperado). Por otro lado, la muerte de Mr. Cee de alguna manera había marcado a Black C, quién deja los speechs conscientes a un lado y deja un recado en el disco para la banda de Boobie Stepney acusándoles del asesinato de Mr. Cee: ‘Revenge is a must. . . . Check this out, Big Block. . . . It’s an eye for an eye‘.

Ante el relativo fracaso comercial del disco, Black C decide centrarse totalmente en apoyar la escena de Hunter’s Point a través de Right Way Productions, entre ellos a Hitman a quién publicó su segundo álbum H20 Volumen 1 en el ’99, mientras Herm Lewis por su parte siguió utilizando Black Power Productions con la misma filosofía y metodología para trabajar la unión entre los barrios de San Francisco

No hay información sobre bajo qué condiciones se rompe la relación con Big Beat, pero el cuarto y último 2021 disco de RBL Posse,Hostile Takeover ya sale por Right Way Productions, tras cuatro años de inactividad del grupo.

Hitman, Black C, D Folks, Dre hype , Danny Sal’As, Aaron Frayer · Circa 1999 Fresno, California

Black C, Hitman, Free Big Lurch · 1997, foto de la grabacíon del clip “How We Comin” de «An eye For An Eye»

Asesinato de Hitman · Nuevas Generaciones

Dos años despues, en 2003, Hitman es asesinado con 24 años recibiendo un disparo en la cabeza mientras conducía por las calles de Hunter’s Point. Hitman parecía estar ligado a la banda WestMob cuya rivalidad con Big Block (la banda del ex RBL Bobbie Stepney) seguía latente, y esta guerra era solo una pequeña parte de lo que se cocía en el proyecto, cuya violencia reflejan los documentales “Straight Outta Hunter’s Point” 1 y 2 de Kevin Epps.

Tras el asesinato de Hitman, Black C decide dejar de publicar música con el grupo pero mantiene le nombre de la Posse para hostear los lanzamientos de su sello. Right Way Productions se ha mantenido publicando nuevo material anualmente destacando la presencia del dúo H2 Hardhead (formado por A.R. y Young Shaad). Su último lanzamiento hace unos meses ha sido «Black Caesar», el nuevo disco de Black C en el que obviamente está presente Larry June en el corte ‘What’s Hat’nin‘ producido por SikkBeatz.

Herm Lewis por su parte ha mantenido la actividad con Black Power Productions hasta 2006 aproximadamente, puedes ver más en el publi-reportaje que sacó del sello «Ghetto Spokesman« dirigido por Karl Gandy. Actualmente está más centrado en su labor como activista social y sus únicas apariciones musicales recientes han sido las colaboraciones introduciendo los últimos trabajos de Larry June en solitario, «Numbers« y «Orange Print« con sendos speechs al igual que hizo con RBL.

En estos discursos Herm mantiene su mensaje de empoderamiento, introduciendo la nueva variante de el emprendimiento artístico y la autogestión. Una filosofía que, como contaremos en nuestro siguiente artículo, ha seguido Larry June en su carrera y que ha proyectado a través de su sello y plataforma The Freeminded desde la que lanza su música pero también merchandising como zumos de naranja, ropa o balones de basket. 

Texto por Dasar

Larry June junto a Black C y parte de la RBL Posse en la presentación de «Orange Print» en San Francisco · 2021, Foto de GCLASS & NATE

Relacionados

Check The Air Quality (Larry June Mixtape)

Tenemos preparado un artículo sobre Larry June, el mc de los proyectos de Hunter’s Point en San Francisco que ha conseguido hacerse un hueco en el imaginario de la escena gracias a su distinguido estilo a medio paso entre el rap y el spokenword, sus pegadizos adlibs, y  referencias a zumos, comida sana y positivismo. Con el fin de introducir a aquellos/as que lo desconozcáis, os traemos esta mixtape en la que Hardee Jay mezcla 32 cortes escogidos de la extensa lista de trabajos y colaboraciones de Larry June.

TRACKLIST

01. RileyPnP ‘Just a Pastime (Remix)’ (con Larry June) (prod. Ric & Thadeus x Bruiser3100)
02. Monroe Flow ‘Convertible Options’ (con Larry June) (prod. Terence Murphy)
03. Berner x Larry June ‘OTW’ (prod. Cozmo Vidal Garcia)
04. Larry June ‘Summer Snow’ (con G Perico) (prod. Julian G Avila)
05. Cardo x Larry June x Payroll Giovanni x HBK ‘Stats’
06. LNDN DRGS ‘Always’ (con Larry June) (prod. Sean House)
07. Curreny x Harry Fraud ‘Vintage Haze’ (con Larry June)
08. Post Malone ‘Never Understand’ (con Larry June) (prod. Post Malone & FKi)
09. Dizzy Wright ‘Connect the Dots’ (con Larry June) (prod. Dj Hoppa)
10. Joey Fatts ‘Brand New AMG’ (con Larry June) (prod. MikeDExclusive)
11. Niko G4 ‘On Ice’ (con Larry June) (prod. Flywalker)
12. Caleborate ’33’ (con Larry June) (prod. Kyle Betty)
13. Larry June ‘Too Live Crew’ (con Chuck Inglish) (prod. Chuck Inglish)
14. Jay Worthy ‘Rainy Night in SF’ (con Larry June & The Alchemist) (prod. The Alchemist)
15. Premo Rice ‘Malaysia’ (con Larry June) (prod. Zaire Beats)
16. Ramirez ‘The Pager Beepin‘ (con Larry June) (prod. Yung Milkcrate)
17. Philthy Rich ‘Not Regular (Remix)’ (con Haiti Babii, Larry June, Derek King & Young T.O.)
18. Cookin Soul x Larry June ‘3rd Girl’
19. Anthony Danza ‘Big Body’ (con Larry June) (prod. Anthony Danza)
20. Aser Roth ‘Laundry (& Company Remix)’ (con Larry June & Michael Christmas) (prod. Chuck Inglish)
21. Larry June ‘Glock40’ (Mikos Da Gawd x Drew Banga  x DAGHE Remix)
22. Armani DePaul ‘Your Doing Good’ (con Larry June) (prod. Armani dePaul)
23. Croosh ‘Yeah’ (con Larry June) (Prod. Croosh)
24. Larry June ‘Dear, John’ (prod. K. Fisha)
25. P-Lo x ALLBLACK, Larry June ‘Clock In’ (prod. Drew Banga)
26. Premo Rice ‘Coast to Coast’ (con Larry June)
27. Larry June ‘Strippers & Chances’ (con Jay Worthy) (prod. Cardo)
28. Larry June ‘Orange Pineapple’ (prod. Julian G. Avila)
29. Larry June ‘Feels so Right’ (con Dej Loaf) (prod. Tarik Azzouz & STREETRUNNER)
30. Larry June x Harry Fraud ‘Let Me Sing to You’
31. Larry June x Harry Fraud ‘A Talk with Herm’ (con Herm Lewis)
32. Left Brain ‘So What’ (con Larry June) (prod. World Famous)

Naf Loops «Insomnia» (2020 – Autoeditado)

Naf Loops - Insomnia (portada)

Naf Loops – Insomnia

(2020 – Autoeditado)

Hoy sale a la calle y a tus espacios oníricos «Insomnia» del productor Naf Loops (Alcalá de Henares, Madrid). Una beattape autoeditada en la que pone banda sonora a algunos de sus sueños más frecuentes. ‘Estaba todas las noches haciendo ritmos para otros proyectos, de una colaboración, de otra… y un día dije, joder voy a hacer un trabajo que me identifique, y una cosa que me identifica bastante son los Sueños del Ego, bueno, y los sueños en general. En mi familia también hay gente que tiene fuerte relación con sus sueños. Por eso se llama «Insomnia» el disco, por lo que representa para mí por el hacer ritmos de noche, en la atmósfera que me suelo relajar, y también el valor que tiene para mis sueños, el poder plasmarlos en un beat’. El Ego Onírico es el rol que ocupas en aquellos sueños en los que eres un observador y no el protagonista, con ese plano cenital arranca «Insomnia» para meterte en las más asfixiantes pesadillas de Naf Loops. Repasamos el trabajo en palabras del productor.

01. MESOSFERA

El principio de la beattape estás en un momento nostálgico, elevado, como si estuvieras viendo donde vas a aterrizar. Es el punto más elevado de la tape. 

02. ALTURAS

Yo sueño mucho con parques de atracciones, a saco, y con aeropuertos. Representa mucho el amor que tengo a las alturas. Me flipan todo tipo de deportes de riesgo. También representa el viajar. Yo no he salido de España todavía y es algo que quiero

03. JET LAG

Como si estuviera cogiendo el coche y yéndome a trabajar pero digo ‘paso de ir a trabajar’ y me voy hasta donde termine con el coche, hasta que me quede sin gasolina. Tiene mucho que ver con Alturas también, porque ambos son sueños de escaparme, de huir de la rutina y llegar a sitios desconocidos.

04. LOWSEA

En recuerdo de las veces que sueño que llego a un puerto, o a un paseo marítimo. Sueño mucho con agua.

‘Esta es la primera parte de la beattape, con los sueños más frecuentes que tengo y en la que he querido representar el escaparme de la rutina haciendo algo especial para mí. La otra mitad de la beattape son las pesadillas’ 

05. GHOST

Es en memoria a los seres que has perdido, a los antepasados.

06. RUN

Estas son las veces que sueñas que necesitas correr de una situación de riesgo que flipas, pero no puedes correr porque algo te lo impide. Quieres correr pero corres lento. 

07. AWAKENING

Aquí ya me despierto, por eso los bostezos y el despertador al final. Es una historia sonora con su principio y su fin. Empiezas arriba y vas bajando, y según vas bajando se deteriora todo. 

Si has disfrutado el viaje sonoro y quieres escuchar más música de Naf Loops, puedes escuchar sus anteriores trabajos «Chronicle of a Flight», «LOOPS Vol. 2» (2017), «LOOPS vol. 1» (2016) en «Gamán» de Queke, o escuchar sus colaboraciones con Karim (APDP), Phoek o Kamus. Píllalo en Instagram

Nerija Music en Sala Clamores (Madrid)

Crónica Nérija (Sala Clamores, Madrid, 2019)

El ciclo What’s Next: The Latest Jazz Generation organizado por Estrecho Cultural continua con la visita de Nérija, un septeto formado por diferentes personalidades de la escena actual del jazz británico (tan aclamada ya en todas partes del mundo) que en hebreo significa lámpara (o luz) de Dios.

Jueves 20 de Febrero de 2020 · 20:30h
Recinto: Sala Clamores (Madrid)
Precio: Anticipada: 10 € menores de 25 años · 13 € mayores de 25 años / Taquilla: 15 € 

Nerija Music en Sala Clamores (Madrid)

Fotografías por Blanca Buisán

Madrid, sus atascos y los contratiempos estresantes de cualquier vida atrapada por los horarios, fueron olvidados por completo al bajar las escaleras de la Sala Clamores y sentir la luz que desprendía Nérija. A los saxos Nubya García y Cassie Kinoshi, Sheila Maurice-Gray en la trompeta, Rosie Turton al trombón, en la guitarra Sirley Tetteh, con Ryo Kai al contrabajo y en la batería Lizy Exell. Menos mal que había retraso, el concierto comenzó en torno a las 21:30. La sala superaba con creces más de la mitad del aforo. Nos costó llegar hasta las primeras filas, pero después de un par de canciones lo conseguimos y pudimos sentir más cerca las buenas vibraciones que nos traía la gran novedad británica.

Nerija Music en Sala Clamores (Madrid)

¡Mierda! Olvidé poner mi grabadora para ir recogiendo pequeños fragmentos y saber exactamente qué temas sonaron. La carrera para no perder el metro, el sonido de los coches pitando, se fusionaron con la guitarra de Sirley Tetteh, el contrabajo de Rio Kai, que llevaba el ritmo, junto con los contratiempos de la batería de Lizy Exell. Ese sonido, representaba (para mí) lo frenético que acelera nuestros corazones en el día a día. Los vientos situados a ambos lados del escenario, dieron un paso adelante y se adentraron en los cuerpos, fulminando el estrés, haciendo cerrar los ojos de la gente y provocando el vaivén como si de un bosque se tratara. Un soplo de aire fresco desde Londres, pasando por Madrid, atravesando nuestros corazones y llevando nuestra mente hasta la tierra madre, África.

Nerija Music en Sala Clamores (Madrid)

Por todo esto, mi grabadora estuvo más ausente en este concierto pero aun así pude detectar algunas de las canciones: Riverfest, Unbound, The Fisherman, Nascence o Last Straw. Sirley Tetteh y Sheyla Maurice-Gray animaban al público y presentaban una y otra vez a cada componente de la banda simultáneamente entre canción y canción. Sin duda una de las horas más cortas que recuerde (cuando lo pasamos en grande, el tiempo pasa volando). Fue un gusto disfrutar de los solos, de los ojos cerrados, de las sonrisas de cada una de las componentes de la banda y de la selección de las canciones de su último largo «Blume» (publicado en Agosto de 2019) y de su EP debut titulado con el mismo nombre de la banda y publicado en 2016. Ambos fueron lanzados por DOMINO, sello británico desde 1990, conocido por firmar a Franz Ferdinand o Artic Monkeys.

Texto por Mario Mel

Nérija en Sala Clamores (Madrid)
Nérija en Sala Clamores (Madrid)
Blue Lab Beats (Sala Clamores) 08 - Fotografía por Elvss

Crónica Blue Lab Beats (Sala Clamores, Madrid, 2019)

Entorno a las 20:30 llegábamos a la Sala Clamores. En la puerta nos informaban de que el show de Blue Lab Beats, que el colectivo Estrecho Cultural nos ofrecía, empezaría sobre las 21:00. Mi compañero y yo, salimos a coger fuerzas y al lado de la puerta estaba NK-OK, charlando y sonriendo con gente que estaba esperando para verles.

Jueves 21 de Diciembre de 2019 · 20:30h
Recinto: Sala Clamores (Madrid)
Precio: Anticipada: 10 € menores de 25 años · 13 € mayores de 25 años / Taquilla: 15 € 

Blue Lab Beats (Sala Clamores) 08 - Fotografía por Elvss

Fotografías por Elvss

Antes de eso, tendrían que sentir a una novedad en forma de dúo con un invitado al saxo, llamado Franco Botto. Hablamos de Bliaze: Juán Arance y Antonio Blakstad. Por lo que nos comenta Escandaloso Xposito, suelen tocar por fiestas de Ibiza; más adelante ellos mismos nos hablan de una Jam Sesion los primeros martes del mes en la Sala Rock Palace (Madrid). Una pareja muy versátil que intercambia los instrumentos interpretando versiones y piezas propias con un Nord Electro 6, un Arturia Keylab controlando sintes y vocoder, una Maschine, un Roland Spd-SX, un bajo eléctrico G&L y el saxo de su invitado, Franco Botto. Esta novedad no solo abrió el show y el movimiento de la asistencia media de la sala; también abrió la puerta a otro movimiento que se está dando en España con un sonido funk, chillout, o como se autodenominan los propios Blue Lab Beats, Jazztronic. Después de 45 minutos terminaron con tres versiones de Anderson Paak, la última a petición del público que estaba más que preparado para los jóvenes de Londres.

Bliaze (Sala Clamores) 01 - Fotografía por Elvss

En cuanto terminaron, el equipo de Estrecho Cultural, el de la Sala Clamores y los propios Blue Lab Beats, sustituían y preparaban los instrumentos con los que empezarían la INTRO de su último disco «Voyage», alrededor de las 22:15. A la izquierda Namali Kwaten aka NK-OK sujetaba la bandera Blue Lab Beats (como es habitual en todos sus conciertos) con un set de una caja de ritmos Maschine MK3, una Roland SPDSX y una controladora Novation para los efectos. A la derecha David aka Mr. Dm con un Korg SV1, la guitarra Gibson SG y un vibráfono que nos hacía notable su influencia por Roy Ayers con solos durante todo el concierto. Después de mezclar la Intro con el tema (también de su último disco) MEMORIES, NK-OK (con el micrófono delante) presentaba y animaba al público con timidez y a la vez con la humildad e ilusión de cualquier joven: lo deben de estar pasando en grande.

Blue Lab Beats (Sala Clamores) 12 - Fotografía por Elvss
Blue Lab Beats (Sala Clamores) 07 - Fotografía por Elvss

El público, con una media de edad de unos 30 años, respondía bailando con las manos en el aire, gritando y silbando. David dio entrada con un solo de vibráfono a lo que sería una versión de otra canción de su último disco y Namali se sumaba con la línea de bajo hasta romper con el groove de batería desvelando OCEAN. Empapados en ese océano, nos sumergimos hasta llegar a un infierno galáctico con el track 5 de su último álbum: GALACTO INFERNO. Aunque metían las voces en una pista aparte, el juego de sintes con el bajo y el bombo cayendo sobre esa caja pesada nos dan un punto de vista diferente, una visión de un infierno en la galaxia que nada que ver tiene al que nos pintan por este barrio. En ese momento son capaces de transportarnos desde ese amable inferno hasta esa habitación donde empiezan creando sus ritmos; donde improvisan y se dejan llevar cambiando baterías, sintes, basslines, solos de piano, guitarra y vibráfono.

Cuando parecía que íbamos a salir de aquel Laboratorio Azul, habían pasado como tres temas y NK-OK preguntaba al público si había fans de J Dilla. Es increíble la repercusión de James Dewitt Yancey (Jay Dilla); he perdido la cuenta de los conciertos que he visto con tributos al genio. Esta vez tocaban el ritmo de So Far To Go del álbum «The Shining» (2006 – BBE). Otro solo de piano de Mr. DM iba a dar paso a otro homenaje, Sam Cooke & Marvin Gaye, de su segundo EP publicado en 2017: Freedom. Con los coros de Tiana Major metidos en una pista y faltando los raps de Kojey Radical, seguíamos sintiendo esa energía y esa química del laboratorio azul.

NK-OK aprovechaba cualquier hueco para acercarse al micrófono y conectar con la gente. ¿Más? Pues sí, subieron la temperatura y pusieron a toda la sala a mover el culo con STAND UP. Un ritmazo afro-funk que en su tema original lleva unos solos de saxo; en directo fueron sustituidos por solos de Mr. DM con el vibráfono acompañados de los originales con el teclado: la fiesta había comenzado.

Blue Lab Beats (Sala Clamores) 09 - Fotografía por Elvss

NK-OK sube el pitch y comienza la huida: RUN AWAY. El charles al más puro estilo 808 con los sonidos de triángulo cayendo encima, los timbales, y esa caja cayendo entremedias de los bombos a ritmo de house, nos dicen ¡húye de las malas vibraciones!. Con este sonido más experimental nos mandan de viaje con el tema que titula su último álbum publicado este año: VOYAGE. Las baterías de drum & bass con las líneas de sintes, el bajo y el solo de la Gibson SG de Mr. DM van hacer que tu viaje sea memorable.

OOOO LALA! Vuelve el mood a chocar con las paredes haciendo rebotar nuestro cuello una y otra vez alargando lo que es el penúltimo tema de su primer LP «Xover» (2017 – Society of Sound Music). NK-OK aprovecha para deleitarnos con su habilidad con la caja de ritmos enlazando con otro tema que (para mí) define a este grupo: BLUE SKIES. La armonía de esta canción es preciosa, nos lleva al alma de los jardines más verdes y soleados hasta los callejones más oscuros y pintados. Vaya ritmos, nos han calado hasta los huesos y parece que ésto llega a su fin. Se despiden entre aplausos y gritos de un público expectante e incrédulo ante el final del show. Entran al backstage y la gente sigue haciendo ruido. ¿qué ha pasado? Parece que la gente quiere más y vuelven a salir con esa expresión tan amable y tan acorde con su música tocando un hit que, con tantas buenas sensaciones, habíamos olvidado: perfecto para empezar a dejar de odiar las despedidas diciendo HI THERE, en vez de See you later!.

Texto por Mario Mel

Blue Lab Beats (Una Selección de Mario Mel & HardeeJay)

Blue Lab Beats (selection cover)

Selected by Mario Mel
Mixed by HardeeJay

¿Aún no conoces la nueva escena del jazz británico? Hoy os presentamos a un dúo, componente de dicha escena tan colaborativa y que está dando sus frutos como si de una aceleración del proceso natural se tratara: BLUE LAB BEATS (Mr. DM 25 años, compositor de melodías y arreglos, NK-OK 20 años, beatmaker). Este joven dúo, que comenzó pensando en que su música se quedaría en los trabajos de otros artistas de la escena, viene a Madrid después de un largo recorrido por diferentes países de Europa; llegando hasta el norte de África, Marruecos (desde 2016 según su web). NK- OK y Mr. DM nos traen las mejores vibraciones; influencias de Madlib, MF DOOM, pasando por las obras de Herbie Hanckock, Roy Ayers e, incluso, influencias de son cubano o melodías africanas. Este año (ellos mismos), han denominado a su estilo como Jazztronic;. El día 12 de Diciembre llegan presentados por Estrecho Cultural hasta la Sala Clamores: la mejor manera  ara comprobar con todos tus sentidos lo que estos prodigios son capaces de hacer. A continuación, les dejamos una selección de sus trabajos oficiales y algunas rarezas con HardyJay, sacándole brillo a sus platos desde la Crypta.

TRACKLIST

1.Blue Lab Beats – Blue Skies (2016)
2.NK-OK – Phife Dawg Tribute (2016)
3.Blue Lab Beats Feat. Kojey Radical & Tiana Major9 – Sam Cooke & Marvin Gaye (2017)
4.PARADISA – Warpaint (NK – OK X Blue Lab Beats REMIX) (2016)
5.Blue Lab Beats feat. Nubya Garcia, Richie Seivwright – Pina Colada (2018)
6.Dua Lipa – Blow Your Mind (Mwah) (NK-OK x Blue Lab Beats Remix) (2016)
7.Blue Lab Beats – Hi There (2019)

LOFUKI Summer 2019 – Cuatro días de Cultura Gratis en la Plaza (Julio & Agosto, Móstoles)

Este año LOFUKI, el proyecto artístico-social que desarrollamos en colaboración con la plataforma Smooth Note y el colectivo NegroniRocks!, vuelve con un nuevo formato de 4 eventos con las actuaciones de Mighty Megatons, Erick Hervé & Dj Rosvil, Watch OutMiryam Latrece Quartet y las sesiones de Mr Ishy SoundKilla, g.Otxo, theBird y nuestro kid Dasar.

Cada uno de los eventos se celebrará con acceso libre y disponibilidad para niñxs (LOFUKI is for the children) en el Parque Los Rosales de Móstoles durante los meses de julio y agosto del 2019 como parte del programa Vive El Verano organizado por la Concejalía de Cultura, Bienestar Social y Vivienda de Móstoles.

En cada uno de los eventos, además de disfrutar de la música los dj’s y los grupos, podrás contribuir a la creación, dotación material y sostenibilidad de escuelas rurales en  zonas desfavorecidas de Ghana gracias a nuestra campaña de colaboración con la ONG Assist the Child To Progress. Si tienes material escolar, instrumentos, herramientas artísticas o digitales, llévalas los días de cada evento o ponte en contacto con nosotrxs en lofukifestival@gmail.com.

13 Julio · Mighty Megatons + Mr. Ishy SoundKilla

El dj y activista musical mostolero lleva agitando la escena jamaicana de Madrid Sur y Centro desde el año 2001, conviriténdose en un clásico de los soundsystems y block-partys manteniendo el espíritu de la cultura africana de ocupar el espacio público para compartir el arte con la comunidad. Puedes catar sus antiguas mezclas en su SoundCloud.

Grupo madrileño cuyos miembros recopilan amplia experiencia en los estilos surgidos en la diáspora jamaicana. Varias carreras que maduran en un proyecto que procura mantener las esencia de la música jamaicana hasta el punto de que su última referencia «Atomic Bomb» está grabado en una sola sesión, tal y como te contaba sobre los grupos jamaicanos de primera mitad del siglo XX nuestro compañero Lutxo Pérez en su artículo ¿Por qué los Jamaicanos Corren Tan Rápido?.

Crónica Presentación «ISTMO» de Dano

Asistimos a la presentación de «ISTMO», el nuevo proyecto musical de Dano y audiovisual de Gonzalo Hergueta en un evento organizado por Mécèn Ent, G.H.F.B. y Red Bull Music. Tras un rato de espera dentro de los espacios abiertos del COAM viendo cómo se perfilaban los últimos detalles de la presentación, nos invitan a iniciar el paseo entre mares amenizado por una selección estrictamente boom-bap de NoTyme a los platos, nos entregan una bolsa con la camiseta del disco, y nos convidan a unos cocktails para aprovechar el lanzamiento de una nueva gama de las bebidas energéticas.

Martes 19 de Febrero de 2019 · 19:00h
Recinto: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid
Precio: Invitación

Si fueras andando por ese «ISTMO» que está a punto de llevarse el mar, podrías sentarte mirando a ambos lados y los paisajes serían bien distintos. Hacia un lado, verías el punto de partida del nuevo proyecto de Dano. Más allá, donde tu vista no distingue el avance de las olas aunque sí su cambio de altura, podrías ver «Cierra Los Ojos», el anterior largo de Dano al micrófono y la producción del que hacen doce largos años. Lo publicó Background Records, uno de los entonces habituales sellos independientes de principios de los 2000 que fundó Killer B y también editó a Krazé y Zekie, dos artistas en sus respectivos exilios con apariciones intermitentes y sin ninguna repercusión en la actual industria. 

En esa misma ola estarían otros trabajos de una primera época prolífica fructífera del colectivo Ziontifik, como la esperada vuelta en formato mixtape de Acqua Toffana, el primer EP de Elio Toffana «Jóvenes Bajo Presión» y la mixtape «Golosinas» en la que aparecían el resto de miembros del colectivo, Nethone, Cabal y Kuma, además de algunos artistas cercanos. En esa ola, o quizá algo más allá de la misma en otra ola de la que forma parte la reliquia «AQT» de principios del 2000 que tantó ruló por Soulseek, ya estaban presentes en su vida los The North Face como se quiso representar en la presentación con varias piezas de la marca curtidas en mil batallas. A pie de vitrina: el propietario (Nei, Spok, Buni, Negroe y Mamon), el modelo, la época, el Corte Inglés en el que fue robado, y la anécdota que lo hace peculiar en la colección con especial mención del bolsillo recaudador que tenía cosido uno de ellos en la espalda. Su pasión por el streetwear se cerraba con un par de piezas exclusivas (gorra y riñonera) realizadas por So Mad Clothing.

La mayoría de peces, crustáceos, bacterias y mamíferos que vivían en todas las olas o calma que puedes ver a ese lado del «ISTMO» no comían del arte. Como bien dijo Dano en el RELATED publicado por Low Key Moves‘lo hacían por puto amor’. Podías llevarte sus discos junto a otros internacionales en las bolsas, también expuestas en la presentación, de Discos Del Sur, Madrid Rock o La Metralleta (la única que sigue abierta de las tres) pero ninguno de ellos y ellas vivía del arte, tal y cómo entendemos hoy ese concepto.

Esos peces vivían en una ciudad gris de principios de milenio que afortunadamente vivió entonces una época de esplendor en lo que ha graffiti y arte urbano se refiere, lo que también quiso tributar Dano en la exposición que completaban el mismo Gon Hergueta, Enrique Escandell, Spok, Fede Reano, Pete Florentini y BRBR x Niko Barrena. El objetivo  respecto a los asistentes era ‘acercar el Madrid que me recibió’. Tras un tiempo de cortesía comenzó la proyección de la película realizada por Gonzalo Hergueta con imágenes rodadas en su estancia en los proyectos de Nueva York, a la que siguió un breve showcase con el mismo Dano en el MPC secuenciando y lanzado samples de algunos cortes del disco mientras los rapeaba. Tras él, varias personas posaban de espaldas con sudaderas del disco cuyo diseño contempla en la parte posterior el logo antiguo de las Viviendas de Protección Oficial (VPO). El «ISTMO» no sólo conecta dos formas de entender la vida (rap, graffiti, street wear, lo-life, sampling…) de dos masas terrestres, también las condiciones urbanísticas en las que vivían los artistas a sendos lados del charco. El rap y el arte de Dano viene de los proyectos, y eso se pretende reflejar en «ISTMO».

Tras la performance, en la que Buni aprovechó para pintar los escaparates mientras la gente estaba distraída, hubo tiempo para tomarse otro par de cocktails, darse la vuelta, y mirar al otro lado del «ISTMO» en el que en el horizonte se veía el presente. Un presente en el que Dano se rodea para su álbum de Elio Toffana, Israel B, N-Wise de MDE Click, Ébano, Ergo Pro, H RotoManu Beats y Rels B, y en el que cada vez más especies marítimas comen algo del arte (algunx incluso se está poniendo grande) y otros muchos peces siguen nadando por amor u otros motivos como siempre se hizo y siempre se hará en el caso del hip-hop.

Quizá el ermitaño no lo imaginaba tal cuál es a día de hoy, pero cuando le entrevistamos con motivo del lanzamiento de «Equilibrio» (EP en colaboración con Emelvi) ya nos decía que España está en el ’90 en el rap ahora mismo. Ahora es cuando empieza la movida, ahora es cuando empieza la puta movida. Todo lo demás, lo siento tío, pero no. Si tuviéramos que ubicar el «ISTMO» dentro de esta cronología seguramente se encontraría alrededor de 2013, en esa época pre-business que Dano definía como nuestra propia golden era. Puedes escuchar «ISTMO» en Spotify y ver la película en el canal de Ziontifik Films.

Texto por Dasar.

Fotografías por minarai.

TP*FAM & Miguel Grimaldo - No Memories

TP*FAM & Miguel Grimaldo ‘No Memories’ (2018 – Hachís Apaleao Records)

TP*FAM & Miguel Grimaldo – No Memories

(2018 – Hachís Apaleao Records)

El tiempo pasa inevitablemente para todxs, y puedes perderlo mirando atrás o invertirlo en observar la inmensidad del futuro y enfocar, porque en cualquier momento desaparece. Con esa filosofía y actitud plantean TP*FAM (KC & Calogero isbakk) este EP producido por Miguel Grimaldo titulado “No Memories” y que supone el preludio de su próximo trabajo “#isBakk”.

A pesar de que el tiempo pasa hay estímulos que no cambian en las frías noches del monte de Villalba o de las calles de Madrid centro. Habladurías, tecnología, despedidas, reencuentros, nuevos vínculos, y química orgánica o diseñada siguen presentes en el discurso de TP*FAM desde que se presentaron con «Demo 2011», primera referencia del sello independiente Hachís Apaleao Records que también se encarga de lanzar «No Memories»

Lo que ha cambiado el tiempo en KC y Calogero isbakk es la óptica de la experiencia. Los estímulos siguen presentes, pero formulan nuevas lecturas desde la madurez y las rupturas temporales, espaciales, y emocionales, como el Siddhartha de Hermann Hesse que aprende a leer la vida del río aparentemente estático pero que cambia a ritmo trepidante, o el Patric más despechado de ‘A.M.O.R.X.T.R.A.’. Unas vibraciones que a pesar de mantenerse en el bucle fluyen de forma dinámica y rupturista con el ciclo dando libertad a la vida y el arte para ser escapistas, concepto que liga a la perfección con el enfoque progresivo e impermanente de la música de Miguel Grimaldo.

Hacen siete largos y prolíficos años desde aquella «Demo 2011» producida por QuórumBeats, primer y único trabajo de TP*FAM hasta esta nueva Filtración que te traemos hoy en CryptaMag, y de aquel Basement Series de 128 Films que protagonizó Calogero isbakk. Por el camino han lanzado música con Jay Smuzz, Pedro LaDroga, Miki Di SancioNotyme, y también con otros artistas del rooster de Hachís Apaleao Records como Kid Cala, o SBKT y Cheap Misuri de La+Barata

«No Memories» es la décima referencia de Hachís Apaleao Records, y efectivamente no es tiempo para los recuerdos cuando un buen futuro augura a los miembros del sello. Calogero isbakk explora otros horizontes bajo el alias Jean Felú junto a Cheap Misuri en HolographicKid Cala expande su deambow a otros sellos como Caballito Netlabel y Breaking Bass, además de a clubs de República Checa o Eslovaquia; y el fundador y Dj de TP*FAM, Malaria, forma parte activa del colectivo Moto Kiatu que trabaja por ser referente en la importación de directos de artistas electrónicos de África. 

Puedes pillar «No Memories» en el Bandcamp de Hachís Apaleao y en las siguientes semanas podrás escucharlo también en Spotify y YouTube

KC & Calogero isbakk
Producido, mezclado y masterizado por Miguel Grimaldo.
Diseño: Gumoma.

Calido Lehamo, Hartosopash, DJ Swet en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)

Crónica I.D. Party: Me Cago en tu Padre & Camaradas (Sala Caracol, Madrid, 2018)

Estuvimos en la I.D. Party organizada por Me Cago En Tu Padre con el fin de recaudar fondos para las costas judiciales por su participación en las protestas contra las subidas de las tarifas del Metro de Madrid en 2012. Una auténtica fiesta que colgó el cartel de completo y en la que la relación primitiva y vigente entre amor y hip-hop estuvo en el aire de principio a fin.

Jueves 25 de Octubre de 2018 · 20:30h
Recinto: Sala Caracol (Madrid)
Precio: Anticipada: 10 € / Taquilla: 12 € (con cerveza o refresco)

Calido Lehamo, Hartosopash, Niño Maldito y José Benitez en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)
Hartosopash, Dj Swet y Cálido Lehamo en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)
Dano, Hartosopash, y José Benitez en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)
Calido Lehamo, Hartosopash, Niño Maldito y José Benitez en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)

Fotografías por Alberto Pérez Urraca

El jueves 25 de Octubre Madrid vivió uno más de los sold-outs que acostumbra en el último trienio. Uno más bien entrecomillado, pues la I.D. Party organizada por Cálido Lehamo y Niño Maldito no buscaba presentar un trabajo ni, aunque lo parezca, reunir un cartel inédito hasta la fecha que haría las delicidas de bastantes programadores de festivales. El objetivo que respaldaban sus fotos de carnet y las de Hartosopash, Miguel Grimaldo, Ébano, Zevex, Bejo, El Coleta, Dano, Pedro LaDroga, Cho Fernandes y Dj Swet, era recaudar fondos para pagar las costas judiciales de un caso que el 22 de Junio de 2012 nos sorprendió a muchxs todavía con las legañas en los ojos viendo fotografías y noticias de su detención en el timeline de Twitter.

Dano y Niño Maldito en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)
Hartosopash y Dj Swet en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)

Esa mañana los hashtags #FREEMCP y #YoTambienTireDeLaPalanca se propagaron de cuenta en cuenta protestando contra las detenciones y convocando concentraciones esa misma tarde y a la mañana siguiente en Plaza Castilla y frente a las Delegaciones del Gobierno de Tenerife y Gran Canaria. Cinco días después, 27 de Junio, en la Sala Juglar de Lavapiés, barrio madrileño en el que se produjo la detención de Me Cago En Tu Padre, se celebraba el primer concierto benéfico para empezar a costear los trámites judiciales. Unos hechos que sucedieron antes de ‘Mi Cielo’ y «La Espiral».

Seis años después aquel apoyo sigue vigente, tanto por el público que agotó las entradas de la Sala Caracol, como por parte de los artistas que siguen apoyando la causa tras seis largos años en los que mucho ha cambiado el panorama. Afortunadamente hay algo que no ha cambiado: no todo es por la pasta en el hip-hop, y ninguno de los artistas cobró su caché por apoyar la causa de sus amigos.

Hartosopash al MPC y Dj Swet a los decks, con apariciones de Zevex en momentos concretos, fueron los responsables de respaldar musicalmente más de tres horas de show repartidos a razón de treinta-cuarenta minutos por mc/femcee. El formato del cartel permitió que los asistentes, algunos de ellxs venidos de otros lugares de España aprovechando la ocasión, pudieran disfrutar de cortes en solitario como ‘El Estado de Bienestar’ de Miguel Grimaldo, ‘Bingo’ de Cho Fernandes, ‘Una Papa Pal Kilo’ de Bejo, ‘Vampiro Joven’ de Pedro LaDroga o ‘Movida Madrileña’ de El Coleta, y también de colaboraciones como ‘IMAN’, ‘Todo Llega’ (sin N-Wise), ‘Nunca Lo Olvides’ y ‘Aleluya’ con Niño Maldito, Cálido Lehamo, Dano y Ébano rulando por el escenario, e incluso un tema inédito de Bejo, Cálido Lehamo y José Benitez de BIG Menú. Una fiesta en la que además de disfrutar de la música, se aprovechó para recordar el valor de apoyar aquello en lo que cree tu gente y el público consiguió demostrar que a través de la música se pueden apoyar causas justas.

Texto por Dasar.

Ébano y Cálido Lehamo en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)
Niño Maldito y José Benitez en I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)
I.D. Party (Fotografía por Alberto Pérez Urraca)

Historias de la Crypta 001 – Entrevista a FANSO & Guayaba Records

El pasado domingo 28 de Octubre de 2018 el colectivo FANSO y la plataforma Guayaba Records presentaron su último trabajo ‘Música Para Lagartos’ en los Cines Renoir Princesa de Madrid. Cuatro pases en los que algunos tuvimos que arrancarnos las legañas para poder disfrutar de lo-fi en pantalla grande y butacón, pero que compensó al ver un resultado que significa continuidad en la apuesta audiovisual de Cráneo Media (Cráneo, Guillermo Centenera y Ricky de Guayaba) y una evolución en el planteamiento de la música de los beatmakers y productores Juan RIOS, Made in M y Bluekid aka Sr. Guayaba, y los mc’s Cráneo aka Sloth Brite y Lasser.

Sin más vueltas os dejamos con el primer programa de nuestro nuevo proyecto de radio-streaming Historias de la Crypta, para el que nos reunimos la tarde del mismo domingo con Cráneo, Lasser y Ricky de Guayaba Records con el fin de sacar las impresiones más recientes de la presentación. Tienes ‘Música Para Lagartos’ disponible en la flamante nueva web de Guayaba Records.

Fotografías por Silvia de la Rosa

Artwork por Rubén

Texto y Locución por Dasar.

ART IS NOT A CRIME, 1977 – 1987, fotografía por Silvia Delarosa

Crónica emocional de «Henry Chalfant: Art Is Not a Crime (1977-1987)»

‘El origen del breakdance fue el fruto de un largo recorrido de la diáspora africana en el Caribe’

· Henry Chalfant

ART IS NOT A CRIME, 1977 – 1987, fotografía por Silvia Delarosa

Cuatro términos bien elegidos por Henry Chalfant, chapurreados en un castellano simple y afable, fueron suficientes para explicar una incógnita que cuarenta años después todavía no son capaces de solucionar buena parte de la sociedad, las instituciones y los/las que escriben sobre cultura urbana en este país. Hay una relación entre las formas de expresión de los esclavos y esclavas que fueron exportados (en el peor sentido del término) de África a otros lugares del mundo, y ese ‘algo’ que está revolucionando la cultura, hoy en España, y desde hace unas décadas en el resto del mundo. Arte nacido en Accra, Luanda o Lagos, que aterrizó en Nueva Orleans, Kingston o San Juan, y desde ahí conectó con individuos de cualquier lugar de Bristol a Tokyo pasando por Medellín, de Paris a Rio de Janeiro pasando por la antigua Yugoslavia. En la exposición “Henry Chalfant: Art Is Not A Crime, 1977 – 1987” comisariada por Suso33 y acogida por el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada se comparten gratuitamente cientos de registros fotográficos y audiovisuales, además de algunas reliquias de la prensa nacional e internacional, que documentan una parte de esa historia: la década de 1977 a 1987 con especial atención al graffiti, el breakdance, el streetwear, las blockpartys, y las reuniones en las calles de Nueva York. Los orígenes del hip-hop, ese algo, o más bien esa cultura urbana, creada por lo que algunos y algunas hoy considerarían ‘ninis’.

Lo que vas a leer es una crónica emocional (como diría mi compañero Lutxo Pérez) de la inauguración de la exposición, con especial atención a la mesa redonda que presidieron Henry Chalfant y Suso33, y que completaban el breaker Crazy Legs y los graffiterxs Mare139, Mick La Rock, Blade y Lee Quiñones. En la conversación se trataron temas como el rol de la mujer en el graffiti y los inicios del hip-hop, la necesidad de documentar lo que está pasando en el momento en qué respiras, el valor de la creatividad, y lo que es más importante: cómo chicos y chicas abandonados por el sistema y la ciudad, construyeron en la calle el que se podría considerar como uno de los movimientos culturales y sociales más influyentes del último medio siglo. A su vez, el carácter antropológico e histórico de los contenidos recogidos en la exposición, replantea 40 años después puntos de vista para un debate que sigue vigente actualmente y por el que se encarcelan artistas de distintas disciplinas creativas. 

¿CUÁL ES EL LÍMITE ENTRE EL ARTE Y EL CRIMEN?

‘Nadie reconocía que todo aquello que estábamos haciendo era creativo, y yo personalmente tuve suerte de que mi madre nunca puso pegas. Pero más allá del barrio y más allá de mi familia, Henry fue el único que veía un valor en lo que hacíamos’.

· Crazy Legs

Henry Chalfant: Art Is Not a Crime (1977 - 1987) CEART Tomas y Valiente Fuenlabrada

El jueves 27 de Septiembre de 2018 el CEART de Fuenlabrada se convirtió en un templo intergeneracional del hip-hop como no se veía desde hace tiempo en Madrid. Aparte de la ya citada representación histórica, y varias figuras del hip-hop construido en España (a las que no citaremos por respeto a lxs verdaderos protagonistas), varios centenares de personas de edades comprendidas entre los 6 meses y los 80 años se dieron cita en los alrededores del Tomás y Valiente para asistir a una cita que para algunos haberse perdido era de ‘ser un toyako’. La variedad de edades y condiciones de los allí presentes fue lo más reseñable para un servidor y desde aquí aprovecho para hacer un llamamiento a organizar más eventos en horarios que se presten a la transmisión de knowledge entre generaciones. Como diría Intelligent Hoodlum aka Tragedy Khadafi: ‘time for buildin, teach the children’.

La tarde empezó con la proyección del documental «Style Wars» (1983, Henry Chalfant & Tony Silver) que algunos niños, niñas, adolestentes y adultxs vieron por primera vez; otras por enésima vez pero por primera en pantalla de cine; y otros tantos cambiaron por la tertulia con viejos conocidos en los alrededores para contar nuevas aventuras en cocheras, o los motivos por los que la última aventura fue hace años.

Poco después empezó la mesa redonda ante un auditorio a medio llenar en el que los llantos de bebé, más que molestar, removían algo en las tripas de unos adultos que boquiabiertos escuchaban anécdotas de la década que enmarca la exposición de la mano de Henry Chalfant, Crazy Legs, Mare139, Mick La Rock, Blaze y Lee Quiñones.

El mundo y la cultura de aquella década de los ’70 y de los actuales ’10 que están llegando a su fin tienen muy poco que ver en lo mediático, pero mucho en lo social. Como bien dijo Crazy Legs, Henry Chalfant fue pionero porque ‘no había un discurso sobre el hip-hop y él simplemente lo retrató’. Hoy precisamente lo que nos sobra en este país son discursos, etiquetas, teorías, lecciones, y palabrería superficial marcada por el SEO. Afortunadamente no nos faltan retratistas de lo que está sucediendo, los cuales si se cuida y mima la cultura puede que algún día tengan la relevancia como documentalistas de la cultura urbana de este país que tiene Henry Chalfant para la cultura urbana global. 

Por otro lado, actualmente también nos sobran en este país adolescentes (y no tan adolescentes) que se sienten excluidos por el Estado y la comunidad. Acuden diariamente a un sistema educativo que ni piensa en ellxs, ni cree en ellxs, y tampoco les escucha; se sientan a comer en una mesa en la que la misiva parece ser que si no quieres estudiar, debes trabajar en lo que sea para ganarte una vida; y mucho habría que decir sobre el mercado laboral de España pero este no es el espacio. Un bucle productivo, alejado del arte, en el que también estuvieron atrapadas las personas reconocidas y anónimas que protagonizan las fotografías de Chalfant expuestas en la exposición Art Is Not A Crime. Parte de ellos y ellas hoy son referentes para adolescentes perdidos de cualquier lugar del mundo que creen en una forma de ganarse la vida con su creatividad. No olvidemos uno de los lemas principales del hip-hop, do it yourself.

‘Nosotros eramos delincuentes, robando pinturas, allanando propiedades… Su estudio fue un sitio seguro. Fue significativo para la concepción que yo tuve del arte, del graffiti, de mi vida. Un momento importante fue conseguir una exposición con fotos en un espacio en el Shoko, que no nos había hecho hueco hasta ese momento, y Henry lo consiguió. Investigar otros estilos en exposiciones me dio otra perspectiva sobre el arte, sobre lo que habíamos hecho nosotros y de dónde venía’

· Mare139

Tras estar más de una hora contando anécdotas, compartiendo las inquietudes que tenían en la época, y contextualizando el entorno social de la década que enmarca Art is Not a Crime (marginación a las comunidades de inmigrantes, falta de acceso al mercado laboral, alto índice de abandono escolar, falta de cohesión social…) llegó el turno para las preguntas. Sólo fueron tres, pero afortunadamente una de ellas resolvió un pequeño agujero sobre el que no se había profundizado lo suficiente en la mesa redonda, ¿qué papel jugó la mujer en aquella época?. 

Fotografía de Martha Cooper perteneciente a la exposición Henry Chalfant: Art Is Not a Crime (1977 - 1987) CEART Tomas y Valiente Fuenlabrada. En la fotografía Martha está con su cámara sobre el techo de un andén esperando para hacer una foto a los trenes pintados que van a pasar por la estación

‘Era duro ser mujer en el mundo del graffiti, pero en los ’70 había mujeres buenas en el graffiti como Lady Pink. Al final somos decenas las que nos hemos ido ganado el reconocimiento de ser Graffiti Queen, pero escalar verjas y escapar de la policía era algo que no solía gustar a las mujeres, también muchas pintaban por sus relaciones y cuando acababa…’

· Mick La Rock

‘En los ’70 también había buenas b-girls  como Baby Love, y quiero hacer una anotación con todo el respeto y espero que nadie se ofenda. Las mujeres aportaron a la cultura, y también hicieron que los hombres subiéramos el nivel. Al final eramos adolescentes con las hormonas en plena efervescencia, y si estabas bailando, tenías que superar a alguien y estaba la chica que te gustaba, dabas más del 100%’.

Crazy Legs ·

Con esta pregunta se cerró la mesa redonda, y nos trasladaron tras un breve descanso a la zona de exposición en la que tuvo lugar la performance cuyo resumen podéis ver en el tweet de la derecha de Suso33. Tras ello y con el telón musical de Zeta a los platos, los asistentes pudieron pasear por una exposición que a través de una de las expresiones más conflictivas del hip-hop, el graffiti, consigue comunicar que esto es una cultura (aunque esté creada y difundida por ‘ninis’) capaz de expresarse en un lenguaje universal que ha invadido prácticamente todo el planeta. Además ‘Henry Chalfant: Art Is Not a Crime: 1977-1987’ es una muestra más, muy especial eso sí, de que el hip-hop tiene un trasfondo social consistente y que por eso 40 años después la visión de la sociedad civil, a pesar de que haya muchos clichés que purgar, responde de manera diferente que en los ’70. Recuerda que tienes hasta el 18 de Noviembre para pasarte por el CEART de Fuenlabrada, más información aquí.

‘En los ’70 todos se enteraban del breakdance, del graffiti y del hip-hop, pero nadie hizo nada: los colegios, el gobierno, las escuelas, los medios… Todos lo veían pero nadie hacía nada y eso me parecía increíble’

Henry Chalfant

Fotografías por Silvia de la Rosa

Texto por Dasar.

Architect 16: Glue Kids

Glue Kids

Soundcloud: gluekidsarefiends
Facebook: 
gluekidsarefiends
Twitter: 
gluekids
Instagram: 
gluekids

Diseño por Basto.

Compra tu entrada para Respect Da Architects 3 (19 Oct 2018 – Sala Boite)

_

THE WAR REPORT
HELL ON EARTH
THE 41ST SIDE

___________________________________________________

 

Vídeo por Lucas Sáinz

Aunque Dj Tres tiene una larga trayectoria, su proyecto Glue Kids arranca aproximadamente en 2014 con la publicación de «Santos Inocentes» editado en cinta y digital por Galleta Records, con las únicas colaboraciones de Niño y del mc Wester Tink (Atlanta). Un EP que a aquellos que tuvieran reminiscencia de sus sesiones les pudo sonar raro por alejarse de las vibraciones boom-bap y jazzy, pero quizá por ello Abel de Galleta Records decidió bautizar el sonido de ese trabajo como funeral-hop, etiqueta que está acompañado mediáticamente a Glue Kids durante toda su trayectoria. 

Quizá que la etiqueta de funeral-hop les haya acompañado siempre se deba a que de forma paulatina las baterías han ido desapareciendo de su secuenciador, que no el ritmo). El protagonismo lo han tomado las progresiones armónicas, apergiadores y transiciones de atmósferas que sugieren paisajes sonoros que no están estructurados como rap al uso, pero que son producto de vivir un posible funeral del hip-hop (a la espera de que el/la muertx se levante). Así lo demuestra su siguiente referencia «Fuego Amigo» de nuevo en cinta y publicado por Galleta Records, en el que prácticamente no hay percusiones, o éstas son sustituidas por otros sonidos no tan asociados a baterías. 

Se han dejado ver más en directo que en estudio, y en plazas prestigiosas como Sónar, Music & Dealers, HOLYDUBS pasando por MOSULMOSUL, aunque a través de su SoundCloud han mantenido viva a su audiencia (e incluso han generado nuevo público) con canciones sueltas, su ‘temprana’ colaboración con One Path (ex-Infinitum) y remixes de Coagul, Strand o de Erik Urano & Zar1 por doble partida, y recientemente aportando su música en «Promise EP» de Sara Bee publicado por Delpalo.

Sabemos que hay un nuevo cassete en camino y para la 3ª Edición de Respect Da Architects además de Dj Tres, estará el guitarrista Lucas Bolaño de Estrella Fugaz. ¡Compra tus entradas vía HipHopTickets

Architect 15: Grimer Loner

Respect Da Architects 3 - Grimer Loner (artwork por BastoDesign)

Instagram: grimerloner

Diseño por Basto.

Compra tu entrada para Respect Da Architects 3 (19 Oct 2018 – Sala Boite)

_

EFÍMERO
INNOVACIÓN
DIVERTIDO

___________________________________________________

 

Vídeo por Grimer Loner & HardeeJay

Grimer Loner es un productor madrileño nacido en el ’91 que a pesar de no tener demasiado rastro en Internet lleva en activo desde el 2010. Su conexión con la creación musical le llega de niño, pues estuvo estudiando piano en distintas escuelas de música, pero con las mismas confiesa que el sistema educativo le hizo odiar la música y lo dejó. Su carrera académica le llevó a estudiar ingeniería electrónica y poco después descubrió el mundo de la producción musical y lo convirtió en su hobby, hasta llegar al límite de la adicción. Fundó junto a Kofi el grupo BlockDuo, y difundieron su música sin etiquetarse como hip-hop pero rapeando. 

Fue cuestión de tiempo que la ingeniería y la producción musical conectaran y por eso será el primer Architect del templo que tocará con controladoras arcade diseñadas y construidas por él mismo en su basement. La conexión de ambas ciencias le ha permitido diseñar herramientas que se complementen con su condición de DJ y turntablist, de manera que es habitual verle en todo tipo de open table de scratch creando los beats en directo.

Aunque lo pueda parecer, la elección de los botones no viene directamente de una infancia entre kinkis y viciadas en los antiguos recreativos. Es el formato de botón más resistente que Grimer Loner ha encontrado para poder expresarse en condiciones con su controladora, así que si quieres verle en directo este viernes estará en la Sala Boite de Madrid en la 3ª Edición de Respect Da Architects.

Ochoa Respect Da Architects

Architect 14: Ochoa

Ochoa Respect Da Architects

Bandcamp: LG Finest
Soundcloud: ochoalg
Instagram: ochoa_lg

Diseño por Basto.

Compra tu entrada para Respect Da Architects 3 (19 Oct 2018 – Sala Boite)

_

___________________________________________________

 

Vídeo por Check It Out Films: Ele: Cámara / Montaje: Ochoa

Hablar de los dieciocho años de trayectoria de Ochoa supondría enumerar prácticamente medio centenar de referencias de la historia del rap en España, desde su natal Logroño al resto de rincones del Estado. Un ejemplo de constancia fuera del negocio, ya que cómo él mismo nos confesó en la entrevista que le hicimos hace unos años ‘Mucha gente de mi edad lo ha dejado y te dicen que –bah tío no voy a dedicarle tiempo a algo que no me da pasta. Es que no es ese el objetivo. No puedo dejar esto porque si no se me va la vida a tomar por el culo’. Repasamos brevemente la trayectoria del productor de Logroño, al que podrás ver en directo junto al saxofonista Sticky Sánchez y nuestro hombre HardeeJay el próximo Viernes 19 de Octubre en la 3ª Edición de Respect Da Architects que tendrá lugar en la Sala Boite de Madrid

Muy lejos queda el disco «Lo Típico» (2002, Autoeditado), la época de Carpe DM, y siete años de aportar beats especialmente en Logroño, Esukadi y el resto de la Península en trabajos de aquella época dorada del underground en la que los heads buscaban refugio en las publicaciones de webs como War4 y sellos independientes. Una época que para Ochoa se cerraba en 2009, tras producir un año antes el maxi «Dentro del Groove» de Soultime publicado por el sello independiente Gris Materia, con la publicación de «Dirty Chillin’ Mixtape». En este trabajo con una identidad visual claramente diferenciada de sus anteriores trabajos, Ochoa dejaba claro los nuevos sonidos que llevaba explorando su inquietud. En tiempos de hablar de los 25 años de rap en España, y mientras algunos no querían pasar página él mezclaba cortes de UGK, Lil Wayne, Z-Ro, Geto Boys y Paul Wall con viejos conocidos como Kafes, Eseeme y Eimoman y entonces nuevos talentos como Yako Muñoz, El$$o Rodríguez y Latex Diamond.

Tras la publicación de «Dirty Chillín'» Ochoa fue más selecto con la distribución de sus beats, y solo se dejo ver en contadas colaboraciones y remixes, de nuevo con El$$o Rodríguez y Latex, pero también con N-Wise, Darmo y Aniki. Época en la que producía con un Workstation, un Yamaha Motif y Reason, y que según él mismo ‘para tener un sonido más añejo no es el set más apropiado, aunque el «Back To Bassics» sí que lo hice con eso’

La publicación de ese EP en 2013, de «4 Love» de LG Finest y el maxi single «Huir» junto a KFS supuso un nuevo punto en la carrera de Ochoa, en el que mostraba un sonido mucho más reconocible. Las influencias del boombap, los vientos con delay, las progresiones armónicas lumínicas de la beatscene angelina, las texturas, los filtros, y los tratamientos vocales del sur… eran ingredientes que entraban en la coctelera de su MicroMaschine para tener el sonido orgánico y el groove que actualmente caracteriza su música. Así nos lo reflejaba el mismo en la portada de «Mellow Mood», su último trabajo en solitario publicado en 2015.

Con un ritmo equilibrado y con vibraciones cocinadas «Home Brewed» como el EP que publicó junto a KFS que fue motivo de entrevista en CryptaMag, Ochoa se ha perfilado en los últimos cinco años como un productor con una identidad clara y un sonido reconocible. Ha seguido publicando trabajos por su cuenta mientras se dejaba ver en algunas beattapes nacionales, con Dope Galante & Bobby P, Vera, Priteo, en «El Factor Humano» de El$$o Rodríguez, y especialmente con el rooster de Check It Out Films, esa nueva familia madrileña que forman Ele, A. Cheeze, Sticky Sánchez y Javier Laocoonte, y que tiene vistas a ampliarse. Puedes comprobarlo en el EP «BIRD» que publicó junto a A.Cheeze, o en sus contribuciones a «RÉSUMÉ EP», el último trabajo de CIO que filtramos en CryptaMag

Te dejamos con el beat inédito que ha cedido al templo Respect Da Architects en el que tributa a Master P. Próximo Viernes 19 de Octubre en directo en Madrid, ¡pilla tu entrada en HipHopTickets!

 

Architect 13: ZeroCabrera

Respect Da Architects Zero Cabrera (Basto Design)

Bandcamp: HIDDENTRACKSOUND

Diseño por Basto.

Compra tu entrada para Respect Da Architects 3 (19 Oct 2018 – Sala Boite)

_

ECLÉCTICO
PROGRESIVO
ATMOSFÉRICO

___________________________________________________

 

Vídeo por Fat Morales (Excuse moi): Realización, edición y postproducción de video.
Baldskull: Edición de video y postproducción de audio.

ZeroCabrera es uno de esos prolíficos productores de Sevilla cuya música siempre está en constante evolución, como consecuencia de investigar estilos y llevarlos tan cerca del límite que parecen perder su identidad. Es curioso que los focos de los medios y las bases de datos no hayan sido capaces de detectarle entre las sombras, a pesar de que le amparan alrededor de 20 trabajos la mayoría de ellos publicados bajo su propio sello HIDDENTRACKSOUND en activo desde 2011. Te contamos algo más sobre el productor andaluz, con motivo de la celebración del Respect Da Architects 3 el próximo 19 de Octubre de 2018 en la Sala Boite de Madrid.

El primer LP que lanzó ZeroCabrera a través de HIDDENTRACKSOUND fue en colaboración con el productor Akme en 2011 y llevaba por tíulo «Pedagogía Crítica». Paralelamente comenzó a participar en las STBB, las beat battles que se organizan en el foro de Stones Throw. Por aquella época le pudimos escuchar en «Overdrive» (2011, MOGRA Empire), el disco que S Curro publicó con el subtítulo de ‘Los remixes de Distorsión’, o poniendo un beat a Puto Largo en «Mi Toque de Color» (2011, BOA / SFDK Records) en su feat con Celedonio

Desde entonces su música no ha dejado de explorar frecuencias y vibraciones que maman del rap, la beatmusic, el rock, el trip-hop, y la lista podría de estilos continuar infinitamente como puedes comprobar si paseas por su catálogo. Varias colaboraciones con La Desgracia en Compañía o Flouido, y obras en su mayoría conceptuales a las que los artworks y la imagen equiparan en importancia a la música. También ha sido uno de los activistas de la escena alternativa de Sevilla y Andalucía, a la que es difícil poner un principio y cuyo fin no parece estar a la vista.

Mientras forjaba su personalidad como artista, tenía tiempo de colaborar con Andaluces en el Espacio, BSN Posse & Skill Joseph, Hijos del Agobio, LADROGA Lab & afiliados (desde Pedro LaDroga & SZ a BLOODY-SHAO) y más recientemente con Sara Bee en su último trabajo «Promise EP» publicado por Delpalo. Sobre las tablas se ha dejado con ver con prácticamente todos estos artistas, estuvo invitado por Elphomega para celebrar el 10º Aniversario de su carrera discográfica, y más recientemente participó en la presentación de «Memphis» de LADROGA Lab donde también estaban $pace $urimi.

Para empezar a investigarle puedes decantarte por trabajos cercanos a las beattapes como «Beat Revenge» a la que acompaña un vídeo secuenciando en el basement,  o «La Trilogía del Deceso» (también en colaboración con La Desgracia en Compañía), o puedes optar por dejar volar tu imaginación con sus paisajes sonoros como en «Tete Khauri» (2015) aunque nuestra recomendación si quieres introducirte en su música es que empieces por su último LP «Microclima» publicado en 2017 en el que todas sus influencias quedan latentes. 

Sin embargo más significativo nos parece reseñar que para sus creaciones utiliza desde secuenciadores hasta teclados, además de tocar el bajo, la guitarra, incluir capas vocales y cantar. Lo has podido comprobar en el vídeo que nos ha cedido para promocionar Respect Da Architects, y si te has quedado con ganas de más puedes vivirlo el próximo 19 de Octubre en la Sala Boite de Madrid, o ver los lives que hay en el canal de YouTube de HIDDENTRACKSOUND.

Respect Da Architects: Glue Kids + Miguel Grimaldo + Ochoa & Sticky Sánchez & HardeeJay + Zero Cabrera + Grimer Loner 19/10/2018 (Sala Boite, Madrid)

Póster del evento Respect Da Architects 3 organizado por CryptaMag. Diseño por Basto Design

Diseño por Basto.

Cuatro años después de abrir las puertas del templo Respect Da Architects, el próximo Viernes 19 de Octubre se celebrará la 3ª Edición organizada en colaboración con Smooth Note, de nuevo en la Sala Boite de Madrid. Para esta ocasión contaremos con Miguel Grimaldo, el primer Architect en repetir, y sumaremos al fichero a cuatro nuevos artistas: Glue KidsZeroCabrera, Grimer Loner Ochoa, que estará acompañado por Sticky Sánchez al saxofón y nuestro hombre HardeeJay al turntablism. 

Ha pasado casi un lustro del primer Respect Da Architects y el panorama en cuánto a beatmakers y productores ya está consolidado en lo musical, no así desgraciadamente en lo económico como reivindicaba $kyhook delante de las cámaras de ElBloqueTV. Tras LOFUKI Festival, el concierto de Organic Name (Ébano & Zevex) con Ergo Pro presentando «Bone Fortuna EP», y la presentación de «El Factor Humano» de El$$o Rodríguez, en CryptaMag recuperamos uno de nuestros pilares para seguir visualizando el trabajo de los beatmakers y productores, el elemento imprescindible en todo este ‘triunfo’ del rap y la escena urbana de España.

‘So Respect the Architect, as I Begin to Build’

Como manda el ritual Respect Da Architects, en los próximos días colgaremos un artículo de cada uno de ellos, que irá acompañando de un beat y vídeo exclusivos, y un cartel personalizado. Entre tanto, repasa la filosofía de nuestro evento y repasa el gran trabajo que hicieron los anteriores 12 arquitectos.

1987

Mientras que algunos de los miembros del STAFF pataleábamos y llorábamos (incluso alguno no podía hacerlo pues no había nacido) Biz Markie lanzaba por el sello Prism un single junto a T. J. Swan llamado Nobody Beats The Biz, lo producía Marley Marl. Una de las barras que cerraban aquella canción, con la que Biz Markie no tenía más intención que vacilar, se convertiría años más tarde en una reivindicación, -so respect the architect, as I begin to build.

1995

Segundo volumen de Guru y su serie Jazzmatazz, subtitulada «The New Reality». Guru había dado un giro de tuerca al concepto de jazz-rap que se le atribuyó a la música de Gang Starr. Ese disco recogía un corte llamado Respect The Architect en el que colaboraba Bahamadia, el gran pianista Ramsey Lewis, y Dj Scratch usaba la frase de Biz Markie para abrir el corte, ‘so respect the architect, as I begin to build. Aquella frase reivindicaba que se respetara a los architects, a los originators, a los creadores originales.

2003

Habían pasado dieciseis años desde la frase de Biz Markie y treinta años aproximadamente de la fiesta de Kool Herc. El rap se había consolidado como género tanto en el espectro musical como en el de la industria. En pleno debate sobre la pérdida de pureza y la necesidad de volver al sentimiento original (debate aún, y eternamente existente) el mc, productor, y dj de origen coreano pero residente en San Francisco, Kero One, lanzaba el single Check The Blueprints. Muy influenciado por la música de Guru, Premier, Q-Tip, y otros artistas de corte jazzy durante toda su vida, reivindicaba el respecto por los arquitectos, fuera cual fuera su condición (mc, productor, o dj) no tanto por ser los originators, como por el amor y el cuidado por la creación.

RESPECT DA ARCHITECTS LIVES

Entrevista a TucXone Records

Tucxone Records lleva ya casi un lustro lanzando estupendas muestras de soul, reggae y afro. De las paredes de su estudio de grabación, ubicado en el castizo barrio de Carabanchel, cuelgan los retratos de Otis Redding, Lee “Scratch” Perry y Fela Kuti. La santísima trinidad del ideario estético de esta disquera madrileña, fundada y regentada por Alberto “Tuco” Peces y Génesis Candela. Concebida como una disquera a la vieja usanza, Tucxone no conoce atajos y busca su sonido tratando de ser lo más fiel posible a su filosofía: cuenta con estudio analógico, dos house bands y edita todos sus lanzamientos en vinilo. El último de ellos, «Wishes & Wants», de Shirley Davis & The Silverbacks, será presentado el próximo sábado 1 de septiembre en el LOFUKI Festival, en Móstoles.

Bajo la atenta mirada de Otis, Fela y Scratch, Génesis responde a nuestras preguntas y nos ofrece una versión nada dulcificada de la pasión, el trabajo y los sacrificios que suponen mantener una empresa como esta. En la atmósfera planea el espíritu de Tuco, su partner in crime, que no ha podido reunirse con nosotros por encontrarse fuera de Madrid.

‘Si te comprometes con algo, sólo hay una forma de hacer las cosas’

· Génesis

Lutxo Pérez: Me ha encantado ver que en vuestra página web os definís como un proyecto “por y para frikazos” y quería empezar por ahí. Cuéntame algún recuerdo que tengas asociado con el comienzo de tu pasión por la música negra.

Génesis: En la música negra empiezo con el reggae. Y a raíz del reggae es donde conecto con la corriente americana. En realidad, yo provenía del metal. ¡Provenía del death metal! Y hubo un momento, a mis 16 años, que dije, ‘joder, estoy cansado. Coincidió con la película ‘American Story X’, que hay un momento en que Edward Norton dice, ‘estoy cansado de estar enfadado. Esa frase se me quedó resonando y dije: ‘ostia, es verdad, yo también estoy cansado de estar enfadado. Ahí fue donde llegué a la mítica, a Bob Marley. Y a raíz de Marley: Burning Spear, Jacob Miller… Y vas retrocediendo: Alton Ellis, Carlton & The Shoes… Vas viendo las versiones que hacen de canciones de Estados Unidos… Esa fue mi puerta de entrada. Pero sobre todo a raíz de eso, de estar cansado de estar enfadado. (Risas).

L: ¿Cómo os conocisteis Tuco y tú, y cuándo surgió la idea de fundar Tucxone? Creo que cada uno tenía su estudio y decidisteis fusionarlos.

G: Los dos trabajamos en Radio Nacional de España y los dos somos un poco tarados de la música. La plantilla de Radio Nacional es muy grande. Si te digo que conozco al diez por ciento seguro que exagero. Pero los dos acabamos trabajando en el mismo departamento, en grabaciones musicales, y ahí es donde nos conocimos. En ese momento, él ya estaba con su estudio, su pedrada, su proyecto, sus movidas… Y yo con el mío. Igual nos tiramos seis años trabajando mano a mano, sabiendo uno lo que hacía el otro y hablando a diario de, ‘joder el reggae, joder el soul, joder el afro. Hasta que él tuvo que vender su estudio, porque lo tenía en casa de su viejo en el pueblo.

Tuco tenía un proyecto más serio que el mío porque estaba con Pyramid Blue y con Tasty Grooves. Él había empezado a encontrar su camino y yo estaba más a trabajar en un estudio de grabación al uso. Cogía proyectos de lo que me venía, aunque mi afición personal iba con el reggae y el soul. Entonces él tuvo que vender su estudio y fue como, ‘joder, pues vamos a juntarnos. Y así empezó la historia.

L: ¿La idea que tuvisteis al principio se parece a lo que ahora es Tucxone?

G: Sí… Sí pero, claro, al principio no tienes ni la más remota idea de adónde te va a llevar. No has hecho un proceso de investigación… Sí, ‘vamos a hacer un sello a lo Daptone. ¿Qué significa eso? De hecho, si Tuco estuviera aquí estoy seguro de que te contaría que estaba de pedo, en casa de Edu -el guitarrista de Los Silverbacks-, cuando se le ocurrió la idea de ‘vamos a hacer un sello. Y detrás, nos sumamos todos al carro. Porque, lo que sí es cierto es que Tuco es la fuerza motriz, es el pegamento que nos mantiene unidos, es el Braveheart, el William Wallace de Tucxone.

L: Me gusta que menciones a Daptone. Recuerdo hablar con Tuco y oírle mencionar a Daptone y Muscle Shoals como influencias que han sido importantes para vosotros. Además, aquí sentados nos observan Lee Perry, Fela Kuti y Otis Redding. Y quería que me hablaras de eso, de vuestros referentes “intelectuales”.

G: Stax. Stax es nuestro máximo referente, quizá incluso más que Daptone. Tanto en lo que se refiere al sonido como al método de funcionamiento. Pero como también tenemos nuestra vertiente jamaicana, también son referentes Channel One, Studio 1, Black Ark. El que más nos mola, tanto a Tuco como a mí, es Channel One. Black Ark es un poco más lo-fi, un poco más loco y Studio 1 abarca tanto que es difícil darle un sentido estético. Pero Channel One sí, tiene un sonido distintivo. El sonido con los Roots Radics, por ejemplo, en cuestión reggae, es nuestra principal referencia.

Y en el afro, quien se salta a Fela Kuti (risas). Dices que nos observan y es que están escogidos. Este es el puto genio que inventó el dub (señalando el retrato de Perry), por así decirlo. Y Otis es la cúspide del soul tal y como nosotros lo entendemos.

L: Una de las cosas más identificativas de Tucxone es que habéis puesto mucho empeño en  construir un estudio analógico. Muchos lectores de Crypta son frikis del sonido, los estudios, los trastos. Háblanos un poco del estudio.

G: ¿Un poco? (Risas) Un poco, dices.

L: Bueno, háblanos cómo es vuestro estudio y de algún aparatejo al que tengáis especial cariño.

G: Te diré lo que nos dijo el otro día nuestro técnico de mantenimiento, Luigi Gaona, de forma bastante certera: sois el único estudio que conozco que estáis empeñados en sonar cada vez peor. Tengo que decir que sin él esto no podría existir, porque él es el que lo mantiene funcionando. Algo que no siempre es fácil.

En este mismo momento, tenemos un grabador Telefunken AEG de los años 80, una mesa Amek Angela también de los 80, quizá un poco posterior, de los ochentas tardíos. Y justo ahora mismo acaba de entrar en el estudio un MCI, que seguramente esté fabricado en los 80, a principios, pero que su diseño está inalterado desde mediado de los años 70. También acaba de entrar por la puerta, os lo habéis cruzado al entrar, un cajón con una mesa Auditronics Grandson, que es el mismo el mismo modelo de mesa que instalaron en Stax. Así que es eso, volvemos hacia atrás.

La mesa Altec 1567 es otra parte también bastante identificativa del sonido Tucxone, si es que hemos podido dar con algo que se pueda llamar así, seguimos en la búsqueda. Es un aparato que tienen otros estudios contemporáneos que son referente, como -un, dos, tres, responda otra vez- Daptone Records. Es una mesa americana en formato rack que son cinco canales A1. Son cinco previos de válvulas, con transformador. Con transistores en vez de válvulas me gustaría igual. Lo que define su sonido es más el transformador que la válvula. Y ese es otro de los elementos clave en nuestro sonido.

Luego hay otra serie de cacharros que aportan mucho al sonido, como los ecualizadores Tube-Tech, que son una recreación moderna de un clásico que se llama Pultec. Otra cosa que utilizamos en todo lo que hacemos es la reverb de muelles de dos canales Orban 110A. Eso vale su peso en oro.

L: Creo que es un poco atrevida la pregunta y creo que más o menos me la has respondido al hablar de la búsqueda de vuestro sonido pero, ¿por qué tanto empeño en construir un estudio tan específico con aparatos desfasados?

G: Porque si te comprometes con algo, sólo hay una forma de hacer las cosas. No hay dos maneras. Se hace así. No lo puedes hacer de otra forma.

Me he explayado mucho con el estudio, pero la parte más importante son los músicos. Tuco te haría mucho énfasis en ello. Él, sobre todo, que es el productor, ha trabajado mucho, mucho, mucho y muy estrechamente con los músicos. Tan estrechamente que ha sido agobiante. Porque, claro, ellos son gente que conoce su trabajo mucho mejor que tú. El baterista, Jorge Suárez “El Canario”, igual lleva tocando la batería, no sé, treinta años. ¿Cómo le vas a decir a una persona con ese bagaje cómo tiene que tocar? Pues ha habido que hacerlo. Ha habido que decirle, ‘no tío, esto no se toca así, se toca asá. Ha habido que meterles en vereda. Porque no todos escuchaban soul. Había quien escuchaba rock, había quien escuchaba jazz… Son otros lenguajes y no eran muy conocedores del lenguaje del soul. Los músicos de Daptone, los Dap Kings, son impecables, conocen el lenguaje del soul al dedillo. A Los Silverbacks ha habido que condensarles un proceso que Tuco y yo hemos hecho a lo largo de muchos años y muchas horas de escucha. Hasta que al final han entrado y hasta el día de hoy, que tenemos una banda que es una apisonadora.

L: Te iba a preguntar por ellos, por Los Silverbacks, que han puesto las instrumentaciones a varios de vuestros artistas. ¿Funcionan como una house band de toda la vida? ¿Cómo los Funk Brothers en Motown?

G: Como los Funk Brothers no porque no salían del estudio.

L: Bueno, como los Bar-Kays.

G: Sí, serían como los Bar-Keys en Stax. Los músicos que iban con los artistas de la escudería. Son los que lo han hacen todo. Hasta ahora, que nos hemos visto en la necesidad de crear una segunda banda porque tenemos varios artistas girando y les coinciden bolos.

Pero ¿quién hemos pillado?, pues los sustitutos de Los Silverbacks, The Black Belts, que no llegan de nuevas. Forman parte de la salsa. (Risas).

L: El último lanzamiento de Tucxone, con instrumentación de Los Silverbacks, es de Shirley Davis: «Wishes & Wants», su segundo trabajo con vosotros. Quería que me contaras cómo os conocisteis, creo que ella es australiana.

G: Ella es londinense, se va a vivir a Australia con 16 años porque se enamora del que sería su marido. Se va a vivir allí, se embaraza, se separa…

Ella era muy fan de Sharon Jones y la abordó en un concierto que hacía en Australia. Así se hicieron amigas. No de las que hablan todos los días, pero sí con cierta regularidad. Entonces Shirley fue a visitar a su hija a Londres, que estaba estudiando allí, y coincidió con un concierto de Sharon Jones & The Dap Kings. En el concierto, Sharon le propuso hacer con ellos la gira europea.

L: ¿Como cantante invitada?

G: No, solo como groupie, como invitada.

El caso es que la gira de Sharon Jones tenía una fecha en Madrid y la plana al completo de Tucxone y Los Silverbacks (risas) acudimos para rendir pleitesía. En un momento del concierto, Sharon sacó al escenario a varias personas del público y una de ellas era Shirley. La gente subió a bailar, pero Sharon pasó el micro a Shirley. Entonces Tuco y yo nos miramos y dijimos, ‘¡hostia!. Sharon fingió que no la conocía, como si fuera una espontánea, y le preguntó cómo se llamaba, supongo que para ayudarla a promocionar su carrera. Y dijo, Shirley Davis. Apuntamos el nombre mentalmente y esa misma noche lo hablamos. ‘Vamos a buscarla, ¿vivirá en Madrid? Joder, sería la hostia que viviera en Madrid. La encontramos y la escribimos un mensaje. Nos contestó y nos contó su historia, que vivía en Australia… Pero nos dijo, ‘me interesa lo que me estás contando, me voy a vivir a Madrid. Y dijimos, ‘¡joder!, (largo silencio) ¡Pues venga, pues vale, vente para Madrid!.

L: ¿Estáis contentos con el segundo disco?

G: Pues no estamos súper contentos, la verdad, porque el proceso ha sido difícil. Una de las cosas que tenemos en Tucxone es que abarcamos mucho, desde el proceso creativo hasta contratación de las giras. Es todo. Todo, todo, todo… Entonces, se produce un desgaste en lo emocional.

Lo que más desgaste produce es la situación en las giras. Se cobra muy mal. Los músicos lo pasan fatal, malviven. Tienen mucha tensión. Entonces, la grabación de este álbum se hizo con bastante tensión en el estudio. Con lo cual, se hizo un poco deprisa. La grabación no acabó de ser lo que tenía que haber sido. Y te toca arreglarlo en postproducción, en la mezcla.

Hemos repetido las mezclas de «Wishes & Wants» cinco veces enteras. Cinco veces de coger, hacerte el disco entero una vez, escucharlo, madurarlo un poquito y decir, ‘no tío, no lo tenemos. Y volver aquí y empezar de cero. No es esto de ‘ah, te hago un retoque’ y eso lo cuento como una mezcla. No. Te estoy hablando de hacer cinco veces el proceso entero.

El disco tenía que haber salido en noviembre del año 2017 y ha salido en abril de 2018. Eso te dice el tiempo que hemos pasado aquí Tuco y yo, mano a mano. Eso ha también ha tensionado la situación con los músicos. Además, es el mismo momento en que ha nacido los Black Belts, que ha generado un poco de celos entre el hermano pequeño y el hermano mayor. Por suerte, las aguas han vuelto a su cauce y ya está todo el mundo hecho a la situación y a que este es el disco que hemos sacado, dadas las circunstancias.

Además, la última mezcla que hemos hecho ha sido todo un descubrimiento. Hemos hecho una serie de avances y descubrimientos con procesos que nunca habíamos hecho. Hemos hecho un proceso psico-acústico… Yo lo oigo. No sé si la gente oye «Wishes & Wants» y lo compara con «Black Roses» y oye la diferencia. Para mí hay mundo entre los dos discos. Gracias a estos trucos de psico-acústica hemos salvado el disco. Porque estuvimos a punto de no sacarlo, de volver a convocar a la banda y volverlo a grabar.

L: Quería hablar también de vuestra faceta reggae. Hace un año habéis un año y medio habéis sacado un discazo, «Inner Calling» de Marcus I & The Tucxone. Quería que me hablaras de él y también de la faceta de Marcus como compositor de casi todos los temas de vuestra discografía.

G: Un 80% del catálogo de Tucxone Records lo han escrito entre Eduardo Martínez y Marc Ibarz. Varía el porcentaje de cada uno. Por ejemplo, la música de ‘Wishes And Wants’ está prácticamente compuesta en su totalidad por Eduardo Martínez. Marc Ibarz se ha sumado componiendo alguna letra a canciones que ya estaban bastante acabadas. «Black Rose» es al contrario. Las ideas de casi todos los temas eran de Marc, su guitarra y su voz, y ha llegado Edu y ha hecho una orquestación para banda de soul. Va variando. En el próximo lanzamiento que vamos a hacer hay otros compositores. Tuco se ha metido a hacer algo de composición y el teclista de Los Silverbacks, Lucas Duplá, también. Y el cantante, J.P. Bimeni, ha escrito una de las letras.

Sin embargo, en Marcus I & The Tucxone Army sí son los temas de Marc. Y la música, los riddims, ha sido un trabajo de Tucxone Army. Ellos han orquestado el disco. No sé si me entiendes con orquestar. De un tema de guitarra y voz han hecho un riddim.

L: ¿En ‘Inner Calling’ buscabais el sonido Channel One del que hablabas al principio?

G: Sí. No lo hemos logrado, pero era lo que buscábamos.

Nuestro proceso es el de prueba y error. Nos pareció un discazo. Mejorable, muy mejorable, pero un discazo. De esto va la cosa, ir produciendo y llegar a nuestro máximo en este momento, dadas las circunstancias. Sin aferrarse demasiado.

A día de hoy, si grabáramos otro disco de reggae… De hecho, has escuchado lo que hemos hecho con Mighty & The Megatons. Lo edita Liquidator pero tiene que ver con Tucxone en que el baterista es Tuco, se ha grabado aquí y tiene el sonido de aquí. Eso, estilísticamente y estéticamente, está más acorde a lo que queríamos lograr que en el caso de Marcus I & The Tuxsone Army con el sonido Channel One. A día de hoy, si grabáramos un disco de roots reggae, lo afinaríamos mucho más.

L: Ya has hablado de vuestro próximo lanzamiento, un LP de J.P. Bimeni & The Black Belts,  pero quisiera que nos presentaras a J.P. y que nos contaras un poco más del disco.

G: Él es de Burundi y ha sobrevivido al genocidio entre hutus y tutsis. Hasta en tres ocasiones le ha pasado por encima la guerra y no te puedo decir que ha salido sin ningún rasguño, porque tiene unas cicatrices que asustan. Eso en lo físico. En lo psicológico, asombra la positividad y lo amable y lo encantador que es pese a haber vivido estas experiencias. Haber salido adelante como la persona que es demuestra que tiene algo que es especial. Y eso se demuestra en su forma de cantar.

No tiene una técnica vocal del carajo, pero nos indicaron, ‘escucha esto, te va a gustar. Él tiene un tributo a Otis Redding en YouTube. Lo escuchamos y dijimos, ‘hostia, esto es creíble. No sé por qué, pero me lo creo. Con todo lo que Tuco y yo hemos rajado de los tributos. Pero vimos el de J.P. Bimeni y pensamos que era creíble. Es un tío que interpreta a Otis y resulta natural. Luego lo analizas y la banda no te gusta, lo que te gusta es esta persona. Le ves y es un tío con presencia escénica, alto, guapo… Y con una voz que no tiene una gran técnica, pero tiene el sufrimiento de todo lo que ha pasado. De alguna forma, ese sufrimiento se trasmite a partir de su voz. Tiene esa voz rota… a lo Otis. Es eso, tío, tiene algo muy especial. Trasmite.

Todo el mundo lo ve. Hemos recibido unas críticas de la hostia. Dj Yoda, Laurent Garnier, Craig Charles… Y ahora mismo está petándolo en la BBC. Desde la salida del disco hasta mucho más allá, tiene todo octubre y todo noviembre petado de entrevistas en la BBC. La gente que lo escucha señala eso, todo lo que trasmite. Es especial.

L: Cuéntame algo que me haya podido dejar en el tintero, cosas en las que estéis trabajando.

G: Pues lo próximo en lo que nos estamos metiendo es el Latin Soul. A raíz de haber tocado en (el festival) Black is Back, compartiendo cartel con Joe Bataan. Joe Bataan nos dijo que nos grababa un disco gratis (risas generalizadas).

Eso es lo que nos dijo. Luego la realidad ha demostrado ser otra. Al margen de que sea con Joe Bataan o no, estamos trabajando en la banda. Tenemos preparado un single que aún no hemos grabado. Estamos a ver si nos da tiempo a reconfigurar el estudio antes de grabarlo.

Después de grabar este single, tenemos pensado grabar otro disco de reggae a Marcus I. Nuestra idea es hacer a Marc aquí su ‘Catch A Fire’. Grabar una banda de igual quince músicos, con sus tres percusionistas, batería, piano, órgano… Igual los coros queden para luego. Pero la intención es hacer un disco de reggae de esos de decir, ‘¡aguanta!. Y no con sonido actual, sino hacernos no sé si un Island Records, que a nivel sonido no es nuestro referente, sino un Marley en la época Black Ark.

L: Para ir terminando, quiero volver al tema personal. ¿Cómo compatibilizáis Tuco y tú tener este mastodonte de empresa a nivel familiar y económico?

G: Pues mal (risas generalizadas). Mal, fatal, muy mal. Combina muy mal. Los dos hemos sido padres. Tenemos que atender al trabajo alimenticio, en Radio Nacional, y hay que atender la familia, las amistades… además de llevar la empresa.

Tengo que decir, y Tuco estaría de acuerdo, en que la empresa la llevo yo. Él se dedica a la producción discográfica. No es que sea menos trabajo ni menos duro, pero estaréis de acuerdo conmigo en que es la parte bonita (risas). Yo me llevo la parte de administración, gestión… Mantener esto funcionando.

Y la parte económica mal. Hombre, vendemos discos. Eso nos salva, es lo que nos mantiene a flote. Porque los cachés de las bandas no dan como para que nos llevemos un porcentaje. Casi todo sale de nuestro bolsillo, de nuestra nómina de Radio Televisión Española. Eso es lo que mantiene Tucxone funcionando. Hay quien prefiere comprarse videojuegos, videoconsolas, irse de viaje a Vietnam o comprarse un Audi. Nosotros no, nosotros tenemos esto. Y esto es lo que hacemos para desgracia de nuestras mujeres (risas), que les gustaría irse a Thailandia.

L: Última pregunta. Me gustaría que me dijeras cosas que escucháis, que os interesan. Artistas, sellos…

G: A día de hoy, lo único que escucho es ‘El Señor Don Gato’. Con mi hijo, tío, cuando llego a casa, no escucho una mierda. En el coche llevo la discografía completa de Stax, la discografía completa de Daptone, Truth & Soul, Big Crown… En el curro escucho mucha música, pero de todo y (baja la voz) casi todo malo (risas). Lo que traen a Radio 3. Y en mi casa, el puto ‘Señor Don Gato’. Es lo que hay.

Fotografías por JCJ Photo

Entrevista por Lutxo Pérez.

Biografía Thundercat Parte II

JAZZ VOYAGES XVIII
Thundercat, inspirando a una generación

Todo héroe tiene un maestro, una figura inspiradora que le haga conectar con su auténtica luz y le guíe a la hora de romper sus límites. Un Kaito, un Roberto Sedinho, un Obi Wan, o un Flying Lotus aka Cu-Berbil en la historia que protagoniza Thundercat aka Leon’ O, de nombre de pila Stephen Bruner.

Ya te contamos como siendo un adolescente ganó en 1999 el concurso de jóvenes talentos John Coltrane Music Competition junto a Kamasi Washington y el resto de los Young Jazz Giants, y sus aventuras como sideman con Sa-Ra Creative Partners, Snoop Dogg y Erykah Badu. Retomamos esta biografía unofficial de Thundercat tras su primer encuentro con Flying Lotus, y te contamos como a nuestro parecer este vínculo es uno de los fundamentales en el desarrollo de la nueva escena del jazz. Para acompañar la lectura nada mejor que escuchar nuestra mixtape I Wish I Have Nine Lives. con 26 clásicos y rare tracks en los que ha participado.

 

THUNDERCAT MEETS FLYLO

Zodiac Shit fue el primer tema que materializaron mano a mano Thundercat y FlyLo, y sin que ellos lo supieran construyeron una especie de StarGate para su permeable jazz experimental con background de hip-hop (o viceversa). Si escuchamos el resto de temas que han firmado desde entonces, Zodiac Shit suena incluso primitivo. Está vertebrado como beatmusic, suena a programación, y más cerca de la cuantización que de lo orgánico. Marca el límite de una época, la de «1983» y «Los Angeles» (2006, Plug Research – 2008, Warp Recordings). Aquello solo fue un tímido roce entre dos energías creativas que armonizarían a la perfección.

El resto de apariciones de Thundercat en «Cosmogramma» tienen su origen en otra dimensión, una en la que la música, conocimientos, e imaginación de ambos ya habían comenzado a retroalimentarse. La primera gran aportación de FlyLo a la música de Thundercat fue guiarle en el arte del registro y la producción. En contrapartida, Thundercat impregnó de musicalidad la beatmusic de FlyLo haciéndola más orgánica y progresiva. El broche perfecto para el comienzo de esta simbiosis es Galaxy in Janaki, en la que Thundercat comparte junto a Rebekah Raff y Miguel Atwood-Ferguson el honor de fluir sobre las últimas respiraciones y pulsaciones de la madre de FlyLo.

Su segunda gran aportación fue sembrar una nueva semilla en la creatividad de Leon’ O, haciéndole la misma recomendación que Peanut Butter Wolf hizo a Aloe Blacc y Mayer Hawthorne: empieza a cantar. Así Thundercat encontró en su falsetto el acompañamiento armónico y melódico perfecto para su virtuosismo como bajista. Dance of The Pseudo Nymph y MmmHmm son buen ejemplo de ello, tanto fue así que la segunda la reversionó después en su álbum debut «The Golden Age Of Apocalypse» como coda del corte Is It Love? suprimiendo el enfoque electrónico de la original.


Para la crítica especializada más ortodoxa «Cosmogramma» estaba más cerca del jazz y la electrónica, experimental en ambos casos, que del hip-hop instrumental o beatmusic. Para la crítica jazzística, los directos de FlyLo en los que empezaba a rodearse de músicos como el mismo Thundercat, Kamasi Washington, o su primo Ravi Coltrane, no era jazz de verdad. Una vez abierto el debate en la crítica, era el momento de preparar el debut de Thundercat, un disco que liberó a una nueva generación de músicos que tenían (y tienen) mucho que decir en el devenir del jazz y el hip-hop. 

 

THE (NEW) GOLDEN AGE OF JAZZ

Thundercat se convirtió en el protégé de Flying Lotus, su sello Brainfeeder en el laboratorio, y «The Golden Age of Apocalypse» en el primer experimento. La lista de músicos debían ser aquellos que ya estaban cuando siendo menor de edad Stephen ganó concurso inspirado en la figura de John Coltrane. Los mismos con los que compartió aventuras en la Alexander Hamilton High School, giró con Snoop Dogg a principio de milenio, y fluyó en los clubs de jazz y estudios de Los Angeles: los baterías Chris DaveRonald Bruner Jr (su hermano mayor), los teclistas Cameron Graves y Brandon Coleman, y el saxofonista Kamasi Washington, quién en aquella época ya había recibido la propuesta de Flying Lotus de grabar un trabajo para Brainfeeder. Por otro lado, había que contar con los productores que habían trabajado anteriormente con Stephen como Shafiq Husayn y Brook D’Leau, e introducir a otros jóvenes talentos que compartían esa inquietud transgresora, como Dorian Concept, Miguel Atwood-Ferguson, o el difunto Austin Peralta

Probablemente Kevo Sassouni no sabía que su portada simbolizaría tan bien lo que «The Golden Age of Apocalypse» supuso más allá de la música que contiene. La historia permite una relectura del título del álbum con el Apocalipsis del, como decía la crítica jazz de verdad, en favor de una Época Dorada que estamos viviendo y cuyo potencial ahora que están germimando las semillas es inimaginable. Con el amor como bandera, Thundercat exploró su nueva faceta como cantante con ese falsetto tierno, cercano, y más influenciado por el gospel que por el r&b, para mezclarlo con infinidad de estilos y tendencias que sería absurdo nombrar. Pero los grandes héroes como Leon’ O se construyen no sólo con sus hechos, ni sólo con sus números; se construyen con su ejemplo. Armado con su bajo de seis cuerdas, rodeado de su gente y con un Cu-Berbil que le guie mediante la tecnología por un nuevo mundo que explorar, Thundercat inconscientemente hizo que «The Golden Age of Apocalypse» se convirtiera en una especie de Ojo de Thundera que libera a su pueblo.

‘Estábamos haciendo muchos conciertos como acompañantes de otros artistas, y nos habíamos resignado al papel de sidemans. Pero luego vino Thundercat, uno de los más jóvenes de nosotros, y salió de eso para hacer su propio trabajo. Eso nos inspiró a todos, estábamos muy orgullosos de él.

Durante años habíamos hablado de lanzar nuestra propia música pero ninguno lo había hecho. Cuando lanzó el álbum, sentí que había abierto una puerta que estaba cerrada’

· Kamasi Washington

Tras la publicación del disco sucedieron dos cosas. La primera, Thundercat recibió una llamada y al descolgar el teléfono, Snoop le cantó Daylight: ‘Ooooopen youuuuuur miiiiiind, Daylight!!, mensaje que debió calar hondo en la mente de Kamasi Washington, porque la segunda cosa que sucedió estructuraría buena parte del registro y enlaces del nuevo jazz.

«The Golden Age Of Apocalypse» vio la luz un 29 de Agosto de 2011, y en diciembre Kamasi Washington, el resto de la West Coast Get Down, y otros músicos de jazz de la costa oeste reservan un estudio durante todo el mes de Diciembre en el que graban 190 canciones. Kamasi guardará 45 para sus proyectos personales, y 17 de aquellas grabaciones son las que escogió para «The Epic» que vería la luz cuatro años después de ser grabado, como varios discos paradigmáticos del jazz sirvan de ejemplo el «Bird & Diz» de Charlie Parker y Dizzy Gillespie o el «The Birth of the Cool» de Miles Davis.

Otras tantas de esas grabaciones están repartidas en los discos de otros miembros de la WCGD como Ronald Bruner Jr, Cameron Graves, el contrabajista Miles Mosley, el trombonista Ryan Porter, y como caso más reciente Chris Dave con «Chris Dave And The Drumhedz» publicado a principios de año por Blue Note y el sello independiente Glow 365. Muchos de los discos de la WCGD han sido publicados por Alpha Pup Records, el sello del ingeniero y productor Daddy Kev, o han sido mezclados por él. Si quieres leer más sobre la influencia del ingeniero y productor en la renovación del sonido del jazz puedes leer más en esta entrevista de Forbes

‘La beat scene fue el centro gravitacional, al menos en Los Ángeles, y fue en Low End Theory. Esos chicos empezaron a venir. Fue repentino y ya nunca volvió a ser FlyLo con su portátil, era FlyLo y Thundercat, un único espectáculo. La siguiente vez, FlyLo, Thunder y Ronald Bruner Jr. La siguiente vez llevamos a Kamasi Washington. Estábamos haciendo eso una y otra vez’

· Daddy Kev

Paralelamente a «The Golden Age of Apocalypse» de Thundercat, Brainfeeder publica «Endless Planets» de Austin Peralta (grabado en 2009), «Ardour» de Teebs, «Creature Dreams» de TOKiMONSTA, y «Place in my Heart» de Taylor McFerrin. Conseguía así que Brainfeeder fusionara la beatmusic y las nuevas inquietudes del jazz, y que las Low End Theory Nights que organizaba codo con codo con Daddy Kev fueran su escaparate en vivo.

El disco transmite ese espíritu de jam, pero con el alma del siglo XXI y no de un club del Harlem. Progresiones de bajo, modulaciones de sintetizador, percusiones programadas y rides orgánicos se fusionan en «The Golden Age of Apocalypse» y su espíritu de jam se contagia al resto de artistas. 

Tras la insistencia del teclista Austin Peralta (según declara FlyLo) algunos de los músicos de Brainfeeder empezaron a funcionar en el estudio como una banda de jazz, y ese sistema de trabajo tuvo su resultado al año siguiente con la publicación en septiembre de 2012 de «Until The Quiet Comes» de Flying Lotus.

No era sólo FlyLo, igual que ya no era solo él en las Low End Theory Nights. El productor angelino dio rienda suelta a la imaginación de los jóvenes talentos de su roster, y Austin Peralta, Brandon Coleman, Miguel Atwood-Ferguson, Dorian Concept, y especialmente Thundercat, dibujaron un disco que a día de hoy sigue sonando atemporal. Dos mes después de la publicación de «UTQC», el 21 de noviembre de 2012, Austin Peralta muere con tan solo 22 años a causa de una neumonía agravada por el consumo de alcohol y drogas.

‘Estábamos siempre juntos, todo el día, y de repente el tipo desaparece y va a otra dimensión en la que no puedo volver a verle. Sentí como si no pudiera ser yo’

· Thundercat

 

APOCALYPSIS OSCURO

El último registro musical que quedará de Austin Peralta es esta interpretación en directo la misma noche de su muerte. Paradójicamente el standard Goodbye Pork Pie Hat, una elegía que Charles Mingus (una de las influencias de Thundercat) había compuesto en memoria de su amigo y saxofonista Lester Young. La elegía de Thundercat a su amigo Austin aka Jondy (como le llamaba familiarmente) llegaría en A Message For Austin, un corte de su siguiente disco «Apocalypse» publicado en 2013. 

Lo primero que llama la atención del disco es el contraste entre las portadas y las sensaciones que transmiten. De la luz de la Época Dorada la imagen cambia a una fotografía de Brian Cross aka B+ que muestra a un Thundercat coronado con laurel mirando firme y serio a una luz que rompe en la oscuridad en la que está sumido. En la antigua Grecia si abandonabas laureado el Oráculo de Delfos, era una señal de porvenir y salvación futura. Tras la muerte de su amigo, el camino del héroe del joven Leon’ O se había completado. El ‘Open your mind’ de Daylight que abrió la mente a sus compañeros, se convierte en el ‘Open up mi mind, open up mi heart’ del reprise que hizo para la edición especial de «Apocalypse» que se lanzó en Japón.

Pilar de la fotografía del rap desde los tiempos de «It’s On (Dr. Dre) 187um Killa» de Eazy-E. Biggie en Beberly Hills, Lauryn Hill embarazada, la portada de «Entroducing» de Dj Shadow, Dilla y Madlib en «Champion Sound», hasta Kendrick más recientemente…

Ligado a Stones Throw Records (2001-2006), especialmente a Mochilla y también a la revista WaxPoetics.

Sigue habiendo referencias a los videojuegos y las series anime, lugar para el desparrame como en Sheit It’s X inspirada en una fiesta de fin de año que ‘Sucedió en mi casa y duró dos días. Pero el porvenir luce especialmente en los homenajes a Austin Peralta en la apertura con Tenfold y el cierre con A Message For Austin/Praise The Lord/Enter The Void, albergando positivismo y agradeciendo al teclista el conocimiento compartido. 

«Apocalypse» es un disco más maduro, un legado, la energía que quieres dejar en el mundo si mueres. Por eso la muerte está tan presente en la música y las letras y no sólo como luto, sino como algo que también afecta a tu perspectiva de una relación, o a la energía que dejaremos en el cosmos cuando vayamos a otra dimensión como hizo Austin. Está hecho en y desde la intimidad, sentido y codificado en el encierro y el autoconocimiento. Una conexión interior que hace al músico, artista, y quizá por eso es considerablemente menor la presencia de músicos que en su ópera prima. En «Apocalypse» Thundercat sólo se acompaña de Flying Lotus y de Mono/Poly, un productor de la beat scene angelina que había remixeado a FlyLo en su «L.A. EP 2 X 3» (2008, Warp Recordings), editado con Brainfeeder y participado en las Low End Theory Nights. 

Lo que no sabría B+ cuando fotografió a Thundercat para la portada de «Apocalypse», es que efectivamente el camino que le esperaba estaba lleno de luz y creación, pero ese es otro viaje.

Texto por Dasar